BARÇA 1- OSASUNA 0

 

Después del terremoto, que tampoco fue tanto, causado por la dimisión en diferido de Xavi, hoy había una gran expectación, más mediática que en número de seguidores que se han desplazado a Montjuich, para ver qué partido haría el Barça. Algunos esperaban que, ante tantas declaraciones de amor entre técnico y jugadores, hubiera una salida fulgurante para demostrar que el equipo iba a dar un paso adelante.

La verdad es que el Barça ha exhibido el mismo nivel futbolístico lamentable que nos ha acompañado toda la temporada ante un rival débil como Osasuna. Hay pocas ideas para crear juego e impera la mediocridad en el universo futbolístico del equipo de Xavi.  Lamal ha tenido un hueso duro de roer con el marcaje de Mojica y, pese a que lo ha intentado y se le debe reconocer el mérito, no ha podido marcar diferencias. Con un Pedri más retrasado para asegurar la salida de pelota, y un Gündogan que siempre se queda cerca de marcar la diferencia pero nunca llega a hacerlo, las sensaciones de mayor peligro han venido con los desmarques de ruptura de Fermín, que había sustituido al lesionado Torres en el minuto 4, convirtiéndose en el mejor jugador del Barça pues además era el que más garra le ponía al partido. Mientras tanto, el jugador franquicia, Lewandovski, arrastrándose por el campo como una alma en pena durante todo el partido. En resumen, un juego mediocre, lento, espeso y creando pocas o ninguna ocasión clara de gol. 

La segunda parte seguía la misma tónica con Fermín siendo el mejor del partido y se intuía la aparición en escena de Tigrinho Roque. En una nueva prueba de su cobardía, y en vez de sacrificar a Gündogan o De Jong, el sustituido ha sido Fermín. Si Xavi ha apostado por los jóvenes ha sido porque tiene una plantilla corta, ha tenido lesiones y no ha tenido más remedio que utilizarlos. Pero ahora se va a colgar la medalla de apoyar a los jóvenes en la distorsionada realidad en la que vive. 

Roque ha tenido suerte en su estreno en Montjuich. Ha aprovechado un buen centro con el exterior de Cancelo desde la banda izquierda para atacar el primer palo y cabecear marcando gol. Justo después, un jugador de Osasuna ha sido expulsado por doble amarilla por lo que parecía el escenario apropiado para meter un segundo gol y no sufrir, aunque solo fuera por una vez en la temporada. Pero ni por esas, un equipo con poco talento ofensivo como Osasuna, jugando además con uno menos, ha creado dos ocasiones claras de gol y, ya en el descuento, ha tenido un córner que ha finalizado con una jugada embarullada en la que, afortunadamente, no se ha producido el empate. Otra vez, falta de control del partido ante un endeble Osasuna.

El partido de hoy constata que, con dimisión diferida o no, el equipo juega igual de mal y está en la UCI futbolística. El sábado, nuevo examen en Vitoria, aunque estos tres puntos frente a Osasuna, que dan una ventaja de cinco sobre el Athletic, dan un balón de oxígeno que hay que aprovechar sentenciando los próximos partidos antes Alavés, Granada y Celta. 

MUERTE AL AMANECER

 

Muerte al amanecer (1957), de Josep Maria Forn, es una de aquellas películas que configuraron un cine negro a nivel español y, más en particular, barcelonés, pues fueron muchas las películas con localizaciones en Barcelona o zonas próximas hechas por estudios y equipos técnicos que radicaban en Cataluña.

En esta película, el argumento empieza con un hombre que está en un hotel de Sitges y la policía viene a detenerlo. Conducido por automóvil a Barcelona pasando por las costas de Garraf, coqueteará con la idea de abrir la puerta del coche y lanzarse en un buen inicio del filme. Llegado a Barcelona, escapará de la policía aprovechando que uno de los agentes es un exfutbolista que está lesionado para correr y se empieza a desarrollar la trama. El hombre que ha huido de la policía está acusado del asesinato de su padrastro pero, en realidad, es el típico caso tantas veces mostrado en el cine de falso culpable. Una oscura trama de intereses de varias personas confluye sobre lo que, en realidad, ha sido una muerte accidental. Y entre estos intereses, y para que no se active una póliza de seguros, figura un inspector de una compañía aseguradora investigando de forma paralela a la policía e introduciendo pruebas falsas para que haya un culpable y la compañía quede exonerada de pagar la indemnización, además de realizar méritos para trabajar en la matriz de la sociedad ubicada en Suiza.

El protagonista del filme es Antonio Vilar, un actor portugués que se pasa la película angustiado pues escapa de la policía pero él mismo desconoce si ha sido el asesino al sufrir crisis amnésicas. Un personaje azorado, perdedor de manual de película de cine negro que no puede escapar a su destino fatal. Pero, aunque Vilar está bien, el personaje más interesante de la película es el inspector de seguros, muy bien interpretado por José María Rodero, con retorcidos propósitos y escasa moralidad, que no duda en fabricar pruebas falsas marcándose un Quinlan, por citar al célebre inspector de Sed de mal. 

La trama de la película es sinuosa, complicada de seguir al ser compleja y con múltiples focos (la policía, la aseguradora, el inculpado, familiares del difunto) pero entretenida. Me ha gustado especialmente el inicio en las costas de Garraf y el desenlace en el puerto de Tarragona.

Es una película interesante de un género a reivindicar por ser muy cercano a nosotros y tener una calidad media aceptable. Son películas que hubieran mejorado de no vivir en un período de censura pues el cine negro siempre muestra corrupción y aquí tenían que ser contenidas, pero suelen verse de forma bastante amena. 

PASAPORTE A LA FAMA

 

Pasaporte a la fama (1935) es una película de Ford realizada en el momento más prolífico de su obra por lo que se refiere al periodo sonoro. Durante los años 30 y hasta el estallido de la II Guerra Mundial, Ford rueda unas tres películas por año, ritmo que bajará ostensiblemente en sus dos últimas décadas como realizador.

Con tantos filmes realizados en la década de los treinta, no creo que en muchos de ellos el argumento le interesara especialmente y bien pudiera ser el caso de esta película.  La trama gira en torno a un empleado contable de una empresa que tiene un parecido asombroso con un famoso gánster lo cual lleva a que, después de una inicial confusión en la que es detenido, la policía le proporcione un salvoconducto para acreditar su verdadera identidad. El gánster, enterado de este hecho, le abordará y exigirá que alternen el salvoconducto, utilizándolo para seguir con su actividad criminal. Cuando el gánster finalmente ha decidido acabar con la farsa que ya no le conviene seguir y quiere liquidar al contable, éste lo burlará, aprovechándose de sus sicarios, y hará que liquiden al temido delincuente mientras llega la policía para poner orden ya que la acción es simultánea a un secuestro de la compañera de trabajo del contable, de la cual está enamorado.

El argumento no es, pues, apasionante. Pero la película se ve con agrado y tiene activos importantes. Uno es el protagonista, Edward G. Robinson, asumiendo los dos roles, el del apocado y honrado contable, y el del cruel y malvado hampón. Robinson realiza una gran interpretación, dando vida de manera simultánea a hombres tan diferentes, y siendo convincente tanto en uno como en otro papel. La figura de la compañera laboral de Robinson es interpretada por Jean Arthur, una buena actriz aquí en un papel de chica pizpireta que se le daban bastante bien.

Y el otro gran activo es Ford. Aunque no creo que fuera un filme personal, sí se nota una cosa en la que era un maestro y es la de mezclar drama con comedia. Hay muchas situaciones de la película tratadas como comedia que mantienen viva y ágil la película, dándole más alicientes al margen de una trama de no mucho interés.  Y luego tenemos la competencia profesional de Ford, filmando de manera concisa y fluida, haciendo que la película mantenga un buen ritmo y dejando algunos detalles de su gran maestría, como la escena en que el criminal, suplantando al contable, accede a la prisión para ejecutar a un chivato. La manera en que Ford hace desparecer los dos personajes, y luego vuelve a plano el gánster iluminado por la fotografía de Joseph H. August, es una escena filmada por, tal vez, el mejor director de cine de la historia. 

 

BARÇA 3- VILLARREAL 5

 

Noche triste. Así como Hernán Cortés quemó sus naves, ayer Xavi, con su dimisión en diferido, quemó las suyas para destensar a los jugadores y cambiar la dinámica del equipo. Si el objetivo de Cortés era ambicioso, conquistar el imperio azteca, a los jugadores se les pide ya muy poco: dejar de hacer el ridículo, asegurar plaza en la Champions y eliminar en el mes de mazo a un conjunto como el Nápoles, noveno de la Liga italiana ahora mismo y que atraviesa un momento decadente como el nuestro.

No recordaba que al Barça le metieran cinco goles en su estadio. Me acordaba de un sonrojante 0-4 contra el Sporting de Gijón en la época de Venables, otro 0-4 contra el Colonia en la UEFA de 1980, el 0-4 del año pasado en Copa contra el Madrid, un 2-4 contra el Valencia en la época Van Gaal. Recuerdo incluso un intrascendente 1-4 contra el Salamanca una vez se había ganado la Liga en 1998, o un 5-4 contra el Atlético de Madrid en aquella eliminatoria gloriosa de Copa en 1997. Pero cinco goles nunca. Me reconforta, leyendo la crónica de Emilio Pérez de Rozas, que mi memoria aún funciona bien. Al Barça no le metían cinco goles en casa desde que lo hizo a primeros de los años 60 el Real Madrid y, por motivos obvios, no puedo recordar ese partido.

Xavi consiguió con su anuncio que, en la rueda de prensa,  no se hablara del partido. No es que haya mucho que decir, pero los cinco goles encajados, ninguno a balón parado, demuestran como está el equipo.

En el primero, Crhistiansen marca a distancia a Gerard Moreno dejándole un espacio impropio de un central de categoría para que remate desde el corazón del área; en el segundo, Cancelo comete una negligencia grave tocando una pelota y habilitando a Ilias que sortea a Peña y marca; en el tercero, el equipo no sabe hacer una falta táctica, se nota que jugamos sin mediocentro defensivo y Guedes, en una buena transición, fusila a Peña; en el cuarto, una cadena de despropósitos de toda la línea defensiva, incluyendo un fallo final de Peña que hasta entonces había tenido poca culpa, da pie al gol de Sorloth; y, en el quinto, la defensa, y todo el equipo, ya había dimitido del partido y encarado el camino hacia los vestuarios cuando el comandante Morales, que sí seguía en el partido porque el árbitro no había pitado aún el final, marcó para mayor escarnio de los jugadores.  

Tuvimos de todo, fallos de concentración, fallos groseros, problemas de estructura defensiva, … y desbandada final de un equipo absolutamente desnortado.

Cenando de manera apresurada para ver la rueda de prensa de Xavi, descubrimos que no hacía falta correr tanto. Pasaban los minutos y no comparecía nadie en sala de prensa, mientras se informaba de una reunión de Laporta y sus secuaces, algo que llaman comisión deportiva. Al final, apareció Xavi, con un discurso incoherente y contradictorio. Deja el equipo porque considera que es lo mejor para el club y destensar a los jugadores, pero se reivindica como la mejor solución hasta el 30 de junio. Surrealista. Y también fue surrealista cuando dijo a quienes había explicado su decisión: Laporta, Yuste, Deco … y Alejandro Echevarría, al que citó más de una vez. ¿Quién es este señor? Se sabe que no es miembro de la Junta. ¿Es socio del Barça? ¿o ni siquiera eso? Todos sabemos quién es, y lo que significa en el organigrama del club porque refleja la desvergüenza e hipocresía de un trilero como Laporta, que no se atreve a formalizar lo que es de dominio público admitiendo que Echevarría es uno de los hombres más influyentes del club.

En lo futbolístico, hay que asegurar entrar en Champions y, con Xavi o sin Xavi, se tiene que elevar el nivel. A partir del miércoles ante Osasuna, veremos qué efectos tiene la dimisión diferida, si bien muchos señalan la poca autoridad que tiene un entrenador que ha dicho que se va. Ahora vienen unos partidos relativamente plácidos en Liga: Osasuna, Alavés y Granada. Si no se ganan estos partidos, luego el calendario se complicará y existirá riesgo real del desastre de no quedar entre los cuatro primeros.

En lo institucional, Emilio anuncia una posible moción de censura contra Laporta en marzo. Sería la segunda después de la de 2008. Ojalá esta vez hubiera más suerte y se enviara al siniestro personaje a la papelera de la historia azulgrana.  

 

UN MILLÓN EN LA BASURA

 

José Luis López Vázquez es un actor tan enorme que siempre viene de gusto verlo en una película. La lástima es que, en esta ocasión, y a pesar de que su nivel interpretativo alcanza la excelencia, esta comedia dirigida en 1967 por José María Forqué resulta un tanto insuficiente.

A pesar de ser rodada a finales de los años 60, la película tiene un tono neorrealista, sobre todo en una primera escena en la que López Vázquez, humilde trabajador municipal de limpieza del Ayuntamiento de Madrid y su mujer, Julia Gutiérrez Caba, analizan su depauperada situación económica, que es tan lamentable que han empeñado las alianzas de boda, no pueden ni pagar el recibo al cobrador de El Ocaso (o, como hubiera dicho mi abuela, “el de los muertos”) al cual han de dar largas y, lo peor de todo, han de pagar 3.000 pesetas en unas horas para no verse desahuciados.

Tras este inicio, y haciendo su habitual ronda de limpieza con un compañero interpretado por Juanjo Menéndez, el barrendero, tal como refleja el título de la película, se encuentra un millón de pesetas en la basura. A partir de ahí, el tono es de comedia y la historia se mantiene con el aliciente de saber si devolverá el millón o no. Su primer impulso, y el de su suegra, es no devolverlo contra el parecer de su mujer y su suegro. Al final, podrá más la honradez de esta gente humilde que será convenientemente gratificada por la compañía mercantil que había perdido el dinero, y de acuerdo con las fechas navideñas en que tiene lugar la trama que también propicia un acto de solidaridad económica por parte de los compañeros del Ayuntamiento siguiendo la línea de los que ayudaban a George Bailey en ¡Qué bello es vivir! Mientras tanto, las situaciones cómicas se ven ayudadas por López Vázquez, histriónico mientras no pierde de vista la maleta con el dinero, nervioso ante las dudas que le asaltan y desarrollando su vis cómica.

La película está bien, pero al guion le falta mala leche. Hubiera hecho falta un Rafael Azcona para potenciar el tono de comedia, pero sobre todo mostrar la miseria y mediocridad de la sociedad franquista. Probablemente, esto excedía los propósitos de los tres guionistas de la película: Pedro Masó, Vicente Coello y Antonio Vich, así que la historia está en buena parte desaprovechada, pero es una película que se ve de forma amena y muy bien interpretada, también con una colección de secundarios de toda la vida como José Sacristán, Rafaela Aparicio, Saza, Emilio Laguna, etc.

 

ATHLETIC 4- BARÇA 2

 

Se van agotando las opciones para ganar títulos. En diez días se han perdido dos: Supercopa y Copa. Los primeros que ven con espanto una temporada en blanco son Xavi y Laporta. Solo así se entiende que empezaran a contar, como hacia Núñez en los años ochenta, los puntos que tenemos de menos, y de más el Madrid, por influencia arbitral. Resultó escandaloso como un árbitro novel en primera, y que debutaba en el Bernabéu, fuera manipulado por el árbitro del VAR y perjudicara ostensiblemente al Almería. Pero el problema del Barça es que no ha jugado bien a fútbol en toda la temporada y, si no juegas bien, la calidad individual de los jugadores te salva ante Betis y Osasuna, pero no ante rivales con más nivel como el Athletic ayer. Y, además, estando vivo el caso Negreira, mejor sería que presidente y entrenador mantuvieran un perfil bajo al hablar de los árbitros.

La puesta en escena fue horrorosa. Gol del Athletic a los 30 segundos del pitido inicial, con una falta de concentración absoluta de una defensa de mantequilla. Cuando a un equipo, en varios partidos de la temporada, le meten un gol en el primer o segundo minuto es que el entrenador tiene gran parte de culpa.

Tras este desconcertante, por repetitivo, inicio de partido, el Barça hizo una primera parte que podríamos calificar de aceptable. Pedri y Ferran lo intentaron y, estaban pisando área e incomodando a la defensa vizcaína cuando un defensa, en el intento de despejar el balón, lo estrelló contra la bota de Lewandovski que había ido a bloquear el despeje y el Barça empató el partido. Con tablas en el marcador, una gran jugada individual de Lamal por la banda derecha, tras regate y disparo al segundo palo con la izquierda, propició el 1-2. Sin hacer un partido del otro mundo, el Barça encaraba la segunda parte con ventaja en el marcador.

Pero en la segunda parte del Barça fue muy mala. Principalmente, hay que señalar que nuestro centro del campo ( Pedri, De Jong y Gündogan) no tiene jerarquía, ni para gobernar el partido, ni para hacer un buen balance defensivo, ni para surtir de buenos balones a los delanteros y, en definitiva, fracasa cuando el rival tiene un poco de entidad. Si cogemos de manera individual a cada uno de los tres jugadores, no hay duda de su calidad futbolística y, por tanto, que jueguen mal se debe a la ineptitud de su entrenador.

El Athletic empató al inicio de la segunda parte. Ante la mirada ausente de Kounde, Nico Williams tuvo tiempo para poner un buen centro que Sancet, ante la pasividad de De Jong, remató de cabeza con acierto a la red. El Athletic se mostraba mucho más intenso y sus aproximaciones llevaban más peligro al área de Peña mientras que el Barça iba cediendo terreno ante el empuje y derroche físico bilbaíno. No obstante, Lamal tuvo dos oportunidades de oro para poner el 2-3. Primero se quedó solo en un contraataque muy rápido después de una asistencia de Lewandovski pero el portero se le echó encima y no pudo precisar el disparo. Y, a cinco minutos del final, un error infantil de un defensa hizo que Lamal robará la pelota, sorteará al portero y, con la pierna derecha, no acertara a rematar a gol. Fueron dos ocasiones muy claras, no fruto del buen juego, y que tampoco se pueden reprochar a Lamal que, con 16 años, bastante está haciendo.

En la prórroga, aunque los dos equipos estaban muy cansados, se veía más grande al Athletic y más pequeño al Barça. Un balón perdido por Sergi Roberto dio lugar a una jugada que culminó Iñaki Williams e hizo justicia a un Athletic que fue a por el partido de manera más decidida, con más empuje y el aliento de su afición. A partir de ese momento, el Barça fue un quiero y no puedo, prácticamente sin crear una ocasión hasta que Nico Williams apuntilló el 4-2 en el último minuto.

Hay que destacar a los jóvenes que jugaron ayer. Lesionado Balde, asumió el papel de lateral Héctor Fort e hizo un gran partido, con un desgaste físico que le llevó a acabar acalambrado y casi sin moverse. La lesión de Christiansen dio lugar a que volviera a jugar Cubursí que, con 17 años recién cumplidos y en un escenario como San Mamés con lo que había en juego, cumplió perfectamente cuajando una buena actuación. También Guiu puso empuje y coraje demostrando que estos jóvenes tienen ilusión mientras gente como Gündogan y Lewandovski, con fichas millonarias, están de vuelta en el mundo del fútbol.

Ahora tenemos cuatro partidos ante equipos mal clasificados: Villarreal, Osasuna, Alavés y Granada. Nada a ganar y mucho a perder. De ganar estos partidos, Xavi y Laporta se agarrarán al hilo de esperanza que se puede luchar la Liga, aunque no sepamos muy bien cómo, con las prestaciones que da el equipo, vamos a ganar en el Bernabéu, San Mamés, Metropolitano y Montilivi. De tener algún tropiezo, será ya imposible no pensar que la temporada acabará en blanco.

 

 

LE HAVRE

 

Le Havre (2011) es otra película de Aki Kaurismaki en la que, mezclando de nuevo una historia dramática con un suave sentido del humor, nos muestra la actitud decente del protagonista del filme, de algunos de sus vecinos y, incluso y de manera sorpresiva, de un policía.

Marcel Marx, después de llevar una vida bohemia, se ha asentado en la ciudad portuaria de la Francia atlántica trabajando de limpiabotas. Allí vive con su mujer en una casa sin ningún lujo y relacionándose con propietarios de modestos negocios del barrio, un bar y un colmado, así como un vietnamita llamado Chang que ha regularizado sus papeles en Europa como inmigrante chino. A Marx le sucederán dos cosas que alterarán su monótona pero aparentemente plácida existencia. Por una parte, su mujer enfermará de cáncer y será internada en un centro hospitalario y, por otro lado, recogerá a un chico preasolescente que ha llegado desde el continente africano en el container de un barco que ha atracado en Le Havre y ha conseguido huir de la policía, siendo activamente buscando por ésta como se ve por el seguimiento periodístico del caso. Marx se desvivirá por ayudar desinteresadamente al chico, averiguando primero que su madre vive en Londres y, posteriormente, logrará embarcarlo ilegalmente en un pequeño barco que cruza el Canal de la Mancha para que llegue a la capital inglesa.

Como en El otro lado de la esperanza, encontramos a una gente, Marx y sus vecinos además de Chang, volcados en una acción solidaria y digna, aunque sea transgrediendo la ley, escondiendo a un inmigrante ilegal y embarcándolo de forma ilícita con rumbo al Reino Unido. Gente que son de clase social baja, pero con valores y sensibles al drama de la inmigración, en este caso con el añadido de tratarse de un menor.

Kaurismaki sigue fiel a su estilo, no dramatiza, no enfatiza, muestra los rostros de los demás inmigrantes que iban en el container y no hace falta añadir mucho más para captar la situación dramática de esa gente. Y nos arranca una sonrisa con su sentido del humor, aquí con el momento más divertido cuando Marx organiza, junto con Chang, un concierto para conseguir fondos y poder pagar los 3.000 euros para la travesía marítima del chico. El concierto lo da el rockero francés de origen italiano Little Bob interpretándose a sí mismo, y jugando en casa pues es natural de Le Havre siendo su nombre real Roberto Piazza.

Kaurismaki remata la película con un final ilusionante, y seguramente utópico, pero muy bonito y reconfortante para una buena persona com es Marcel Marx.

UNA JORNADA PARTICULAR

 

Una jornada particular (1977) es una película de Ettore Scola en la que dirige un gran duelo interpretativo entre Marcello Mastroianni y Sophia Loren, absolutos protagonistas en una cinta con pocos personajes secundarios.

Unas imágenes en blanco y negro de archivo introducen el día en que transcurre la acción y que es el 3 de mayo de 1938, día en que Hitler realiza una visita oficial a Roma. En una comunidad de vecinos, casi todo el vecindario acude con entusiasmo a los desfiles de bienvenida al dictador germano menos una ama de casa, interpretada por Sophia Loren, que se queda en casa, ocupada en labores del hogar, tras haber visto como su marido y seis hijos acudían al desfile. Loren es una mujer amargada en su matrimonio, sumisa respecto a un marido de aspecto rudo, que no le presta atención y le es infiel; y dedicada a atender a su numerosa prole, además de ser afecta de manera acrítica al régimen fascista.

Al escaparse un pájaro de su jaula e ir a parar a una cornisa de un balcón de la otra parte del edificio, Loren conocerá a un hombre que vive solo en un piso. Ese hombre es Mastroianni y es un locutor que ha sido purgado y despedido de la emisora en que trabajaba por ser homosexual con lo que, obviamente, está en contra del régimen de Mussolini. Loren descubre en Mastroianni a un hombre culto, refinado y traban conocimiento con una atracción mutua, no en el aspecto sexual para él, que tendrá un momento de crisis cuando Loren pretenda tener sexo y descubra en ese momento la homosexualidad de su vecino que la rechaza y manifiesta airadamente su condición utilizando la palabra maricón. Loren vuelve a acudir arrepentida al apartamento de Mastroianni, siguen juntos hablando, intimando, abriéndose él más sobre su orientación sexual y llegan a tener una relación, por la insistencia de la Loren y la complicidad que se establece en un momento muy determinado, ya que Mastroianni le dice que ha sido bonito pero no puede haber nada más. El final del desfile hace que vayan volviendo los vecinos del inmueble y, de manera definitiva, los protagonistas se separan pues Mastroianni hace la maleta y abandona Roma. Un final triste y desolador, anticipando lo que sucederá en Italia en los siete años siguientes que dejarán al país arrasado.

Mientras la pareja protagonista está en sus apartamentos o en la azotea del edificio, la banda sonora son las canciones militares, discursos y ovaciones que llegan de lo que sucede a unos metros de allí en la bienvenida a Hitler.

Lo más destacable de la película, y que la convierte en un filme para recordar, es la interpretación de los dos protagonistas, dos grandes que llenan la pantalla, hacen creíbles los personajes y contagian emoción, con una muy sensual Sophia Loren.  Scola se apoya en ellos para explicar un momento negro de la historia de Italia, con una parte de la población anestesiada por el fascismo y otra parte como víctimas del régimen.

Es una película apropiada para hacer una adaptación teatral, con prácticamente dos únicos personajes en 3 escenarios, los dos pisos y la azotea. Y fue el propio Ettore Scola el primero que llevó la obra al teatro. 

BETIS 2- BARÇA 4

 

El Barça sigue vivo en la Liga, a pesar del escandaloso arbitraje en el Bernabéu que impidió puntuar al Almería, gracias a un triunfo que pudo haber sido solvente y se complicó demasiado.

Parece evidente que al Barça le viene bien jugar contra el Betis. El equipo andaluz es un conjunto que intenta jugar el balón y no tiene una defensa muy consistente, ni se trata de un equipo físico que ponga mucha intensidad. Así que el Barça no pasó apuros en defensa durante la primera parte, controló el partido y, sin hacer un gran juego colectivo, consiguió adelantarse en el marcador e ir 0-1 al descanso con gol de Torres en una jugada un poco afortunada, pues hay un rebote que descoloca a la defensa del Betis.

Tras el descanso, el Barça pareció sentenciar con un 0-2 tras un gol nuevamente de Torres, recogiendo un rechace al palo después de una extraordinaria jugada de Lamal. Y, ante un Betis que había mostrado un nivel bastante bajo, apareció de nuevo la fragilidad del Barça en defensa tras un mal entendimiento entre Peña y Araujo que propició un mal rechace y un trallazo de Isco, que repetiría pocos minutos después para empatar el partido.

El partido entró en un escenario peligroso y podía caer de un lado u otro ya que el Betis se había animado bastante después de una primera parte deprimente del cuadro sevillano. Afortunadamente, Joao Félix, que entró en la segunda parte, definió de manera exquisita desde la frontal del área en un gol de auténtico crack. Con el Betis buscando el empate al filo del minuto noventa, Torres firmó un hat trick sentenciando el partido en un rápido contraataque recibiendo la pelota tras inteligente pase de Lamal.

En cuanto a nombres propios, hay que destacar la presencia de Cubursí en defensa, un chaval que hoy cumple 17 años y se estrenó con nota en un puesto tan delicado como el de central. El resto de la línea defensiva estuvo correcto, así como un centro del campo que, sin alardes, iba controlando el partido durante la primera parte, aunque perdió ese control en una gran parte del segundo tiempo. Esta vez merece destacarse la parte ofensiva del equipo con un espectacular Lamal, incisivo, pasador, rematador y trabajador en defensa; un Tiburón Torres que ayer se mostró letal y con los dientes bien afilados; y un Joao Félix que solo por ver como definió ya valía la pena pagar la entrada del partido. Como nota discordante, lamentable partido de Lewandovski, lento, torpe y confirmando que va a ser un problema si sigue la temporada que viene.

Así que hubo buenas y malas sensaciones en el partido. Ahora Xavi tiene unos días de relativa calma pues el miércoles el examen en San Mamés parece más exigente que en el Benito Villamarín, pero si las individualidades del Barça vuelven a aparecer pueden decantar la eliminatoria, aunque el juego colectivo siga siendo insuficiente.  

PERFECT DAYS

 

Perfect days es la última película de Wim Wenders, estrenada hace unas dos semanas y que es difícil de abordar desde el momento en que la película, de unas dos horas de metraje, explica la historia de un hombre cuyo oficio resulta de tan poco interés como ser limpiador de urinarios en Tokio, sigue una vida totalmente rutinaria, casi no se relaciona con nadie y apenas habla.

El actor Koji Yakusho, que ganó la Palma de Oro en Cannes, realiza una interpretación soberbia de un hombre que, pese a esa rutinaria existencia, es feliz.  Y esa felicidad pasa por disfrutar pequeñas cosas pero para él muy importantes: hacer alguna labor de jardinería, fotografiar la poca naturaleza que hay en un área urbana como Tokio, acudir a algún puesto de comida rápida, comprar algún libro de segunda mano como Las palmeras salvajes y oír en su furgoneta cintas de cassette antiguas que contienen música anglosajona de los años 60 a 80 que son la banda sonora del film ( The animals, The Rolling Stones, Otis Reading, Lou Reed, …).

Los personajes secundarios que aparecen y rompen las secuencias dedicadas a mostrar la vida diaria de Yakusho son el contrapunto para ver que el protagonista es feliz en su cotidianidad y no necesita de otros estímulos. Así, aparecen un descerebrado compañero de trabajo junto con su novia y la sobrina de Yakusho, que se ha escapado de casa, aunque luego su madre venga a buscarla después de estar un tiempo con su tío. Yajusho los observará, convivirá incluso, pero mostrará una dulce indiferencia hacia todos ellos y se palpará esa distancia cuando conversa brevemente, y a cierta distancia, con su hermana que ha ido a buscar a su hija.  

Wenders, admirador de Yasujiro Ozu, realiza una especie de homenaje al maestro japonés y ningún mejor lugar para hacerlo que Tokio en una película rodada íntegramente en japonés. Aunque el estilo de filmar de Wenders es más dinámico que el de Ozu, se acerca mucho a la temática del segundo respecto a una cosa tan difícil como filmar una cotidianidad, sin aparente interés, pero con cosas a descubrir y destacar aunque sean en el universo cerrado de, en este caso, ese individuo, pero en las películas de Ozu de un ámbito familiar más amplio. La única objeción que pondría es que la película se me ha hecho un pelín larga y hubiera quedado mejor con algo menos de metraje

UNIONISTAS 1- BARÇA 3

 

No nos salvamos de hacer el ridículo, esta vez más en la sala de prensa que en el campo. Después de un partido que, con gran generosidad por mi parte, calificaré de discreto, Xavi dijo que se había jugado bien y que el equipo está en construcción.

Después del ridículo del domingo, el Barça salió tan poco intenso que al minuto 1 un primera REF como el Unionistas ya creó una oportunidad. Con menos nervio que en la primera parte del Barbastro, el equipo iba jugando al tran tran, sin crear apenas ocasiones y en un contraataque un jugador del equipo local, que estaba totalmente solo ante la desidia de la defensa azulgrana, empalmó una volea imparable para Peña. La eliminatoria se ponía muy fea, pero el equipo local se vino demasiado arriba y, aunque forzó una nueva ocasión de gol abortada por Peña que envió la pelota a córner, acudió con demasiado entusiasmo a rematar dejando pocos efectivos en defensa.  Para colmo, tras botar el córner, el último hombre de la defensa se equivoca al saltar sobre Joao Félix y se genera una jugada en la que Torres avanza solo desde el medio campo, encara al portero rival y lo bate. Fue un alivio que en esa última jugada de la primera parte los salmantinos se comportaran como unos pardillos y se firmaran las tablas en el marcador.

En la segunda parte, el equipo siguió jugando a lo de siempre, es decir, a nada. Pero el equipo local, al que le costaba mantener el tono físico, iba defendiendo cada vez más atrás. Y, no por juego colectivo, sino en dos fogonazos individuales e insospechados, el Barça marcó 2 goles. En el segundo, la defensa salmantina, más preocupada en tapar los pasillos interiores, flotó a Koundé y al galo le salió un gran chut desde fuera del área. Y el tercero fue una acción individual de Balde que esperemos refuerce su alicaída moral.

Con dos goles de margen ya era muy difícil sufrir, pero una espectacular doble parada de Peña en una ocasión en el minuto 90 ahorró que se afrontarán los cinco minutos de descuento con la angustia habitual. El equipo local no bajó los brazos y en esa doble ocasión demostró que el Barça es un equipo frágil, vulnerable hasta para un primera REF.

El domingo, nueva final para Xavi, agarrado al resultadismo y a que quedan los premios gordos por repartir y aún se pueden ganar tres títulos.  El Betis ha tenido toda la semana para preparar el partido y ese es un factor que puede ser importante. No está haciendo una temporada deslumbrante, pero R.Madrid y Girona no pudieron ganar allí. Sería una buena ocasión para que el equipo diera el paso adelante que reclama Xavi y, con una victoria, mantuviera el pulso en la Liga. De no ganar, ya entraremos pronto en el discurso que hasta que las matemáticas no digan lo contrario …

 

EL OTRO LADO DE LA ESPERANZA

 

El otro lado de la esperanza (2017) es otra gran película de Aris Kaurismaki que dan en BTV y, afortunadamente, en VO subtitulada porque la película es trilingüe, hablándose en finés, inglés y árabe.

Se trata de dos historias paralelas que luego confluirán. Empieza con un inmigrante sirio, llamado Khaled, que entra ilegalmente en un barco a Finlandia y es acogido en un centro de llegada. Kahled proviene de Alepo y ha huido del conflicto sirio vagando por media Europa y habiendo perdido la pista de su hermana Miriam, uno de los pocos familiares que le quedan vivos después de que su casa fuera bombardeada. Traba amistad con un inmigrante iraquí, tiene un encontronazo con un grupo de skinheads racistas y empiezan los trámites para determinar si Finlandia le da trato de refugiado político, cosa que no sucederá ya que se le deniega dicho estatus y se dicta contra él una orden de expulsión para ser devuelto a Siria con escala previa en Ankara. 

La otra historia es la de un hombre de unos cincuenta años, llamado Waldemar, que da un giro a su vida separándose de su mujer, dejando su trabajo de representante de géneros de punto, jugándose una fuerte cantidad de dinero en una timba de póker y, con lo ganado, comprando un decadente restaurante con tres trabajadores a los que mantiene en el empleo.

Entonces las dos historias se unen cuando Khaled, que se ha escapado de los policías de inmigración que le iban a llevar al aeropuerto, se esconde en el patio donde se echan las basuras del restaurante y es descubierto por Waldemar. Aunque lo primero que ocurre es un intercambio de puñetazos, luego Waldemar no duda en asistir a Khaled, darle un alojamiento y ofrecerle trabajar en el restaurante. Y no solo eso ya que su compromiso solidario, también ayudado en esto por los demás trabajadores del restaurante, incluirá proporcionarle documentación falsificada y poner los medios para que la hermana, que ha sido localizada en Lituania, pueda llegar a Finlandia.

Al final, hay un cara o cruz en la historia y, mientras Khlaled tendrá un último y mal encuentro con los skinheads racistas, Waldemar irá a visitar a su mujer y parece que empezarán a retomar su relación.

Kaurismaki filma con la misma concisión habitual en él, evitando superfluidades.  La escena de la separación de Waldemar al inicio de la película es sin diálogo, él se acerca con una maleta a una mesa en la que ella está sentada, deja unas llaves y un anillo en la mesa y se va; mientras, la mujer deja el anillo en un cenicero repleto de colillas y empieza a beber licor. No le hace falta más para explicar esa separación. Leo en la prensa de hoy un artículo que Ramón de España habla de Kaurismaki y cita algo que dice el propio director finés y que demuestra su manera de entender el cine a la hora de rodar: Me basta con dos personajes delante de una pared. Me conformo con un actor y una pared. Y si no hay más remedio, ya me apañó con la pared.

Como otros grandes del cine (estoy pensando en Ford) no necesita incidir ni hacer énfasis en situaciones denunciables. Kaurismaki no moraliza, describe con su estilo la maquinaria burocrática finlandesa y la aparición de los elementos de ultraderecha sin dramatizar ni adornar más de lo necesario, simplemente muestra. Y, en una película que recoge situaciones dramáticas por la vulnerabilidad de los inmigrantes, y como hicieron otros grandes (vuelvo a pensar en Ford), también hay escenas de comedia como cuando, con tal de dar un nuevo empuje al negocio y revitalizarlo, Waldemar lo transforma en un restaurante japonés que sirve sushi, vistiendo a los empleados con indumentaria japonesa y provocando situaciones cómicas.

 

CORAJE, SUDOR Y PÓLVORA

 

Coraje, sudor y pólvora (1972) es un western que me parece es muy desconocido. Ninguno de los intérpretes principales me suena de nada y solo conozco algunos secundarios como el eastwoodiano Geoffrey Lewis, Bob Hopkins y Royal Dano. Pero la veo porque el director es Dick Richards, del cual solo había visto Adiós, muñeca, que me parece una de las mejores películas de cine negro de la historia, con un enorme Mitchum haciendo de Marlowe y estando ocupado durante la película en rezar en el convento con los demás frailes. Y no me defrauda esta película de Richards que, sin ser excelente ni tan atractiva como Adiós, muñeca, sí es un western con muchos puntos de interés.

La película sería como un cruce entre Rio rojo y las películas de Peckinpah. El argumento sería muy parecido al de la película de Hawks. Un adolescente, con ganas de ver mundo y atraído por la figura de los  cowboys, se une a un grupo que desplaza una gran cantidad de ganado a lo largo de un recorrido de miles de kilómetros para venderlo a empresarios que llevarán la carne al Este. Lo que pasa es que aquí los cowboys no se parecen a los del cine clásico sino que, siguiendo la moda de los 70 y la sombra de Peckinpah, van con barbas pobladas, visten de manera desaliñada y carecen de ningún glamour. Ya no son vaqueros del cine clásico y, por ejemplo, hay un momento en que el jefe de la partida aprovecha un descanso para zurcir parte del sombrero que lleva desgastado, algo que hubiera sido impensable en el western clásico.

La película tiene como uno de los ejes el aprendizaje del adolescente en un mundo hostil, por parte incluso de los propios compañeros y ante la indiferencia del guía de la expedición de conducción del ganado. El adolescente, llamado Ben, empezará el viaje siendo asignado como ayudante del cocinero pues, como en Río rojo, es necesaria esa figura que interpretaba Walter Brennan en aquella película. Y dará el primer baño de realidad al joven cuando le diga que es vaquero el que no puede ser otra cosa.

Como en el filme de Hawks, también aquí hay una estampida, provocada por unos ladrones de reses con los que después habrá un enfrentamiento muy violento para recuperarlas. Ben deberá lidiar en su aprendizaje con situaciones complicadas como esa estampida o cuando es asaltado mientras está de guardia y roban unos caballos al grupo, por lo que deberá endurecerse y aprender a matar.

En la parte final de la película la expedición llega a una zona controlada por un cacique local que les cobra de manera abusiva un peaje por pasar por sus tierras. El jefe de los vaqueros, Frank, aceptará dado que su grupo está en minoría. Antes de salir de las tierras del cacique, coincidirán con una comunidad de peregrinos que, impregnados de una fuerte religiosidad tipo cuáqueros, quieren asentarse en la zona. El cacique vuelve a aparecer y amenaza con echarlos a todos si antes de una hora no se van de su territorio, tanto vaqueros como peregrinos. Frank da la orden de marchar sin importarle la suerte de los peregrinos y Ben no comprende esa falta de solidaridad y decide quedarse con ellos.  Justamente los compañeros cowboys que habían sido más antipáticos con Ben deciden volver, en un gesto de dignidad un poco en la línea del final de Wild Bunch, y hay un enfrentamiento de gran violencia y duración tras el cual quedan exterminados tanto los hombres del cacique como los vaqueros. De los implicados en el tiroteo solo sobrevive Ben que ve como, de manera inexplicable, el guía de la comunidad de peregrinos manifiesta que, después de que aquella tierra ha quedado manchada de sangre, ya no se establecerán en ese lugar, sino que emigrarán a otro, con lo que el sacrificio de los vaqueros que volvieron dejando a Ben ha sido estéril y vano.

La película es muy entretenida porque, en sus 90 minutos aproximados de metraje, hay mucha acción filmada de manera fluida por Richards que, además, aparece como el autor de la historia, perfilada luego por dos guionistas.  La banda sonora fue compuesta por un habitual de aquellos años 70 como fue Jerry Goldsmith. Y es interesante como muestra un Oeste desmitificado en relación con el western clásico, en el que la violencia no tiene ningún efecto positivo en toda la película que ayude a construir nada. Ben empieza la película con la ilusión de pertenecer al mundo de los cowboys, que ha idealizado, pero luego verá un escenario de comportamientos antisociales y violentos además de comprobar que, cuando los vaqueros regresan para realizar una acción solidaria, morirán en vano pues unos fanáticos religiosos no merecían esa ayuda.

 

DIOS, PATRIA Y REY

 

Leo el libro Dios, patria, Rey: carlismo y guerras civiles en España del historiador olotense Jordi Canal.

Canal dedica el inicio del libro a explicar que el choque entre liberalismo y fuerzas reaccionarias, que en España adoptaron la forma del carlismo, se dio en varios países europeos. Así, cita los casos de Francia y Portugal como casos parecidos al español y también menciona a Italia, con el matiz en el país transalpino que, en su caso, la guerra civil se da en el marco de un proceso de construcción de un estado.

Esto se pone en conexión con una cuestión importante que Canal aborda y es que, más que la contrarrevolución y el tradicionalismo derivaran de la cuestión dinástica, hay un proceso incluso anterior a la cuestión sucesoria de Fernando VII que toma como pretexto tal problema para plantear una oposición al liberalismo. Así lo explica Canal:

Ni la cuestión dinástica fue una cuestión esencial en el carlismo, ni este movimiento jamás fue una exclusiva defensa de los “derechos” al trono de los Borbones carlistas. Las continuidades en relación con los movimientos contrarrevolucionarios anteriores y las dimensiones de las guerras civiles españolas del siglo XIX desmienten toda interpretación exclusivamente dinástica del carlismo. Los carlistas se movilizaron, en todo caso, por una idea o unos principios que el rey carlista personificaba y, lo que resulta más trascendente aún, emblematizaba, constituyéndose en puntos de referencia permanente para sus seguidores.

Así que este movimiento, de ideas ultramontanas, tiene su origen desde poco después de la Guerra de la Independencia y llega, tras provocar dos guerras de amplio alcance en la península y dos menores circunscritas a Catalunya, hasta el siglo XX.

Una parte que me ha parecido muy interesante es explicar las celebraciones que los carlistas hacen en 1889, después de una escisión integrista que tiene lugar un año antes, conmemorando el XIII centenario de la conversión al catolicismo de Recaredo tras abjurar del arrianismo y, de paso, manifestarse en contra del centenario de la Revolución Francesa. Aunque la última carlistada había terminado hacía más de diez años, todavía había un carlismo bastante arraigado en sectores de la sociedad española y, por ejemplo, realizaron a través de sus medios de prensa suscripciones para hacer una pirámide en Toledo como monumento de la España católico-monárquica. Dicho proyecto no se materializó, aunque se recogieron sumas de dinero por parte de las Juntas del centenario en las que participaban carlistas de todas las regiones de España. Pero, particularmente, tiene interés que Canal explique que, en esta Cataluña que algunos ven tan antimonárquica, había una notoria actividad y la Junta regional catalana reunía delegados de todo el territorio, de Tortosa a La Seu d’Urgell, y de La Bisbal de l’Empordà a Tàrrega. La Junta carlista catalana peregrinaba a Montserrat, se reunía en el Palacio de Ciencias de Barcelona el 2 de junio de 1889, se leía un discurso político en catalán y se recitaba un poema de Verdaguer. 

Una vez Carlos VII abandonó España rumbo al exilio al terminar la tercera guerra carlista, vagó por algunos países incluso del continente americano antes de instalarse definitivamente en el palacio de Loredán de Venecia. Allí seguía siendo un referente para el carlismo y sus medios de prensa, además de un lugar de peregrinación para visitar al pretendiente. En esta parte del libro toma protagonismo la figura de Francisco de Paula Oller, uno de los carlistas que puso más empeño en fomentar la legitimidad y aspiraciones del residente en dicho palacio veneciano.

Nacido en Barcelona, combatió siendo adolescente en la última guerra carlista y su importancia radica en mantener viva la llama del carlismo a través de la edición de diarios, tanto en España como luego cuando se traslada a Argentina, guardando fidelidad a la causa tanto de Carlos VII como, tras su muerte acaecida en 1909, de su sucesor Jaime III. Oller fundó el diario Lo Crit de la Patria, escrito en catalán, en la década de los ochenta, pero luego emigró a Argentina fundando allí el diario El legitimista español. 

El perfil de Oller, minuciosamente explorado por Canal, le permite dar continuidad a lo que creo pretende ser el libro. No se trata de un libro de historia militar o política sino, sobre todo, realiza un enfoque sobre ese carlismo sociológico que acompaña a España todo el siglo XIX, para lo que también se citan en los capítulos segundo y tercero numerosos pasajes de los Episodios Nacionales de Galdós; y como siguió impregnado en buena parte de la sociedad española a través de sus medios de prensa, tomando la figura interesante de Oller ya que su actividad fue intensa, durante varias décadas hasta bien entrado el siglo XX y se desarrolló tanto en su Catalunya natal como en el continente americano 

REAL MADRID 4- BARCELONA 1

 

Antes del partido, se decía en las tertulias que, en los clásicos, no importan las dinámicas y que son partidos especiales que puede pasar cualquier cosa. Seguro que hay excepciones, pero lo normal es que se confirmen las dinámicas o que, si los equipos lleguen con la misma, sea positiva o negativa, el resultado sea incierto.

Ayer se confirmó que el Barça, que no ha jugado a nada desde el mes de agosto, puede ganar de manera agónica a equipos como Almería o Las Palmas, pero no tutearse con un equipo de nivel europeo.

De todos modos, cuesta pensar entrar tan mal en una final. En vez de asegurar los primeros minutos en que es importante no encajar, el Barça opta por la peor situación: defensa adelantada combinada con nulo espíritu a la hora de presionar al rival. O bien Xavi es un suicida como Van Gaal con sus defensas altas ante el Valencia que servían para que nos machacara el piojo López, o los jugadores entienden muy mal los conceptos que les transmite. Pero, en un periquete, la final ya había quedado casi finiquitada en el minuto 10.

Con más corazón que juego, el Barça intentó reengancharse al partido en un remate al larguero de Ferran y el gol de Lewandovski. Pero la sensación es que el Madrid tenía mucho más peligro y un balón centrado sin oposición desde la banda derecha dio lugar al penalti claro de Araujo sobre Vinicius, permitiendo que el jugador brasileño nos endosara un hat trick que hace mucho daño.

 ¿Qué decir de la segunda parte? Pues que sobraron los 45 minutos, cosa que entendió el árbitro no dando ni un segundo de descuento. El equipo entró en la apatía y conformismo, esperando el final del partido, con la sola excepción de Fermín que al menos puso intensidad e intentó honrar un escudo que otros pisotearon.

 Xavi volvió a morir víctima de su prepotencia, manifestando antes del partido que se tenía que ver el ADN Barça, con esa superioridad futbolística de su discurso en tono chulesco que luego se vuelve contra él cuando ha de destacar, después de un pésimo juego, quedar campeones de un devaluado grupo en la Champions o remontar al Las Palmas.

Las imágenes que vi de Laporta fueron las de un hombre que abandonaba el estadio visiblemente enfadado. Nada que ver con las imágenes del jueves celebrando, en aparente estado de ebriedad, cantando y bailando con unos anfitriones de la categoría moral de los saudíes, haber derrotado al duodécimo clasificado de la Liga para acceder a la final.

 Si hay que ir por contrato a Arabia se va. Pero no creo que entre como obligación celebrar el pase a la final de la manera que lo hizo Laporta con esos siniestros saudíes, aunque tal vez entre baile y baile buscaba los inversores que necesita para convertir al Barça en sociedad anónima para rematar su nefasta y desvergonzada gestión..

El Barça atraviesa la peor crisis econòmica, social y deportiva de, como mínimo, los últimos 60 años. Cada partido es un drama. Veremos en Salamanca, una ciudad en la que el Barça siempre perdía en los años setenta cuando empecé a seguir al equipo, qué pasa.  

 

     

 

 

GRANDES HORIZONTES

 

Grandes horizontes (1957) es un agradable western de Gordon Douglas que, en su guion, toca algunos elementos clave del género.

Un cowboy interpretado por Alan Ladd llega con un rebaño desde Texas a Missouri pensando que obtendrá un buen precio por las reses. Las expectativas de cobrar 10 dólares por cabeza se desvanecen cuando un cacique local, interpretado por Anthonny Caruso, le ofrece solo un dólar y medio. A pesar de defraudar a sus acompañantes, y con una evidente tensión por las maneras chulescas de Caruso, Ladd acepta el trato y queda vagando por la zona. Conoce a un arquitecto alcohólico interpretado por Edmond O’Brien al cual salva de ser linchado por robar una botella de whiskey. Cabalgan juntos y llegan a una zona de Kansas en la que se asientan y deciden hacerse socios. Convencen a un empresario ferroviario que lleve el tren hacia ese lugar en el que ellos construirán una ciudad, que será floreciente y tendrá como atractivo económico el tráfico comercial de grano y ganado hacia el Este del país.

Mientras Ladd parte a Texas para volver con el ganado, se va construyendo la ciudad con la oposición de Caruso que llega a provocar un incendio.  A pesar de ello, la ciudad se construye y los tratantes de ganado esperan que allí se celebre una subasta con las reses que vendrán desde Texas pero Caruso sigue incordiando y mata a uno de los tratantes. Eso obliga a O’Brien a asumir el rol de sheriff para parar los pies a Caruso al estar ausente Ladd pero, no siendo diestro con las armas, es presa fácil de Caruso que prácticamente le asesina a sangre fría. La llegada por fin de Ladd con el ganado y su enfrentamiento con Caruso darán lugar a un previsible final.

Gordon Douglas maneja bien la película, pero tampoco se puede ocultar que el guion tiene bastantes debilidades. El personaje del malvado, aquí Anthony Caruso, ni tiene mucha entidad ni un actor demasiado destacable asumiendo el papel; la historia sentimental entre Ladd y Virginia Mayo, hermana de O’Brien, es aburrida y previsible. Por otra parte, el protagonista, Alan Ladd, era un actor con un carisma justito y que ya se encontraba en un momento decadente de su carrera.

No obstante, Edmond O’Brien en su papel de alcohólico que intenta regenerarse aprovechando su cualificada preparación hace una muy buena interpretación, en la línea de las que solía hacer. Acapara con su actuación el protagonismo en las escenas que comparte con un actor más bien soso como Ladd y tiene unas buenas secuencias en el momento antes de su muerte, cuando es retado por Caruso que le humilla dándole una botella ante lo que parece una claudicación de O’Brien y luego, en el definitivo duelo, una vez O’Brien decide enfrentarse en un acto temerario y suicida un poco en la línea de Ransom Stoddard ante Liberty Valance. Esas escenas de O’Brien son las mejores de la película.

Así pues, un western con un tema clásico como la llegada de la civilización frente a las fuerzas reaccionarias que rechazan un mundo de ley y orden, que se ve con agrado aunque no se disimulen sus defectos.

 

DEAD MAN

 

Dead Man (1995) es una película de Jim Jarmusch en la que, como en otras de su filmografía, revisa los géneros desde una perspectiva muy personal. En este caso, creo que le sale una película bastante fallida, con un buen inicio pero que se luego se pierde en el aburrimiento y su pretenciosidad.

Johnny Deep interpreta a William Blake, homónimo del poeta y pintor inglés, que llega a una localidad del Oeste tras un viaje en ferrocarril para trabajar como jefe de contabilidad en una empresa metalúrgica. Resulta que el puesto laboral ya ha sido ocupado y Dickinson, el propietario de la empresa, lo echa de malos modos por lo que se encuentra vagando hasta que conoce una prostituta con la que pasa la noche. Por la mañana, aparece la pareja de la meretriz, hijo de Dickinson, que mata a la chica y luego Blake lo mata a él. Ha de huir acusado de ambos crímenes y Dickinson ofrece una recompensa por su captura contratando a tres sanguinarios y crueles sicarios para que lo localicen. Toda la película se convierte entonces en una huida en la que trabará conocimiento con un indio llamado Nobody, curioso personaje hijo de tribus diferentes que fue secuestrado por los ingleses y ha vivido en Inglaterra habiendo sido alfabetizado y conociendo al Wiliam Blake poeta frente al desconocimiento que del mismo tiene el Blake interpretado por Johnny Deep. Nobody le cura de una primera herida, aunque no puede retirarle una bala que queda cerca del corazón y, mientras tanto, Blake va incrementando los muertos que se le imputan al ir un eliminando a gente que se interpone en su camino. Herido de muerte, Nobody le procurará una canoa que actuará a modo de barco funerario y en el que se adentrará en un río mientras lo último que divisa es un intercambio de disparos entre Nobody y uno de los cazarrecompensas que aún seguían su rastro.

La primera hora de la película está bastante bien, es fluida, pero luego la música de Neil Young se vuelve cargante, la narración se atasca, empieza a aburrir y se acaba convirtiendo en un filme pretencioso, que da menos de lo que ofrece. No basta para mantener el buen ritmo del principio a Nobody citando versos de Blake, al final la película se convierte en una amalgama de elementos clásicos del western y poéticos que no acaban de combinar del todo bien y dan lugar a una película que a mí se me queda como un tanto insatisfactoria.

Destaca la presencia de Robert Mitchum como el viejo Dickinson, un personaje malvado y de fuerte carácter que supuso uno de los últimos papeles de esa leyenda. Aunque solo tenga dos escenas, la presencia de Mitchum siempre resulta de lo más estimulante.

 

BARÇA 2- OSASUNA 0

 

Un gol de Lamal en el 92’ propició la primera victoria del Barça por más de un gol desde el mes de septiembre. Por tanto, no se puede hablar de un partido plácido y el Barça cumplió el objetivo, en modo servicios mínimos, clasificándose para la final de la Supercopa.

La primera parte se caracterizó por la alta posesión de balón para el Barça que resultaba estéril por la baja velocidad que se imprimía a la circulación del esférico. Así, las mejores ocasiones fueron causadas por imprecisiones de la defensa navarra cuando el Barça hacia presión alta y podía robar la pelota. También el Osasuna tuvo algunas aproximaciones de relativo peligro cuando, en alguna ocasión, estiraba un poco las líneas. El tono del Barça en la primera parte fue tan plano que no destacaría, ni para bien ni para mal, a ninguno de los once jugadores que salieron de inicio.

Estaba claro que, en un partido tan espeso, las posibilidades de hacer gol eran mayores en un equipo con más calidad individual como el Barça frente a un voluntarioso Osasuna que, para colmo, hasta en tres veces que remató fueron sus propios delanteros los que actuaron como involuntarios defensas y desviaron los tiros.

La segunda parte llevaba la misma tónica que la primera y lo más importante fue la sustitución de Pedri por Roberto. El canario es el jugador con más talento del Barça en el medio campo y se veía que su calidad podía desequilibrar en alguna acción el partido. No obstante, no intervino en la elaboración del gol que llegó tras una anticipación de Christensen, reclamada por los navarros como falta, que provocó la llegada del balón a Gündogan y que éste lo filtrara a Lewandovski que, después de varios partidos desacertados, resolvió bien la jugada batiendo al portero osasunista.

Después del gol, el Barça siguió con una tónica más bien gris, sin caer en el desgobierno de otros partidos, pero sin tener un control absoluto del partido cosa que permitió alguna aproximación de Osasuna, aunque sin crear ocasiones claras de gol. Al aproximarse el minuto 90, y ante la necesidad de empatar, se abrieron más espacios en el campo navarro que permitieron a algunos jugadores como Pedri, Joao Felix o Lamal dejar detalles de su calidad y, en el reseñado minuto 92, el hispano-marroquí sentenció la semifinal.

Así pues, una victoria relativamente tranquila, nada brillante pero que coloca al Barça en la final. Por ahora, objetivo cumplido. La final contra el R.Madrid puede ser una oportunidad para ganar al eterno rival y que eso se convierta en un punto de inflexión para conseguir jugar mejor y obtener mejores resultados; o bien puede servir para confirmar las sensaciones de los últimos cuatro meses en el sentido que el equipo no tiene fútbol. El domingo saldremos de dudas.

 

 

 

PÉPÉ LE MOKO

 

Recuerdo haber visto Pépé Le Moko (1937), de Julien Duvivier, en los años ochenta, en una programación de la 2 y, obviamente, doblada en castellano. A pesar de las malas condiciones en que la vi, guardaba un buen recuerdo que se confirma cuando la puedo ver en un DVD en versión original.

A pesar de que la película tiene muchos argumentos, hay que empezar por destacar la grandeza de Jean Gabin.  Un grande del cine francés que, de haberse afincado en Hollywood, hubiera dado mucho juego y especialmente me lo imagino en el cine negro asumiendo algún papel de los que tuvieron Humphrey Bogart o Glenn Ford.  Mi admiración se acrecienta por lo que leí de su biografía. Llega a Estados Unidos después de la ocupación alemana en 1940 pero está poco en Hollywood, casi no rueda (apenas una película con Ida Lupino) aunque aprovecha la estancia para tener un romance con Marlene Dietrich. Una vez la guerra da un giro y empieza el declive alemán, rompe el contrato con una productora americana y se traslada a Europa para participar en la guerra por lo que afirmaba que había perdido dinero con tal de combatir en la liberación de Francia. Fue condecorado como héroe de guerra por la República Francesa.

Pero, además, era un gran actor, con ese aspecto de héroe trágico que no puede escapar a su destino como en la extraordinaria Le jour se léve de Marcel Carné, las películas que rodó con Renoir o esta Pépé Le Moko. Duro e inflexible, pero también sensible, pasional y sentimental; Gabin es una presencia con gran magnetismo en pantalla, abocado a finales sin salida posible como en la también extraordinaria El muelle de las sombras de Carné. 

En esta película de Duvivier lo tenemos como gangster parisino que se ha refugiado en la casba de Argel y es buscado por la policía francesa.  Las laberínticas y empinadas calles de la casba, junto a la extraordinaria densidad demográfica del lugar, actúan a la vez como refugio pero también prisión, solo allí es invulnerable a las fuerzas policiales. La policía hace un intento desafortunado de apresarlo al principio de la película e intenta una añagaza, aprovechando que un miembro de la banda es para Gabin como un hijo adoptivo, para capturarlo; pero con resultados infructuosos pese a que el entorno tampoco es del todo favorable a Gabin, siempre con el peligro de algún delator en su círculo cercano. La aparición de una bella turista, de la cual Gabin se enamora perdidamente, dará ocasión a que finalmente abandone la zona de seguridad de la casba y sea apresado en el puerto de Argel.

Duvivier filma con soltura y elegantes movimientos de cámara la casba argelina, con una cuidada ambientación para reproducir un lugar tan rico en detalles y matices. Habiendo sido director con unas cuantas películas rodadas en la década de los 20, conocía perfectamente el oficio y con pocos planos explicar la historia, tal como resuelve con maestría el flechazo entre Gabin y la turista, así como la ascendencia que tiene Le Moko sobre los miembros de su banda y otros elementos de ese microcosmos que es la casba.

Y filma de manera magistral el final de la película, que mejora un filme que ya de por sí está muy bien, con esa imagen de Gabin esposado junto a la verja del puerto mirando el barco en el que la chica abandona Argel. Uno de esos planos que me recuerdan finales de películas de Fritz Lang como en Más allá de la duda con Andrews mirando el documento en que se le concedía el indulto: el hombre frente a su destino.   

 

BARBASTRO 2- BARCELONA 3

 

Parecía que era el día en que, desde el lejano mes de septiembre, el Barça ganaría por más de un gol, sin sufrir y sin pedir la hora; pero nada más lejos de la realidad, se hizo el ridículo con un equipo de 2ª REF. Tal vez Xavi deba buscar los resultados del Barbastro en esta categoría y, si ha perdido pocos puntos en casa o está imbatido, sacar pecho y decir que se ha ganado en un campo de gran dificultad.

Hemos de hacerle a Xavi el eterno reproche: dijo que no valía solo ganar, sino el cómo. Pues lleva cuatro meses ganando de pena, sin gobernar los partidos, por la mínima y al borde del desastre en varios de ellos.

El Barça salió con ganas, sin clarividencia y poco fútbol siguiendo la tónica habitual, pero de manera agresiva. Dadas las circunstancias, incluso la primera parte podría ser aceptable, sobre todo para los parámetros de exigibilidad de Xavi. El mejor fue Fermín, con ganas, verticalidad y haciendo el único gol en la primera parte. Rafinha y Torres pusieron algo de intensidad, Fort cuajó una buena actuación y los demás jugadores, aun con un nivel discreto, parecían más o menos enchufados al partido.

En cambio, la segunda parte fue vergonzosa.  A pesar del gol de Rafinha tras un buen centro de Fort, el Barça empezó a perder duelos y el partido se equilibró. El débil Barbastro pisaba más el campo azulgrana y una desafortunada acción de Joao Félix dio lugar a un córner en el que, probablemente de manera ilegal por mano de un defensa del Barbastro que subía a rematar, el balón llega al delantero centro del equipo local que batió a Peña. A partir de este momento, hubo un apagón bastante generalizado del equipo, sobre todo Romeu y De Jong, y se palpaba como una posibilidad real  que el Barbastro diera la campanada. Mención especial merece la actuación de Joao Félix en la segunda parte, con una actitud indolente ( todavía más que la habitual) que presagia una cesión que acabará como el rosario de la aurora.

Un penalty al filo del minuto 90 transformado por Lewandovski después de una clara mano en el área del Barbastro parecía asegurar ganar por más de un gol de diferencia. Pero no nos escapamos ni de dejar de sufrir los minutos de descuento. En la jugada siguiente, un jugador del Barbastro se adelantó al despeje de Fermín en el área y provocó un penalty marcado en el minuto 93. Ya no hubo tiempo para más y la pesadilla finalizó con, además, la nota negativa de la lesión de Iñigo, un hombre que el año pasado ya mostró en el Athletic un estado físico frágil jugando solo unos 14 partidos en toda la temporada. Iñigo ha llegado al Barça con seis años de retraso, tras el veto impuesto por Mascherano, y ahora su calidad se ve empañada por su condición física.

Esta semana tenemos la Supercopa, que se juega en la lejana y antidemocrática Arabia gracias a los chanchullos del Rubi y el Geri. Veremos qué pasa, con un equipo que no ha funcionado en toda la temporada y un entrenador que parece estar al borde de un ataque de nervios. 

CIELO SOBRE BERLÍN

 

Cielo sobre Berlín (1987) es una película de Wim Wenders que no vi en su momento y me ha gustado bastante.  Tildada por algunos como sensiblera y pretenciosa, a mi me ha podido más ver el lado tierno y sentimental, tal vez también ingenuo, de la historia.

Es un filme de cine fantástico en el que dos ángeles, interpretados por Bruno Ganz y Otto Sander, sobrevuelan la ciudad de Berlín y empiezan a ponerse al lado de diferentes personajes, escuchando sus pensamientos mientras ellos son invisibles a los mortales. Pasean por la ciudad y captan desazón, ilusiones, frustraciones, soledad, … en una urbe que no puede olvidar un pasado reciente, mostrándose imágenes de la II Guerra Mundial y como Berlín quedó arrasada, así como el muro de la vergüenza que, en el momento de la película, llevaba 26 años construido y faltaban dos para que cayera.

La acción de la película va fluyendo mostrando la historia de varios personajes, con muchas escenas filmadas en un edificio espectacular como es la biblioteca central de Berlín, pero tiene dos líneas definidas: una viene dada por la presencia de Peter Falk, interpretándose a sí mismo como actor que ha ido a Berlín a rodar una película pero fue un ángel 30 años atrás que dejó ese estado para pasar a la mortalidad aunque nota la presencia de Ganz i Sander, habla con ellos y aconseja en particular al primero; y una trapecista de un circo de la cual se enamora el personaje de Ganz que, finalmente, y como hiciera Falk en su momento, abandonará su condición celestial para pasar a ser un mortal y relacionarse con la chica que se nos ha presentado como un personaje sensible y con mucha receptividad a dar y recibir amor.  

La película está rodada casi toda en un blanco y negro con tono sepia cuando los ángeles están junto a los humanos observándolos, aunque no pueden interaccionar con ellos; y en color cuando los personajes son mortales y, en particular, toda la parte final cuando Ganz ha abandonado su condición anterior y se produce una comunión entre lo corporal y lo espiritual.

Wenders mueve la cámara y filma de forma cadenciosa, poética, proponiendo a base de pequeños destellos o detalles hacer sentir una sensibilidad especial hacia personajes y situaciones, con la impotencia de esos ángeles que no pueden intervenir hasta la parte final en color después de la irrupción en la historia de Falk.

 

 

THOMAS BERHNARD

 

Tras haber visto una obra de Thomas Bernhard hace unas semanas, compro un libro con tres obras del autor austríaco. Se trata de un estilo denso, con versos sin signos de puntuación, lo que supone más esfuerzo al leer y deja una cierta ambigüedad a discreción del lector.

Ante la jubilación, que además lleva el subtítulo de Comedia del alma alemana, es un furibundo ataque contra el poso que el nazismo dejo en la sociedad alemana durante varias décadas. Basada en el hecho real que, en 1978, de descubrió el pasado nazi de una persona que había llegado lejos en la judicatura alemana, Bernhard retrata a un exoficial de las SS llamado Rudolf Höller, reconvertido en juez a punto de la jubilación; una de sus hermanas, Vera, totalmente en sintonía con su hermano en cuestiones ideológicas y con el que mantiene relaciones incestuosas; y Clara, la hermana menor, paralítica a consecuencia de un bombardeo aliado y que mantiene una actitud diferente a la de sus hermanos ante los cuales, fruto de su discapacidad, es una especie de prisionera.

La acción transcurre un 7 de octubre, fecha en la que Rudolf y Vera celebran el aniversario del nacimiento de Heinrich Himmler. En el primer acto aparecen las dos hermanas, casi un monólogo de Vera, que presenta a los personajes y al ausente Rufolf, que llega en el segundo acto contento porque ha conseguido una resolución judicial para que no se instale una fábrica de elementos químicos cerca de donde viven. En los dos actos que están los tres personajes, se ve como Rudolf y Vera mantienen una ideología nazi, nula autocrítica respecto al régimen de Hitler, marcando un explícito antisemitismo y mostrando un orgullo hacia ese pasado. Rudolf se emborrachará y le dará un ataque, del cual Vera culpará a la casi ausente Clara que, pese a hablar poco, tiene tanta entidad como personaje al igual que sus hermanos, finalizando la obra con la llamada a un médico.

La obra está escrita en los años ochenta, cuando todavía había personas que, a punto de la jubilación como el protagonista, podían haber tenido cargos importantes en el nazismo, militares o civiles, que hubieran ocultado. Por tanto, la obra incidiría en esa desnazificación tras la II Guerra Mundial, si fue sincera y qué magnitud tuvo. Ahora estamos en otra etapa, los supervivientes de la II Guerra Mundial son nonagenarios que, como mucho, pudieron estar alistados durante su adolescencia en las Juventudes Hitlerianas. Pero, dado que el pasado vuelve y la extrema derecha alemana vuelve a tener resultados significativamente importantes en las elecciones de los últimos años, no pierde actualidad esta mirada al alma alemana y, por extensión, europea acerca de la intolerancia y el ultranacionalismo.

MInetti es la segunda obra del volumen de obras de teatro de Thomas Bernhard, dedicada al actor apellidado igual que el título de la obra: Bernhard Minetti, fallecido en 1998.

 Se parece a El hombre del teatro ya que también aquí el protagonista es un actor de teatro. Un actor que se ha citado con el director de un teatro en la ciudad de Ostende para hacer lo que lleva treinta años esperando: interpretar al rey Lear. Lo espera en un hotel mientras explica su vida a una muchacha que espera a su novio. Retirado forzosamente de la escena hace treinta años, no ha dejado de ensayar ese papel y verá pasar su vida, un fracaso ante una sociedad que no le entendió y él critica cuando le echaron como director del teatro de Lubeck; pero con la voluntad de llevar hasta las últimas consecuencias la oportunidad de trabajar como actor dramático ante la ausencia de un director que, como el Godot de la obra de Beckett, nunca llegará a aparecer.  

Ritter, Dener, Voss es la última obra del volumen, todavía más densa, y el título también toma el nombre de actores reales que conoció y trabajaron con Bernhard. Repite el esquema de tres personajes, con tres hermanos, dos mujeres y un varón. Hijos de una acaudalada familia industrial, las mujeres han intentado ser actrices, aunque no han consolidado su posición y se han recluido en la mansión familiar. Allí esperan a Voss, en realidad llamado Ludwig, que es su hermano filósofo, empeñado en realizar un Tratado de Lógica y que les visita con un permiso que le han dado en Steinhof, un conocido manicomio austríaco donde está internado.

Las relaciones entre los hermanos están viciadas y son turbulentas como se ve en el primer acto, protagonizado por las hermanas, estando una de ellas próxima su hermano y la otra en contra. En el segundo acto, aparece Voss que combina ácidas y lúcidas reflexiones con una crisis violenta que le lleva a romper la vajilla al final del acto. En el tercero, Voss se ha convertido en el protagonista de la obra y prosigue su diatriba contra un mundo desordenado y caótico,  apuntando especialmente al médico de la familia, pero siendo una crítica más abstracta que Ante la jubilación. Aquí, por lo que leo posteriormente, el personaje de Ludwig se inspira en Witgenstein, el sobrino del cual conoció Bernhard en un sanatorio, y quien conozca la obra del filósofo alemán, que no es mi caso, disfrutará más la obra que, en cualquier caso, vale la pena leer (y releer por su extraordinaria densidad) si uno no está muy pesimista pues, entre otras reflexiones, dice Voss:

Lo hemos probado todo

y estamos al final

siempre solos