BALARRASSA

 

Había visto dos películas muy notables de José Antonio Nieves Conde, Surcos y El inquilino, así que me animo a ver otro filme suyo, Balarrassa (1951) que está interpretada, en su personaje principal, por Fernando Fernán Gomez. 

La película cuenta la historia de redención de un legionario, un tipo pendenciero y fanfarrón que, estando con sus camaradas en el frente de la guerra civil, hace trampas jugando a cartas para eludir una guardia y el compañero que va en su lugar es tiroteado mortalmente por un francotirador. Consternado, decide dejar el ejército e ingresar en un seminario para convertirse en sacerdote. Tras la muerte de su madre, por sugerencia de un miembro del clero, se traslada a Madrid para vivir un tiempo con su familia descubriendo que su padre y hermanos viven una vida demasiado relajada en términos morales en cuanto a relaciones amorosas, sociales y financieras. Balarrassa pondrá orden en la familia, aunque no pueda evitar la muerte de una de sus hermanas en un accidente automovilístico al estar ella con el corruptor moral de la familia. Finalmente, partirá como misionero a Alaska.  

Balarrassa no tiene el nivel que había visto en las otras dos películas de Nieves Conde. El inicio y el final, con el protagonista perdido en medio de una tormenta de nieve en Alaska, agonizando y recordando su vida, resulta incluso un poco ridículo, incluyendo la interpretación de F.F. Gómez.  

Dejando aparte el prólogo y epílogo, la historia en sí no está mal planteada, es relativamente convincente la redención moral del personaje, pero es demasiado blanda al mostrar ese Madrid de la posguerra en que hay una clase social que hace negocios turbios, en este caso el tráfico de divisas, y como impacta esto en su familia. Podía haber cargado más las tintas en la crítica social que deriva del hecho de que una familia acomodada, desnortada tras perder a la madre, caiga en las redes de una organización criminal en el contexto gris de la época franquista. Sin embargo, y a pesar de que una de las hermanas muera, la familia se reorganiza de acuerdo a lo que pretende Balarrassa de manera bastante simple, volviendo a la senda del bien y arropando a Balarrasa en la extática secuencia en que se ordena sacerdote.  

No me parece convincente la interpretación de F.F.Gómez, pero la película sí se beneficia de un elenco de actores muy notable: Luis Prendes, José Bódalo, Julia Caba Alba, María Rosa Salgado, José María Rodero, ... siendo una película digna, aunque no notable.  

 

A RATOS PERDIDOS 5 Y 6

 

Acabo de leer los escritos de Chirbes que fueron publicados con el título A ratos perdidos. Leo los dos últimos, 5 y 6, que empiezan en 2008 y finalizan en junio de 2015, un mes y medio antes de la muerte del escritor valenciano. 

En esta última parte, destaca todavía más su voracidad literaria, combinando esa actividad con viajes promocionales de su literatura, especialmente en Alemania, u otros encargos que recibía. Vivió hasta el final en una casa apartada de un núcleo urbano de la provincia de Alicante.  

Este volumen recoge el período en el que logra dos grandes éxitos literarios, Crematorio y En la orilla, y un amplio reconocimiento plasmado en algunos premios literarios. Sin embargo, siempre fue un escritor dubitativo ante el valor de su obra, que desconfía de los elogios, se siente inseguro e intenta pasar más bien desapercibido.  

También va explicando sus problemas de salud, cada vez con los años más recurrentes, en forma de vértigos e hipotensiones. Finalmente, en 2015 se acelera su degradación física y muere en verano. Ante su estado físico, da la impresión de que acepta su muerte con entereza y deseando no sufrir más. 

La literatura y su salud ocupan gran parte de los escritos. Pero también hay reflexiones críticas sobre el panorama político. Desconfía de la socialdemocracia que encarna Zapatero, al que no tiene en buena consideración respecto a su figura política. Ahora se habría enterado de que, además, era un corrupto.  Critica la política de Obama, armando hasta los dientes a Ucrania e iniciando una deriva de meterse hasta la puerta de entrada de la nación rusa, cosa que provoca años más tarde la invasión que origina un conflicto ya más duradero en el tiempo que la I Guerra Mundial. Y comprueba los efectos que el PP valenciano ocasiona en su tierra, un saqueo de dinero público, un conjunto de políticas equivocadas, la aceleración de una mentalidad especulativa como nunca se había conocido; en definitiva, una crisis política, social, moral y económica que tan bien reflejó en las últimas noveles que se publicaron estando él todavía vivo.  

A TIRO LIMPIO

 

A tiro limpio (1963) es una película policíaca española, dirigida por el poco prolífico Francisco Pérez Dolz, con muchas localizaciones en Barcelona y que, en sus papeles principales, fue interpretada por José Suárez y María Asquerino.  

Se trata de una historia de cine negro intensa y violenta, en la que dos comunistas, Martín y Antoine, procedentes de Toulouse, llegan a Barcelona para cometer atracos, el primero de ellos en un parking. Acosados por la policía, un antiguo compañero llamado Román (José Suárez) les esconde y juntos planean nuevos atracos. Román quiere un botín importante para huir de España con su amante Marisa, una mujer de dudosa moralidad, y para completar la banda contacta con el Picas, un expresidiario que tiene escondidas unas ametralladoras.  

Perpetran un primer atraco en un banco, aunque consiguen un botín inferior al esperado, por lo que planean dos atracos simultáneos, uno en una sucursal del patronato que organizaba las quinielas y otro, para distraer a la policía, en un meublé. Posteriormente, mientras están todos en el puerto menos Román, un policía reconoce al Picas por estar fichado con anterioridad, se produce un tiroteo y Martín y Antoine huyen, tras haber ahogado al Picas y también morir dos de los policías.  Román asesina en venganza a Antoine y se produce un enfrentamiento con Martín, estando ya la policía cercando la casa en la que se refugiaba la banda. Román acaba con Martín, pero huye y la policía lo cerca y detiene en una estación de metro.  

Destaca la naturalidad con que se muestra la violencia en la película.  Ya en su inicio, Martín y Antoine emplean una gran violencia física y psicológica sobre los rehenes que van haciendo en un parking. Mientras estos dos atracadores son bastante implacables, Román y el Picas parecen personas más bien débiles o, almenos, gente con conciencia de lo que es el bien y el mal. 

Resulta curioso que haya un personaje que, aunque sea secundario, sí tiene dos o tres escenas y solo habla en catalán, cuestión que debió dejar pasar la censura. Se trata de la madre del Picas, mujer de avanzada edad, mientras que Antoine también dice algunas frases en francés.  

Hay una clara influencia de películas americanas como La ciudad desnuda de Dassin, rodándose muchos exteriores lo que da proximidad y realismo al filme. Es perfectamente reconocible la Vía Layetana, el Camp Nou, la explanada de delante de la catedral y el puerto de Barcelona. En la última escena, Román se introduce en la boca de un metro y resulta que es la estación de Lesseps. El último plano está muy bien planificado cuando Román, malherido, cae en una escalera mecánica y la cámara está en lo alto mientras se va acercando el peldaño en que se halla ya sin vida el atracador.  

Por razones obvias, se ha de intuir el trasfondo social del filme. No se oculta la procedencia de Martín y Antoine, y cabe suponer que Román y el Picas tienen, en principio, afinidad política con ellos. En cualquier caso, queda claro que es una historia de personajes perdedores, especialmente Román y el Picas, y que, al margen de lo que fuera su vida anterior, están anclados y sin posibilidad de progresar en dos empleos sin futuro, Román trabajando en un lavadero público y el Picas en la masía de su madre.  

Notable filme. 

EL CLAVO

 

El clavo (1944), de Rafael Gil, es un clásico del cine español y no me defrauda volverla a ver después de muchos años. Es un melodrama pasado de rosca por lo inverosímil de su trama, pero que está narrado con vigor, buenas ideas de puesta en escena y también en sus interpretaciones, destacando la guapísima Amparito Rivelles. 

En la España isabelina del siglo XIX, coinciden en un viaje en diligencia el juez Javier Zarco (Rafael Durán) y una misteriosa mujer llamada Blanca (A. Rivelles). Javier inicia un juego de seducción, poco provechoso en principio pero que, más tarde, da sus frutos y los personajes se enamoran.  Entonces, se separan durante un mes ya que Javier se va para solucionar unos temas laborales pero, ante la falta de noticias de Blanca, regresa a la posada donde en teoría ella iba a permanecer y descubre que se largó el día después de su marcha. Sintiéndose traicionado, se desmorona anímicamente.  

Pasan 5 años y toma destino en una localidad castellana. Paseando por el cementerio, hay unas tumbas revueltas tras unas inundaciones y ve un cadáver con un clavo. Deduce que se trata de una muerte violenta y no una apoplejía como quedó registrada, siendo la víctima un indiano que se había establecido allí tras comerciar con esclavos.  Empieza a investigar y manda a un miembro de su juzgado a Madrid.  

Él también va a Madrid y se reencuentra por casualidad con Blanca, que no se ausentó en aquella cita, aunque Javier creyó que había desaparecido. Renace entre ellos el amor y el compromiso.  

Y, entonces, cuando Javier ha vuelto al pueblo castellano, su ayudante le da noticia desde Madrid que ha encontrado a la asesina del indiano, una tal Gabriela. Cuando se abre el juicio oral contra Gabriela, que entra en la sala de vistas con un velo, al mostrar su rostro el juez ve que se trata de Blanca, comprendiendo Javier que su ausencia fue para ir a matar al indiano, un hombre con el que estaba prometida en contra de su voluntad ya que sus padres eran chantajeados por este, y quedar libre para casarse con él. 

Basada en una novela corta de Pedro Antonio de Alarcón, en su adaptación cinematográfica ya se tuvo que cambiar parte de la trama como, por ejemplo, que Blanca/Gabriela no estaba prometida con el indiano si no que era su esposa. Y uno de los aciertos de la película es, a pesar de la censura, mostrar esa historia de amor con mucha sensualidad, utilizando un baile de máscaras de carnaval al principio de la película para hacer tropezar a los personajes y aproximarlos físicamente; o con un elegante travelling sobre las plantas de la posada que ocupan para dar a entender el aproximamiento carnal definitivo. 

El buen hacer en esta película de Gil se une al hecho de ser una producción importante de Cifesa, se construyeron varios decorados para la película y la ambientación del siglo XIX, con el correspondiente vestuario, está bien conseguida.  

Buen clásico del cine español