EL PRINCIPIANTE

 

El principiante (1990) es una película de Clint Eastwood bastante floja y parece que, en principio, sería de aquellas que él hacía para satisfacer a la Warner y poder dedicarse a trabajos más personales en otros filmes. Por ello, sorprende que el director acreditado sea el propio Eastwood y no el habitual Buddy Van Horn, coordinador de dobles y testaferro con el que camuflar la responsabilidad de la dirección en películas tan prescindibles como La gran pelea o Pink Cadillac. Tal vez Eastwood tenía mayores pretensiones artísticas sobre el filme y, si fuera así, no se cumplieron. 

En El principiante, Eastwood queda en un papel que casi podríamos decir secundario y el protagonista es Charlie Sheen. Frente al personaje de Eastwood, del que no se muestra nada más que su fachada de poli duro, de formas intempestivas y chulesco, el personaje de Sheen tiene una historia propia, un amargo recuerdo de la infancia tras la muerte de su hermano en un accidente del que se culpa y una problemática relación con su padre.  

Como película de acción, es entretenida y están bien filmadas las abundantes escenas de persecuciones automovilísticas. El oficio de Eastwood es incuestionable en ese sentido, aunque la película no tenga mucho que ofrecer.  

Es una cinta que destaca por el humor, llegando a momentos de parodia de películas de acción y de la figura del propio Eastwood. Así, destaca esa huida de un edificio en un coche volando antes de que sea dinamitado por Raul Julia, aterrizando tras un batacazo descomunal y saliendo Eastwood y Sheen ilesos. O la escena en la que la hiper masculinidad de Eastwood se ve a prueba cuando, habiendo caído prisionero de los malos e inmovilizado por estar atado a una silla, es “forzado” a tener sexo con el personaje que interpreta Sonia Braga.  

Un Eastwood menor, pero entretenido. 

 

A SANGRE FRÍA

 

A sangre fría podría ser el título de la novela de Truman Capote o de la película homónima de Richard Brooks, pero, en este caso, se trata de una película de serie negra española, rodada en la provincia de Barcelona. Dirigida por Juan Bosch en 1959, se trata de una digna película policiaca con conocidos actores de la época.  

Un joven Carlos Larrañaga es uno de los protagonistas, interpretando a Carlos, un joven inconformista, de clase social baja, que se ha despedido de la fábrica en que trabajaba y se junta con malas compañías para preparar un atraco, justamente en el sitio en que trabajaba, aprovechando el día en que los empleados cobran la nómina.  Carlos conoce del barrio a un tipo llamado Enrique (Fernando Sancho), que le pone en contacto con el que será el jefe del atraco, un tipo duro llamado Manuel (Arturo Fernández) que se hace acompañar de otro hampón llamado Antonio (Miguel Ángel Gil). Completan el reparto dos mujeres que son antitéticas: la novia de Carlos, llamada María (María Mahor), chica íntegra moralmente de acuerdo con los cánones de la época, e Isabel (Gisia Paradís), novia de Enrique, al que no duda en traicionarlo atrayéndose a Carlos actuando como femme fatale de la película, atractiva pero ladina y despiadada. 

Con ochenta minutos de duración, la película explica con agilidad el golpe, que no acaba de salir del todo bien, la consiguiente huida en que Manuel mantiene unido al grupo bajo coacción, las traiciones entre los personajes y la resolución final, con Manuel muerto y Carlos, herido y evacuado en ambulancia, que no pierde el interés de su novia María, la cual lo acompaña en su entrada en el hospital.  

La banda sonora jazzistica aproxima aún más a la película al cine negro americano, mientras que despierta interés ver los exteriores en esa Barcelona de finales de los cincuenta, en la que podemos ver algunas unidades del minicoche Biscuter.  

Filme policíaco español bastante sólido.  

EL CÍRCULO DE FUEGO

 

El círculo de fuego (1971) es un discreto western, dirigido por el veterano Henry Hathaway e interpretado por Gregory Peck.  

Es la historia de una venganza, la que Clay Lomax pretende cobrarse de Sam Foley, un antiguo socio en el robo a bancos que le tiroteó por la espalda tras un atraco, escapando con el botín mientras Lomax fue encarcelado durante 7 años. Foley encarga a tres pistoleros que vigilen a Lomax en el momento que sea excarcelado, mientras que este recibe un inesperado regalo de una mujer con la que tuvo relación al acoger a una niña que, presuntamente, es su hija. La niña, de seis o siete años, ha quedado huérfana y, aunque Lomax en principio quiere deshacerse de ella, acabará por hacerse cargo de la pequeña mientras tiene que librarse de los pistoleros y encaminarse a la guarida de Foley para la resolución final.  

Producida por Hal Wallis, se trata de una película con un guion muy débil, con ausencia de personajes de peso aparte del protagonista y una trama bastante tópica y previsible sobre una venganza. La niña aporta, en su relación con Lomax, un poco de interés al filme, salvable al final por el oficio de Hathaway y el carisma de Peck.  

D.E.P. GREGORIO MORÁN

 

Ha sido una coincidencia que se haya conocido la muerte de Gregorio Morán un 23-F, siendo él uno de los principales cronistas de la transición y, seguramente, el más incisivo. 

Tras leer sus sabatinas en LA VANGUARDIA, durante los últimos años que las publicó en el diario del conde Godó, hasta que lo echaron por un artículo sobre el procés en septiembre de 2017, seguía leyéndolo cada sábado en CRONICA GLOBAL, VOX POPULI y, desde enero, en THE OBJECTIVE, diario digital en el que solo ha podido entregar cinco o seis sabatinas. Me gustaba más leerlo en LA VANGUARDIA ya que no siempre hablaba de política, sino que podía recomendar libros o películas que, normalmente, tenían interés. Con el paso a los diarios digitales, supongo que le pedían  hablar solo de política, con lo que se volvió un poco reiterativo pero nunca estuvo exento de interés y cada sábado era una rutina buscar su artículo.

El azar quiso que su último artículo, titulado La culpa es del cocinero, fuera uno de los mejores que escribió en sus últimos años.

https://theobjective.com/elsubjetivo/opinion/2026-02-07/culpa-cocinero-articulo-moran/

D.E.P.

LAS MANOS SOBRE LA CIUDAD

 

Las manos sobre la ciudad (1963) es un interesante filme de Francesco Rosi, que trata sobre la corrupción urbanística existente en Nápoles y que, lamentablemente, no ha perdido actualidad.  

El protagonista es un constructor y político municipal llamado Nottola (Rod Steiger), cuya empresa constructora provoca un accidente con el derrumbamiento de un edificio causando víctimas mortales. Simplificando y sin poder nombres concretos a los partidos del consistorio, en la película aparecen regidores de derecha (uno de ellos Nottola), de centro y de izquierda. El accidente provoca un crispado debate político en el que, en clave de futura estrategia electoral, el centro secunda la propuesta de la izquierda para que se forme una comisión de investigación sobre el accidente.  

Aunque la comisión llega a un punto muerto, Nottola ha quedado señalado ante la opinión pública, por lo que gente de su mismo partido, una facción liderada por Maglione, intenta desembarazarse de él y que no se presente en la lista del partido de derechas. Pero Nottola, que no puede quedar fuera de juego como máximo empresario de la construcción, logra provocar una escisión y que algunos hombres se unan a las listas del partido del centro, liderado por De Angelis, el cual gana las elecciones.  

A pesar de un primer enconamiento y rencillas personales, los partidos de centroderecha están condenados a entenderse, sellando el entendimiento con un abrazo en plan El padrino mientras De Luca, el líder de izquierdas, sigue en la marginalidad de la acción de gobierno de la ciudad.  

En la última escena, el nuevo alcalde y Nottola, con la bendición de un cardenal, presenta un plan urbanístico. El constructor podrá seguir dominando el cotarro y mezclando intereses generales y propios en su beneficio. 

Rosi consigue un buen retrato de las prácticas corruptas de los partidos y la perversión de los procedimientos democráticos, que arrinconan finalmente al grupo que pretendía denunciar esa corrupción. En esto podríamos decir que la película puede ser ingenua, la corrupción se ha dado en partidos de todas las ideologías. La película ya advierte que los hechos son ficticios, pero basados en una realidad social y política existente entonces, y también ahora. Y esa realidad es desde concejales defendiendo lo indefendible a sabiendas, hasta otros que se convierten en tránsfugas por oportunismo y ganas de medrar. Y sobre estos concejales planea la sombra del todopoderoso Nottola, que representa el poder económico que ha accedido también al poder político.   

En una película absolutamente italiana en el reparto y equipo técnico, sorprende que el único elemento que no es del país transalpino sea el protagonista del filme, ya que Rosi escogió a Rod Steiger, el cual hace una interpretación solvente.  

De ritmo vivo, cargada de diálogos densos a través de los que se desarrollan las miserias y corruptelas de los personajes, es un filme notable que ganó el León de Oro en Venecia.

LA IMAGEN ERRANTE

 

Recuperada hace no muchos años en una filmoteca brasileña, dan un pase en la Filmoteca de La imagen errante (1920), una de las primeras películas de Fritz Lang y la primera en la que colaboró con su esposa, Thea Von Harbou. Tan solo se recuperó, aproximadamente un 70% de la película, lo que supone un lastre, aunque haya rótulos explicativos basados en el guion de las lagunas que presenta la película.

Se trata de un melodrama, un tanto retorcido en su trama. Una chica llamada Imgard queda embarazada de Georg, acérrimo partidario del amor libre que rehúye el compromiso y desaparece dándoselo por muerto. Imgard se casa con John, para dar cobertura al nasciturus y, posteriormente, John se obsesiona con la chica, a la que persigue hasta que ella llega a una zona montañosa en la que topará con un extraño ermitaño que la ayudará. 

Hay temas recurrentes luego en Lang como el sentimiento de culpa y el arrepentimiento. Lang consigue imágenes visuales potentes en la parte de la película que transcurre en una zona montañosa, especialmente ligadas a la estatua de piedra de una virgen que, mientras no cambie de estado y se convierta en un ser viviente, Georg pone de excusa para no volver de su voluntario retiro. 

Pese a algunas virtudes y apuntes que estamos ante un gran realizador, esta película de un Lang en sus inicios no puede ser juzgada sin poderla ver, cosa imposible, en su integridad.  Por tanto, se queda en un esbozo, interesante porque viene de un grande, que anticipa obras mayores. 

HISTORIAS DEL BUEN VALLE

 

Con la película Historias del buen valle (2025), José Luis Guerín retorna a un trabajo parecido al que realizó hace 25 años con En construcción, mostrando un espacio urbano, aquí más grande que el de aquella isla rehabilitada en el Raval, pero preocupándose como entonces de manera especial en mostrar, en un formato de documental, a la gente de ese lugar con sus historias, vivencias y perspectivas de futuro. Ese buen valle es Vallbona, una zona de Barcelona perteneciente al distrito de Nou Barris y encajonada entre el río Besós, la línea ferroviaria y una autopista. 

Vallbona es un lugar en que hay gente de diversa procedencia. Los más viejos del lugar explican historias parecidas a como empieza el filme de ficción El 47, gente que provenía del sur de España y construyó ilegalmente viviendas en zonas sin alcantarillado u otros servicios básicos. Pero, muchos años después, la fisonomía del barrio ha cambiado, se han hecho algunas construcciones nuevas, mientras algunas viejas se han derruido. Y ha empezado a llegar gente de diversas partes del mundo, todas de clase social baja, convirtiendo el documental en una torre de Babel en el que se llegan a oír 14 lenguas diferentes. En todo caso, lo que no ha cambiado es la sensación de que, aunque oficialmente es un barrio de Barcelona, Vallbona queda muy lejos de la capital catalana. Y Guerín subraya esto insertando, a lo largo de la película, planos para delimitar ese espacio tan aislado y con tanta vida propia. 

Oímos muchas historias de gente de diversa procedencia, asistimos a momentos distendidos como un grupo de gitanos cantando rumba, también intuimos momentos de dificultad como los que explican gente venida del conflicto ruso-ucraniano y cobra especial importancia el Rec Comtal, un espacio que se convierte en zona de baños ilegal, utilizado por todos los niños de la zona cuando hace buen tiempo y punto de encuentro de familias de diversas procedencias que se juntan allí. 

Guerín podría adoptar en su documental un tono panfletario, crítico en cuanto a la posición en la ciudad de un barrio desfavorecido. Pero opta, con acierto, por un tono de neutralidad, como cuando hay una asamblea en que se informa a los vecinos que, por obras en la estación del tren, un equipamiento deportivo estará años sin funcionar. Lo más inteligente es lo que hace Guerín, lo esencial es dar voz a los protagonistas y la intervención del cineasta es enmarcar ese espacio urbano mostrando esa gente como un retrato vivo de una comunidad que lucha por preservar la memoria (los más veteranos) y labrarse un futuro. 

Esa neutralidad al hacer el documental es lo que permite, finalmente, una mirada conmovedora y emotiva sobre la gente que sale en este bello documental.