OPPENHEIMER

 

Vuelvo a ver una película de estreno, OppenheImer, en sesión matinal. La superproducción de Christopher Nolan había levantado mucha expectación y se trata de un biopic bastante conseguido. La primera impresión es que, si la película dura 180 minutos, y no me ha causado aburrimiento, alguna virtud ha de tener.

La historia no está contada de forma lineal, sino que va hacia adelante y hacia atrás aunque tomando dos ejes principales: todos los preparativos que culminan con la primera prueba atómica en el desierto, después de haber construido un pueblo para alojar a las familias de los numerosos científicos que participaron en el proyecto ya que uno de los clímax de la película es esa explosión de una bomba de plutonio en Nuevo México; y la investigación a la que Oppenheimer es sometido dentro de la ola de maccarthysmo  unos años después de la II Guerra Mundial,  y en el contexto que él  cuestiona el desarrollo de la bomba de hidrógeno, así como se muestra favorable a la cooperación internacional en materia de energía nuclear.

Hay una parte de la película en que se explica el mundo académico en el que Oppenheimer desarrolló su labor, los colegas físicos con los que coincidió e intercambió información sobre asuntos relacionados con la física cuántica y fisión nuclear. Otra parte a diferenciar sería su implicación  como director en el Proyecto Manhattan cuando los americanos impulsan usar la fisión nuclear con fines bélicos, temerosos que sea Alemania quien se adelante en este terreno. Y otra parte de la película se desarrolla más sobre los entresijos del mundo de Washington, las comisiones del Senado y audiencia privada a la que es sometido y donde se le retira la confianza. Y la película atiende también las relaciones personales del científico ( cónyuge, primera novia, hermano, …) ya que, en base a la pertenencia de alguno de sus allegados al partido comunista,  los miembros de la audiencia privada ponen en duda que haya sido un hombre de fiar en cuanto a permitir que se exportaran a Rusia secretos de la investigación nuclear. Oppenheimer es desnudado en esa audiencia,  se conocen los secretos de sus relaciones íntimas solo con el objeto de encontrar algo con que dañar su reputación.

La película cuenta una etapa crucial dentro de la historia del siglo XX sin aburrir en sus tres horas de duración. Nolan ha hecho un buen trabajo. Se nota que ha cuidado los detalles de la densa historia que explica, que ha sacado rendimiento de un puñado de buenos intérpretes y que le ha dado un ritmo adecuado a la película.

NADIE OYÓ GRITAR

 

Después de haber rodado la espléndida La semana del asesino, Eloy de la Iglesia repitió con Vicente Parra de protagonista en  Nadie oyó gritar, un thriller que contó con Carmen Sevilla como protagonista femenina y con unos resultados mucho más discretos que en aquel primer film que en su difusión al extranjero se tituló Cannibal man.

Carmen Sevilla es una prostituta de lujo que tiene un cliente importante en Londres que es donde empieza la película. Tiene previsto otro viaje a Londres pero lo cancela a última hora y entonces, accidentalmente, ve como su vecino, Vicente Parra, intenta hacer desaparecer el cuerpo de una mujer por el hueco del ascensor de la finca. Parra le hace chantaje y la obliga a convertirse en su cómplice a la hora de deshacerse del cadáver que, en principio, es el de la mujer de Parra, personaje que interpreta María Asquerino.

Se desharán del cuerpo en un pantano y Sevilla lanzará al agua a Parra que apenas sabe nadar, intentará matarlo con la lancha pasándole por encima pero finalmente se arrepentirá, lo salvará dejándolo subir de nuevo a la lancha y se establecerá una relación de complicidad entre los dos personajes, ya insinuada en el viaje previo por carretera hasta llegar al pantano,  hasta que derive en relación sentimental, coincidiendo con su vuelta a Madrid y el giro final de la historia con una persiana que se baja dejando dentro del edificio solas a Sevilla y Asquerino.

No es que De la Iglesia fuera un director especialmente elegante, pero esta película está dirigida de manera bastante tosca, con abundancia de planos con teleobjetivo e inserción constante y molesta de primeros planos. La banda sonora es horrorosa y   la aparición de Tony Isbert, como amante de Sevilla que vive junto al embalse, parece gratuita y que solo sirva para expresar las inclinaciones homoeróticas del director. Si en La semana del asesino, la relación entre Parra y Eusebio Poncela hacía más atractiva la historia, aquí parece que más bien sobrq la relación entre Parra e Isbert.

La idea que alguien haya presenciado un crimen y sea obligado a ser cómplice del asesinato está bien planteada, y en algunos momentos la película consigue una buena tensión narrativa, pero es una película que queda por debajo de lo que esperaba

EL ANACORETA

 

El anacoreta es la única película que dirigió en solitario Juan Estelrich (hijo del homónimo político de la Lliga) y coescribió el guion junto a Rafael Azcona, siendo Fernando Fernán Gómez el protagonista absoluto de la película.

Fernán Gómez interpreta a Fernando Tobajas, un señor que cuando empieza la película lleva once años viviendo en el cuarto de baño, que ha acondicionado como un miniapartamento. En las demás dependencias de la casa que él nunca visita viven su mujer, su administrador que es amante de su mujer, la criada doméstica y una hija que se independiza y le presenta a un peculiar personaje que será su marido. Además de recibir a sus amigos y jugar al dominó en medio del cuarto de baño, Tobajas se dedica a escribir mensajes que inserta en un tubo metálico y tira por el retrete esperando que alguien los lea, además de hacer copia de los mismos y archivarlos por riguroso orden cronológico. Aunque siguiendo las corrientes de desagüe y fluviales estando en Madrid lo lógico es que los mensajes vayan a parar al Atlántico, una chica anglosajona, Arabel Lee, encuentra uno de los mensajes  en la isla de Capri y se presenta en Madrid para conocer a Tobajas, siendo seguida por un tal Mr. Boswell, millonario y amante de la chica.  

Tobajas será tentado de dos maneras para abandonar su cuarto de baño y reinsertarse en la sociedad. Por un lado, recibirá una oferta económica de Boswell que rechazará sin dudar y, entonces, el millonario convencerá a la familia de abandonar la casa para hacerlo salir al no tener quien le auxilie.  Por otro lado, Arabel Lee, que se queda con él le tienta primero de manera infructuosa exhibiendo su voluptuoso cuerpo y, más adelante, habiéndose enamorada de él, tiene más éxito en una relación con mayor implicación sentimental.

Tobajas confiesa que se refugió en el cuarto de baño porque la vida no tenía nada que ofrecerle y fio su suerte a hacer una llamada desesperada, a través de los mensajes, y que alguien cambiara su situación. Por un momento, parece que Arabel Lee podrá ser el aliciente que necesita para salir del cuarto de baño y, con tal fin, incluso abandona su habitual indumentaria que consiste en llevar chandals y se hace traer un traje para ir a la calle. Pero se impone la realidad y Arabel Lee  le hace ver que la magia que ha encontrado enamorándose de una persona que vive aislada se rompería al salir y ella, acostumbrado al alto nivel de vida que tiene, se cansaría enseguida de un hombre que pasaría a ser común. Tobajas lo comprende, se despiden  y mientras la cámara recorre el cuarto de baño el audio revela el trágico final.

La película es una tragicomedia. Al principio, más comedia y, al final, más tragedia. Hay muchos momentos divertidos como jugar con normalidad al dominó y que uno de los amigos orine al lado de la mesa que es donde está el retrete, o que en una de las primeras visitas de la chica el amante de la mujer de Tobajas esté dándose un baño. En estos detalles y en el retrato de los extravagantes personajes de la familia de Tobajas, hay un humor surrealista y absurdo que está muy bien resuelto. Cuando la película avanza, en el último tercio, desaparece el tono de comedia y se explica la historia de un hombre que no puede estar en ningún sitio, ni en la sociedad ni en el pequeño mundo que se había construido constatando que no puede comunicarse con nadie, esperanza que mantenía mientras suponía que sus mensajes daban vueltas por el mundo arrastrados por las corrientes.

Se impone la soledad y el pesimismo por lo que, disfrazada en gran parte del metraje de comedia o de farsa grotesca, es una película muy amarga y en la que, como no puede ser de otra manera, Fernán Gómez está soberbio.

No debió ser fácil dirigir una película en la que solo hay un decorado y que podría ser perfectamente una obra de teatro ( no sé si hay alguna adaptación). Yo creo que Estelrich sale airoso, la película está bien dirigida y coescribió con Azcona un gran guion. Y con un final en el que Tobajas deja escrito que en  el futuro habrá más anacoretas como él. 

 

 

 

VIDA FÁCIL

 

Vida fácil es una película dirigida por Jacques Tourneur en 1949 e interpretada por Victor Mature, Lizabeth Scott y Lucille Ball.

Es un melodrama sobre el ocaso de una estrella del fútbol americano al que se le detecta una dolencia cardíaca. En principio, él amaga esta circunstancia y le cuesta aceptar la realidad, especialmente porque su mujer, la atractiva Lizabeth Scott, mantiene un alto nivel de vida, se codea con gente elitista, quiere convertirse en una mujer de negocios  y el personaje de Mature cree que todo ello puede afectar negativamente a su matrimonio. Como en Ha nacido una estrella, el personaje masculino está en decadencia y el femenino en auge.  Lucille Ball interpreta a una colaboradora del equipo de fútbol americano que está enamorada de Mature y tiene algunas buenas escenas observando la confusión del personaje de Mature que, en un momento dado, se da a la bebida mientras no sabe cómo encarar su final como deportista, pero sobre todo por cómo afectará a su matrimonio. Ball es mucho más cercana y empática a Mature que su propia mujer. Aquí se trata de un drama pero  el  matrimonio de Mature y Scott, un deportista y una pija, recuerda a Peck y Bacall en Mi desconfiada esposa, solo que allí Peck era periodista deportivo.

La película tiene el ritmo que solían tener en el cine clásico las películas de serie B, en 80 escasos minutos pasan muchas cosas y todas ellas interesantes. Y Tourneur dirige con eficacia, sin la brillantez de los grandes momentos de Retorno al pasado o La mujer pantera pero dando intensidad a las relaciones entre los personajes, a veces insinuando sutilmente las más que posibles infidelidades de Scott en su sed de triunfar y tener un reconocimiento social como diseñadora. De hecho, tal vez el guion podía haber sido más atrevido en la relación entre Mature y Ball, así como las que tiene Scott con la gente con la que desea codearse. La sensación es que la película daba para más y queda encorsetada justamente por ser una serie B, acotada en su duración.

También creo que la película hubiera merecido otro final, menos precipitado y más clarificador, pero Vida fácil es una película de Tourneur y eso siempre la hace interesante.

 

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FRENTE DE MADRID

 

Frente de Madrid es una película propagandística de Edgar Neville y se centra en las vicisitudes de una pareja de novios,  de clase acomodada madrileña, que se ven sorprendidos por el inicio de la guerra civil. Mientas ella se queda en Madrid, él ha ido a Salamanca y queda bloqueado a la entrada de Madrid, pero se las ingenia para entrar en la capital aprovechando que se le asigna, por parte de las tropas franquistas,  enviar una documentación importante a un quintacolumnista que tiene un cargo de mando en la estructura republicana. Ante un momento de apuro pues ha sido descubierto y tiene dificultades para volver a la zona nacional, le dicen que un enlace le va a ayudar y resulta que es la chica que también es quintacolumnista. Cuando logra volver a la zona nacional, a través de la radio se entera que el grupo de la chica ha sido descubierto. Desesperado, vuelve a salir de las trincheras y cae herido. Así pues, mueren los dos y el plano final es de exaltación con sus figuras con banderas españolas superpuestas.

Por supuesto, la película no pretende ser neutral. Los milicianos republicados son retratados como auténtica escoria, al igual que la población civil salvo un personaje mientas que los nacionales son educados, nobles y gallardos.

No obstante, desde el punto de vista estrictamente cinematográfico, la película es entretenida y hay apuntes de películas posteriores como los planos de una escalera de un edificio donde están los del SMI republicano que son parecidos a los que luego empleó Neville en la más interesante y sin tener carácter político La torre de los siete jorobados.

También la penúltima escena es destacable, cuando el protagonista está herido en tierra de nadie con un muchacho republicano que está en esa misma situación. Conversan y resulta que son los dos de Madrid y pueden haber coincidido es espacios de la capital, y ahora están juntos agonizando. Dentro de una película con un sesgo franquista tan exaltado, esa escena parecería abrir la puerta a una cierta reconciliación y a pensar que no todos los soldados republicanos merecían la misma consideración.

Se hizo una versión también italiana con el mismo equipo pero cambiando al actor principal, y en la copia que he visto cuando sale algún mensaje está escrito en alemán. Así pues, se exportó a las potencias del Eje en un año, 1940, en que éstas estaban a punto de dominar Europa. 

 

EL CAZADOR DE RECOMPENSAS

 

 

El cazador de recompensas es un western dirigido en 1953  por André de Toth e interpretado por Randoph Scott. Ambos colaboraron en varias películas y, aunque Scott alcanzó con Boetticher la excelencia realizando westerns, El cazador de recompensas es una película que se ve de manera amena y agradable.

Scott es un bounty hunter , un individualista  que se dedica a buscar y capturar, vivos o muertos, a forajidos por los que se ofrece una recompensa. Recibirá la visita de un hombre de la agencia Pinkerton que no puede solucionar el problema causado por un atraco en el que, además de alguna muerte,  desapareció una cantidad importante de dinero. A caballo entre el western y el cine de detectives, Scott se desplazará a una ciudad donde irá indagando y cercando a los tres asesinos, se enamorará de la hija de un médico que en principio encubre a los malos bajo coacciones y, tras liquidar a los villanos, sentará la cabeza casándose con la chica y convirtiéndose en el sheriff de la localidad.

Actor poco dado a matices, la presencia de Scott siempre da consistencia a una película del Oeste. El guion está trabajado y mantiene la intriga con unos malos que parecían los menos señalados y un golpe de efecto con el que Scott descubre al final a uno de los asesinos marcándose un farol.  De Toth filma con sencillez y eficacia como corresponde a un buen film de serie B.

Estamos ante un western clásico y Scott abandona su individualismo, se casa con la chica y se integra en la comunidad como un eficiente sheriff. Nada que ver con un bounty hunter que muchos tenemos como favorito y que es el hombre sin nombre que Eastwood interpreta en La muerte tenía un precio y El bueno, el feo y el malo; un hombre cínico y amoral carente de un lugar donde asentarse.

 

 

 

 

REPETICION DE ELECCIONES

 

Aun a riesgo de equivocarme, mi pronóstico es que se repetirán las elecciones en España y volveremos a las urnas en diciembre, probablemente el 17 ya que, si ha de ser un domingo, los días 10, 24 y 31 no parecen los más oportunos.

Una vez que ayer el PNV enterró las remotas esperanzas de Feijoo de formar gobierno, solo cabe la posibilidad de que Pedro Sánchez fuera investido presidente. Pero no creo que ésa sea su intención. Por supuesto, no puede decirlo abiertamente y ha de jugar con la idea que, como ha manifestado públicamente,  la democracia encontrará una fórmula de gobernabilidad aunque, en realidad, esté pensando en una repetición.

Sánchez ya afrontó una repetición electoral en 2019. Eran los tiempos en que no iba a dormir tranquilo con ministros de Podemos en el gabinete.  Pero las nuevas elecciones dejaron una situación similar a las primeras elecciones de aquel año (los bloques no se movieron y, si hubo cambios, fue por el hundimiento de Ciudadanos y auge de VOX), así que , al día siguiente de las segundas elecciones, ya se abrazó a Pablo Iglesias y se formó el gobierno de coalición. Si lo hizo una vez, lo puede volver a hacer otra.

Por eso, la negociación con Junts va a ser un paripé. En los periódicos españoles de derechas, y en los telediarios como el de Vicente Valles, están asustados y ya dan por hecho que Puigdemont gobernará España, forzará la celebración de un referéndum de autodeterminación y se decretará una amnistía. Dejando al margen que Puigdemont es un hombre incapaz de gobernarse a sí mismo y que a veces pienso que sería más deseable que compareciera ante un psiquiatra que ante el juez Llarena,  Sánchez no puede, en el más que dudoso caso que quisiera, ofrecer lo que no puede dar. No es legal un referéndum vinculante de autodeterminación, no tiene sentido un referéndum consultivo que se base en el artículo 92 de la Constitución y una amnistía es una medida excepcional para delitos políticos, no para delitos comunes realizados por motivaciones políticas.

Con el paripé de una supuesta negociación frustrada, Sánchez puede encarar mejor una segunda vuelta electoral, vendiendo la idea que él no cede a determinadas pretensiones de los independentistas y pone líneas rojas que nunca traspasará ;  y contando con que Feijoo afrontará desde una posición mucho más débil los nuevos comicios y puede entrar en dinámica perdedora. Es probable que Feijoo tuviera una oportunidad y la perdiera debido a su inmensa mediocridad, enredado en las mentiras a propósito de la revalorización de las pensiones  y escondiéndose en el debate de TVE. Para Sánchez, aunque la composición del Congreso no cambie mucho, un pequeño baile de escaños arriba o abajo le podría dar la posibilidad de salir investido en una segunda vuelta con más síes que nos, como a finales del 2019.

Puigdemont también estará contento con el paripé. Se convertirá en el único guardián de las esencias de la patria catalana y venderá la idea que él no se rebaja a pactar por un traspaso de Rodalies o el mantenimiento de una fantasmagórica mesa de diálogo.  Mientras no se aclare su situación judicial, seguirá viviendo ocioso en Waterloo y tendrá la atención de los medios españoles y catalanes ( los únicos que pueden seguir a semejante mamarracho), a la vez que desgasta a un Junqueras que, en cada aparición pública que hace, se parece cada vez más a un retrato de San Jerónimo penitente.  

Sánchez es un tahúr, un jugador de póker capaz de desafiar al Paul Newman de El golpe o el Edward G. Robinson de El rey del juego, y estoy seguro que jugará sus cartas para forzar una repetición electoral que le de más opciones.

 

 

 

 

SI VOLVEMOS A VERNOS

 Si volvemos a vernos es una película dirigida por Francisco Regueiro que tiene un argumento, para la epoca siendo el año de producción 1968, que cabe calificar como audaz. 

La historia trata sobre una exprostituta llamada Matilde (Esperanza Roy)  que entabló una relación con un soldado negro americano que está enrolado en el ejército y destinado a una base americana en España, se casó con él y tienen un hijo en común. El soldado quiere regresar a los EEUU y llevarse a su mujer y su hijo, asustado ante la posibilidad que, ante las tensiones internacionales, sea destinado a Vietnam u Oriente Medio. Ella no quiere irse a los EEUU y, al inicio de la película, el soldado queda movilizado dentro de la base sin que su mujer angustiada pueda contactar con él. A través de flashbacks la acción retrocede a cuando los protagonistas se conocieron y también aparece en la historia Luis, un hombre ya maduro, casado y muy bien situado,  interpretado por Alfredo Mayo, que fue cliente preferente de Matilde y vuelve a su vida en esos momentos de angustia para proponerle ser su querida. El final es abrupto y totalmente abierto. 

Sorprende ver en una pelicula española relaciones interraciales o que la guerra de Vietnam aparezca de fondo como asunto importante en la trama. Sin duda, Regueiro era un director con mucha personalidad . Y eso ya se demuestra, además de por la temática, desde los títulos de crédito, unas tomas sobre las luces de neón de los teatros, cines y restaurantes de la Gran Via madrileña ( con influencia americana pero ajenas a la filmografía española); o la utilización de rumba o jazz como acompañamiento a la ambientación de la película en locales de alterne o bares de mala muerte en el primer estilo,  o por donde se mueven los soldados americanos en el segundo.

La película funciona bien como melodrama con el personaje de Roy debatiéndose entre el amor a su marido y las dudas sobre abandonar España; y aprovecha bien el personaje de Mayo como ejemplo de la sociedad hipócrita de la época. La historia está bien explicada y no aburre en ningún momento. 

Sin ser una película brillante como Carta de amor de un asesino, sí es una película con puntos de interés y de amena visión

LAS PISTOLAS CANTARON A MUERTE

 

Lucio Fulci no solo hizo películas de terror. También hizo un spaghetti western como Las pistolas cantaron a muerte  con un resultado discreto. Contó para la ocasión con un rostro icónico del género como Franco Nero, un actor que también frecuentó mucho el género como George Hilton y un actor, Nino Castelnuovo, muy alejado aquí del registro que tiene en la película por la que yo lo recuerdo más que es su aparición en la maravillosa Los paraguas de Cherburgo.

Nero es un buscador de oro que es llamado a volver a su localidad de origen y allí se encontrará con que un tal Scott es un terrateniente que gobierna con despotismo toda la zona y se ha adueñado de tierras y negocios. Tiene un hijo psicópata interpretado por Castelnuovo que, en el inicio de la película, ha disfrutando  haciendo que un hombre sea perseguido por una jauría de perros . Nero, junto con su hermano Hilton, se enfrentará a Scott para descubrir que, en realidad, ha sido este último quien le ha hecho volver ya que es su auténtico padre. Hilton dará muerte al padre y habrá una última lucha a muerte entre Nero y Castelnuovo.

Hay que destacar un personaje divertido y es el de un chino cuyo oficio principal es el de enterrador, aunque también es el pianista del saloon. Recita preceptos de Confucio para luego poner en práctica todo lo contrario al espíritu de los preceptos y sablear a quien puede.

También hay una buena escena en una lucha con látigo entre Nero y Castelnuovo pero el tono de la película es rutinario, el guion endeble y, aunque Nero siempre tiene presencia en una película de este género, tuvo papeles mucho mejores en las películas de Sergio Corbucci.

Fulci viviría días más inspirados como director en el género del cine de terror que no en este anodino spaghetti.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

CIELO NEGRO

 

Cielo negro es un potente melodrama y que, además, tiene la virtud de ir de menos a más hasta llegar a un momento de gran intensidad dramática con el intento de suicido de la protagonista y posterior desenlace.  

 Emilia (Susana Canales) es una empleada de una tienda de moda a la que todo le va muy mal. No muy agraciada físicamente, tímida y retraída,  está enamorada de un compañero de trabajo apellidado Fortun (Luis Prendes) con el que sale un día de verbena y, como no tiene vestido,  roba uno de la tienda, aunque luego pretenda restituirlo, siendo luego descubierta y despedida. Además, el compañero le dice que se va a ir a vivir a Valencia por lo que se frustran las ilusiones de Emilia. 

Posteriormente, y mientras busca otro trabajo, unas excompañeras se las ingenian para, con gran malicia, contactar con un poeta (Fernando Rey) que vive precariamente y, en gran parte, del sableo para que escriba unas cartas haciéndose pasar por aquel compañero que se fue a Valencia. La precariedad del poeta es tal que escribe las cartas a cambio de cafés con leche y magdalenas.  Las cartas se irán animando y haciendo subir las ilusiones de Emilia hasta que concluyen en casarse, pero la madre de Emilia cae enferma terminal, le quedan pocas semanaS de vida y Emilia le pide a su supuesto novio que adelante su llegada a Madrid antes que su madre muera. Aquí el poeta decide dar fin a la farsa y le confiesa todo a Emilia, que ha escrito aquellas cartas como una broma y pagado por terceros. Emilia se indigna pero  le obliga a que se presente ante su madre y cumpla el trámite de pedirle la mano a su hija para que muera en paz y pensando que deja a la niña bien casada.  Para colmo de desgracias, la chica va al oftalmólogo que, tras explorarla, le dice que tiene una enfermedad degenerativa por la cual perderá dentro de un tiempo la visón. La madre muere, en paz mientras está con el poeta, y la desesperación de Emilia es tan grande que va a un puente de Madrid, creo que está encima de la calle Segovia y es conocido por haberse suicidado mucha gente, y se quiere suicidar pero cambia de idea y entra en una iglesia donde se resigna y acepta su destino.

 

Mur Oti retrata aquí las dificultades de una chica en una época, a principios de la década de los 50, todavía muy complicada para las clases populares. Parece que tan sutilmente que lo he tenido que leer, a través de donde trabaja Emilia se infiere que es hija de un excombatiente republicano. Al principio de la película hay un cierto idealismo e ingenuidad de la chica que pronto ha de despertar a la realidad, Fortun no quiere nada con ella, unas víboras compañeras montan una farsa y el personaje de Fernando Rey, aún sin malicia y más desde la inconsciencia, le acaba haciendo daño.

 

Mur Oti estaba especialmente dotado para el melodrama y me recuerda a Douglas Sirk, el gusto por el detalle, por expresar de manera muy explícita la emotividad, en algún momento hasta la exageración. Pero eso sumerge al espectador en el sufrimiento de Emilia y la película se remata con un larguísimo travelling por la calle que va del puente donde se intenta suicidar a una iglesia, en un momento en que  está lloviendo mucho y la chica corre apresuradamente empapada de agua, hasta llegar a la iglesia y valorar la vida por encima de cualquier contrariedad.  Mur Oti se entretiene en ir al detalle del rostro de Canales, mojado por la lluvia y ansiosa de llegar a la iglesia (cuando antes la religión no había tenido presencia en la película) y que, junto con la banda sonora, contagia mucha emotividad.

 

CARTA DE AMOR DE UN ASESINO

 

Carta de amor de un asesino , dirigida por Francisco Regueiro en 1972, es ciertamente una película muy extraña, inclasificable en una mezcla de thriller con elementos de cine fantástico.

La película se abre con una violencia extrema cuando, en un bar normal y corriente, un personaje interpretado por José Luis López Vázquez y que en la trama se llama Antonio Gómez asesina con un arma de fuego a cuatro personas.

Se da a la fuga y es buscado por las autoridades según recortes de prensa que aparecen posteriormente. Serena Vergano interpreta a Blanca, la directora de una biblioteca provincial, que recibe un día una carta del asesino. Antonio confiesa en la carta que es un socio de la biblioteca, que ha acudido muchas horas y se ha fijado en ella, que el amor que siente por ella es lo único que le mueve en la vida y la justifica a pesar que ve que Blanca ni siquiera ha reparado en su existencia. Blanca conversa con Ramón, un empleado de la biblioteca interpretado por José Calvo, y éste le confirma que Antonio es socio de la biblioteca, que tiene cierto trato con él y que se trata de un hombre culto que incluso ha escrito un libro de poesía, habiendo leído Ramón algunos de sus poemas. 

A partir de aquí la película va adquiriendo un cariz más fantástico. Mientras Blanca prosigue leyendo cartas en que Antonio le sigue escribiendo que el amor que le profesa es lo único que justifica su vida, también experimenta un rechazo hacia él pero comienza a verlo en apariciones, reales o fantásticas, así como imaginar dentro de su casa cuerpos de reses despellejados o jugar con un pececito en la bañera que después descuartiza.  Blanca entabla conocimiento con el hijo de Antonio que disculpa las acciones de su padre y le dice que está junto al río escondido pero,  al día siguiente, ella va a ese lugar y resulta que Antonio está muerto, aparentemente se ha suicidado. Posteriormente, Blanca está en un bar y Antonio, en otra aparición espectral, se sitúa frente a ella y supuestamente le acaricia la mano. A la salida del bar está Ramón, personaje de gran ambigüedad en la trama, y juntos se van a su casa y pasan la noche juntos. A la mañana siguiente ella coge un cuchillo y se lo clava por la espalda mientras Ramón se está afeitando. Llegamos al final de la película y Blanca está en la cama, en la habitación de al lado vuelve a ver a Antonio, acaba de leer en su carta que solamente una vez al año los muertos viven un día, ella lo guía a su cama en la que Antonio se tumba, ella le da un beso y acaba la película. 

Sujeta a múltiples posibles interpretaciones, Cartas de amor de un asesino es una película críptica y enigmática constituyendo un film muy personal de Regueiro.  Podemos especular con que la frustración amorosa lleva a Antonio a la irracionalidad cometiendo unos asesinatos que no tienen sentido. Así mismo, que el hecho de recibir cartas de amor de alguien que ha podido perpetrar un crimen tan bestia perturba a Blanca , también frustrada desde el punto de vista sentimental al mantener una relación adúltera con el marido de una amiga, al punto de hacerle perder sus facultades mentales.  

Podríamos también hablar de un proceso de vampirización del personaje de Bergano por parte de López Vázquez utilitzando la violencia para exorcizar al demonio de las frustraciones u otra idea que da la película es la asociación entre sexo y muerte.

En cualquier caso, todas estas conjeturas se dan en un film con muy buena puesta en escena: esas apariciones espectrales de  López Vázquez como una detrás de un cristal con formas irregulares,  ese pececillo nadando plácidamente al principio de la película y luego descuartizado, ese matadero en que se convierte la casa de Blanca en medio de sus alucinaciones … todo ello da un clima de intranquilidad y angustia que da fuerza y vigor a la película. 

Carta de amor de un asesino es una película muy atípica y muy interesante.

CONDENADOS

 

Condenados es un intenso drama rural que dirigió en 1953 Manuel Mur Oti  con Aurora Bautista, José Suárez y Carlos Lemos de protagonistas.

 Vemos en los títulos de crédito una mujer trabajando con mucho esfuerzo en un campo manchego, viéndose sobrepasada por la dureza del trabajo agrícola mientras suena una sinfonía de Beethoven. Después de los títulos, aparece el personaje de Suárez errando por el campo  y Bautista, desbordada por querer sacar provecho a la tierra,  le confía trabajar poniéndose al frente de la hacienda. Suárez empieza a hacer funcionar la finca pero necesita  más obreros  para optimizar su explotación y parte al pueblo a buscarlos aunque Bautista le advierte que nadie querrá trabajar allí. Entonces nos enteramos que el marido de Bautista está en la cárcel por haber matado a un hombre que, aun sin ser correspondido, pretendió a Bautista. Suárez consigue que los lugareños venzan las reticencias a trabajar para la mujer del condenado y la finca funciona muy bien mientras él se enamora de la señora de la casa.

 El punto de inflexión vendrá cuando el personaje de Lemos es indultado y vuelve al pueblo. Con unos celos patológicos de Lemos y las ganas de Suárez, ya obsesionado en su amor hacia el personaje de Bautista, de demostrar a Lemos que él lleva mejor la finca de un hombre que ha perdido facultades de prisión; estallará el conflicto y el capataz será despedido por el dueño de la casa. La reacción de Suárez será revolverse contra ese despido y retar a Lemos a un duelo a navajazos que se resolverá con un trágico final.

 Pondría como objeción a la película el hecho de utilizar música de Beethoven. A lo largo del film, se pueden escuchar como banda sonora varios fragmentos de sinfonías y sonatas del genio de Bonn. En un drama rural ubicado en La Mancha, a mí me ha dado sensación de distancia, como si la imagen y la música no se complementaran. 

 Pero, salvada esta objeción, estamos ante un melodrama espléndido. Mur Oti cuida con mimo el lucimiento de los actores y éstos le responden con buenas interpretaciones. Filma haciendo que sintamos muy próximos a los actores, con gran fisicidad y aprovechando el paisaje castellano, como esos planos de los protagonistas junto a las aspas del molino.  Nos cuenta minuciosamente la historia y así comprendemos de la pasión que despierta en Suárez la mujer, con detalles como cuando se apropia de una peineta de plata que a ella se le cae sin darse cuenta.

 Es una historia de celos, de deseo, de represión, de sumisión de la mujer en el mundo rural castellano y de fidelidad de la mujer al marido por ser cuestión de orden que no admite, en su concepción del mundo, duda alguna.

Y una historia de pasiones desatadas en ese ámbito solo puede acabar en tragedia como indica el título del film.

 

EL HUMOR JUDÍO

 

Leo el libro El humor judío, una historia seria, escrito por Jeremy Dauber, profesor de lengua, cultura y universidad yiddish de la Universidad de Columbia. Dauber enuncia en el inicio del libro cuáles son los temas principales del humor judío:

El humor judío es una respuesta a la persecución y el antisemistismo

El humor judío es una mirada satírica a las normas sociales y comunitarias judías.

El humor judío es un juego alusivo, intelectual, ingenio y libresco.

El humor judío es vulgar, grosero y está obsesionado con el cuerpo.

El humor judío es mordaz, irónico y metafísico.

El humor judío se centra en el judío común y corriente, de a pie.

El humor judío trata de la ambigua y difusa naturaleza del judaísmo.

Luego reflexiona, creo que de manera muy oportuna en los tiempos que corren, algunas características, no del humor judío, sino del humor en general: 

El humor no siempre es divertido

El humor no siempre es bonito ni amable

Al analizar el humor existe el riesgo de matarlo

Y, con esta orientación, Dauber va desarrollando su libro. Para él,  ya desde el Antiguo Testamento hay un humor judío. Aunque dice que la Biblia no es un libro divertido, Sara se toma a guasa que, conociendo las leyes biológicas,  pueda dar un hijo a Abraham, se ríe y Dios la reprende.

Sacar punta del hecho de haber sido un pueblo perseguido y tomárselo con humor tiene mucho mérito. Así, es difícil de concebir en otras etnias que hubiesen programado espectáculos humorísticos contando chistes en el mismo guetto de Varsovia. O que se haga un chiste como éste en el campo de Treblinka:

“Alegraos, algún día volveremos a encontrarnos en un mundo mejor: en el escaparate de una tienda, convertidos en pastillas de jabón”.

Sería el ejemplo de chiste desagradable (ni bonito, ni amable y relativamente divertido) pero seguramente necesario, y hasta un cierto punto terapéutico, para aquella gente que podían pasar de la risa al llanto ante una perspectiva nada halagüeña.  

Dauber realiza un trabajo exhaustivo buscando todas las fuentes del humor judío en todas las épocas: Antigüedad, Edad Media, Edad Moderna, la Ilustración judía (Haskalá), siglo XX.  Y paseándose por todos los territorios donde ha habido comunidades judías importantes: las comunidades sefarditas, la importante población yidish de Europa del Este, los emigrantes judíos en los Estados Unidos, etc. Y también dedica especial atención a las cómicas judías que han tenido y tienen presencia en Estados Unidos. En definitiva, un libro con una serie de datos, nombres y referencias aplastante y, obviamente, explicando muchos chistes.

La parte más accesible para mi del libro es cuando aborda la influencia de los judíos en el mundo del espectáculo americano. Así, habla del famoso Lenny Bruce (al que conozco por el biopic de Bob Fosse aunque me gustaría volver a verlo después de tantos años), de los hermanos Marx, Mel Brooks, Woody Allen, y otros menos conocidos para mí, algunos de ellos de este mismo siglo XXI ya que Dauber llega hasta la actualidad planteándose cómo evolucionará el humor judío.

Y parece que el humor judío goza de buena salud en Estados Unidos. La práctica del judaísmo no tanto. Al final del libro, Dauber menciona un trabajo de 2013 en que se preguntó a los judeoamericanos qué significaba ser judío en EEUU. Un 42% respondió que tener sentido del humor, un 23% respetar la ley judía y un 14% formar una comunidad judía. (faltaría un 21%, el autor no lo dice pero los situaremos en NS/NC).

Tal vez este chiste resuma el sentido del humor y escepticismo respecto a la religión que muestra la encuesta:

A un hombre le ofrecen dos kopeks por sentarse en las afueras del shtetl y avisar si llega el mesías. Un vecino le dice:

-       -   ¿Solo te pagan dos kopeks? . No es gran cosa.

-        -  Pues no, pero es un trabajo de por vida.

EL REGRESO DE LA MUJER PANTERA

 

El regreso de la mujer pantera es un film que tiene prácticamente el mismo equipo que el clásico de Tourneur. Los actores principales, incluida Simone Simon, son los mismos, así como el guionista (DeWitt Bodeen), música (Roy Webb), director de fotografía (Nicholas Musuruca) y productor ( Val Lewton). Sí cambió el director, en este caso dos: Robert Wise y Gunter von Fritsch.

Hicieron una cosa muy diferente aprovechando personajes de La mujer pantera para crear una película de fantasmas. La  protagonista es una niña, Amy, hija de la pareja que forman Kent Smith y Jane Randolph que quedaron juntos al final de la primera película. Amy es una niña solitaria pero con un rico mundo interior y mucha imaginación.  Recibirá como regalo un anillo de una vieja dama que vive en una gran casa  con una hija de aspecto siniestro y con la que se lleva muy mal.  A través del anillo mágico, y al invocar el nombre de Irena, a Amy se le aparecerá como fantasma o hada buena el personaje interpretado por Simone Simon y se harán grandes amigas ante el escepticismo de su padre,  que incluso contempla tener mano dura contra lo que cree supersticiones y fantasías como las que tuvo su exmujer, y la mayor condescendencia de la madre que intenta comprender el mundo interior de su hija.

En un momento dado, la niña huirá ante la incomprensión que le muestra su padre e irá a parar a la casa donde vive la vieja dama. Allí será objetivo de la hija siniestra estando en grave peligro y se salvará al invocar a Irena como hada buena que irá a socorrerla

Los cambios de luz y el oficio de los directores hacen que la película adopte un buen tono en esa muestra de irrealidad que se da cuando aparece el personaje de Irena y está con la niña. Para mi no tiene la excelencia que tenía La mujer pantera, pero esta secuela tiene la suficiente personalidad como para convertirse en una digna película dentro del género de cine fantástico.

BAHÍA DE SANGRE

 

Bahía de sangre es un giallo con toques slasher que dirigió Mario Bava en 1971. El inicio es espléndido con la cámara entrando en los interiores de un caserón y mostrando el asesinato de una condesa que va en silla de ruedas y es ahorcada. Contrariamente a lo que pasa en otras películas del género,  aquí enseguida vemos al asesino a cara descubierta y resulta que es su marido, que a su vez es inmediatamente asesinado por alguien que, en ese inicio, sí tiene identidad oculta. El plano de la condesa con la soga al cuello  agonizando y la rueda de la silla  que deja de girar marca el tono de la película. 

A partir de aquí, entre los diferentes personajes que van apareciendo se entabla una lucha sin cuartel, con requiebros en el guion y donde el suspense no viene por saber la identidad de los asesinos sino por dónde nos llevará la trama en un todos contra todos.  No hay un protagonista principal claro sino la superposición de personajes con intereses económicos respecto a la bahía tras la muerte de la condesa y que no dudan en utilizar la violencia para conseguir sus propósitos. Solo aparecen dos parejas jóvenes ajenas a los entresijos de la trama  y que son rápidamente eliminados enmedio del horror desatado . Todo ello filmado con el buen oficio de Bava  para crear suspense y manejarse en interiores; y unos toques slasher todavía no muy habituales en 1971. Cabe imaginar que, en aquella época, sorprendía ver un hacha que se incrusta en un rostro o una pareja que es atravesada con una lanza mientras están en la cama practicando sexo. 

Es un film pesimista, donde todos los personajes importantes de la trama son negativos, hoscos, antipáticos  y que remata Bava con un atrevido final, consecuente con la historia pero ejecutado por unos niños cuya inocencia está a la altura de los protagonistas de ¿Quien puede matar a un niño ? de Ibáñez Serrador. 

Bahía de sangre es un film que busca provocar desasosiego y lo consigue de manera notable.

EL HOMBRE QUE SE QUISO MATAR

 

El hombre que se quiso matar es la primera película dirigida por Rafael Gil y se rodó en 1942 adaptando una narración breve de Wenceslao Fernández Flores.

El argumento gira en torno a un hombre (Antonio Casal) que ve cortada injustamente su carrera profesional en una empresa cementera, su novia le recrimina el fracaso y decide suicidarse. Después de un par de intentos de suicidio frustrados de manera ridícula, encontrara a un sujeto que le hará ver que haciendo pública ( a través de la prensa) su idea de suicidarse podrá sacar provecho al poderse situar, frente a diferentes personajes que van apareciendo en el film,  en una posición de superioridad derivada de no tener que ser hipócrita y poder ser lo que ahora diríamos políticamente incorrecto dado que en cuatro días morirá. Todo ello ocurre en medio de situaciones cómicas y, de rebote, enamorándose de la guapa hija del ejecutivo de la cementera.

Para ser de 1942 la película no ha envejecido  y funciona como una comedia ligera agradable de ver. Sigue vigente la idea que, cuando uno  ya no tiene nada que perder, puede dejar de fingir, ser más directo, tirar de ironía y retratar a una sociedad mezquina; si bien ese tono de comedia ligera y happy end amortigua que sea una película incisiva.

De todos modos, tampoco creo que se pueda vender como una extraordinaria película. Creo que hay tendencia a sobrevalorar muchas películas españolas de aquella época. Nuestra cinematografía ha dado algunas películas extraordinarias pero en número muy inferior a cinematografías como la francesa o la italiana. 

LA VIDA ES SUEÑO

 

Noche tórrida en el Grec para ver La vida es sueño. La obra es presentada por actores del Centro Dramático Nacional en coproducción con los británicos de Cheek by Jowl. Estando en fechas aún cercanas al solsticio, hay una chispa de luz cuando empieza la función a las diez de la noche.

La puesta en escena puede que para algunos sea modernizadora, para otros transgresora respecto al teatro clásico... En cualquier caso, el potente texto de Calderón, esas reflexiones que no se pueden escribir mejor  sobre la realidad y la libertad,  se escucha y llega al espectador con claridad y poderío. Los actores son muy buenos y el montaje los  acerca  a la gente a través de los efectos sonoros, la música y en algunos momentos en que se mezclan en las gradas con el público mientras siguen representando la obra. 

Lleno absoluto. Demasiada gente. En el momento en que Segismundo declama los versos más famosos de la obra y que dan pie al título, una mujer tose de manera repetida y muy inoportuna. No todo puede ser perfecto. 

EL REINO

 

El reino es la segunda película que veo de Rodrigo Sorogoyen, después de la extraordinaria As bestas, y no me decepciona.

Me parece que es un retrato bastante aproximado de lo que es la corrupción política en España. En una primera escena, vemos a un grupo de políticos departiendo con gran camaradería y alborozo. Uno de ellos,  Manuel López Vidal, posteriormente se ve implicado en un caso de corrupción en el que no es el único del partido que está pringado. El buen rollo de la primera escena desaparece y el partido cerrará filas en torno a otros y dejará a Manuel con el culo al aire para que se coma el marrón y apaciguar a la opinión pública, todo ello en escenas con muchas tensiones entre Manuel y la gente importante del partido. Pero Manuel se revolverá e intentará defenderse comprometiendo a otros miembros del partido, en una vertiginosa huida hacia adelante, sorteando obstáculos y compareciendo finalmente en una entrevista televisiva en la que se da cuenta que la prensa también está corrompida y cuestiona lo que él quiere destapar, que no es otra cosa que la corrupción propia y la ajena, es decir, de todo el partido al que pertenece. Se llega a un final que es un no final, en el sentido que la historia queda totalmente abierta y creo que al director lo que le importa ya lo ha planteado y es el retrato de la corrupción política, un mal endémico al que yo no veo ningún tipo de solución.

Algunas situaciones pueden parecer forzadas, como la huida del político por la ventana de una estación de servicio al ser perseguido por unos secuaces de los peces gordos que buscan un material comprometedor,  o la entrada del protagonista en una fiesta que se da en la casa andorrana de un político en la que está su hija menor y revienta puertas a patadas, buscando ese material, y se enfrenta a los nada recomendables amigos de la chica; pero estas situaciones le sirven a Sorogoyen para dar intensidad a la película, dotarla de un dinamismo más allá de la descripción de una trama de corrupción política y hacer más atractiva la película.

El reino es una notable y necesaria película.

 

 

DEMONS

 

Siguiendo con el cine de terror italiano veo Demons de Lamberto Bava, aunque con presencia importante de Dario Argento que la coescribió con Bava y además la produjo.

El planteamiento está muy bien siendo un caso de metacine (en ese sentido Bigas Luna hizo algo parecido con Angustia unos años más tarde aunque no era cine gore). Vemos una chica en una estación de metro solitaria en una escena típica de suspense y, preparados para el susto inicial, un tipo extraño con media máscara de metal en la cara le da una invitación para ir al cine. Convence a una amiga para ir a ese cine y junto a otros espectadores empieza a ver una película típica de terror italiana de la época. En esa película que ven los espectadores los protagonistas llegan a la tumba de Nostradamus y uno se pone una máscara, sufre un rasguño en la cara y a partir de ahí se convierte en un demonio. En paralelo a lo que sucede en la pantalla, una espectadora tiene un rasguño en la cara y, cuando va al lavabo, se convierte en un demonio que, cuando su amiga va a buscarla extrañada por la tardanza, la ataca produciéndose ya una cadena de ataques en que cada vez hay más demonios y menos espectadores.   

Los supervivientes destrozan la máquina de proyección parando la película a la que atribuyen todos los males y se enfrentan a los demonios. El extraño cine se convierte en una ratonera de la que no pueden escapar al estar las salidas tapiadas y van cayendo los espectadores que, cuando se convierten en demonios, regurgitan un asqueroso líquido viscoso de color azul y con los ojos encendidos en rojo y el rostro desfigurado por llagas se dedican a hacer toda serie de atrocidades entregado Bava a mostrar un gore visualmente impactante.  

Utilizar el cine como espacio claustrofóbico es una buena idea que mantiene la tensión del espectador viendo impotentes a los protagonistas que no pueden huir y alguno lo intenta por los conductos del aire acondicionado lo que me ha recordado a Alien, cuando el monstruo de desplazaba por la nave utilizando conductos parecidos. Se añade la idea que cuatro jóvenes que están en el exterior, con pinta punk y consumiendo cocaína, lleguen a un callejón del cine y, huyendo de la policía, accedan sin problemas al cine dado que una puerta se abre misteriosamente mientras los policías perseguidores quedan fuera ante la puerta que ya no se abre. Una vez dentro, los jóvenes se incorporarán a la nómina de gente poseída.

La parte final , con la huida de los protagonistas por el techo del cine, y la visión apocalíptica que las posesiones demoníacas se han extendido por la ciudad es más previsible y tópica, incluido el efecto final que se da en medio de los títulos de crédito.

Deudora, entre otras,  de películas de Lucio Fulci y Posesión infernal, la película de Bava sí aporta elementos de frescura en su planteamiento y ejecución, convirtiéndose en una película estimulante dentro del género .

OPERACION OGRO

 

Operación Ogro es una película dirigida por Gillo Pontecorvo que trata dos temas: el atentado a Carrero Blanco y la escisión  de ETA en los primeros años de la democracia,  si bien se la asocia más con el primer tema con las imágenes, en pósters y cárteles publicitarios de la película, del último viaje del almirante al cielo.

La película empieza en 1978 con el encuentro entre una pareja de terroristas, y también sentimental con una hija en común, en el que se ve que ETA se ha escindido y unos han abandonado la lucha armada mientras otros la mantienen.  Esta pareja está interpretada por Eusebio Poncela y Angela Molina, siendo el primero quien no renuncia a la lucha armada.

La película salta hacia atrás en el tiempo para situarnos en la década de los 60 donde dos muchachos, futuros terroristas, soportan la represión de la dictadura contra las expresiones nacionalistas vascas. Y, después, ya la acción se sitúa en la época del atentado a Carrero Blanco con una primera votación de la cúpula de ETA en la que se decide secuestrar al almirante para canjearlo después por 150 presos vascos.  Con ese propósito se forma un comando en el que, además de Poncela y Molina, están José Sacristán, Feodor Atkine y Gian Maria Volonté.

Desde el principio, Poncela está más por la labor de asesinar al almirante pensando que el canje no alterará la dinámica de represión franquista y es más útil el asesinato de una figura que podía ser respetada y aglutinar a todas las familias del franquismo. Si bien el resto del comando quiere seguir con el plan inicial, el nombramiento de Carrero como presidente del Gobierno, cosa que conlleva que su escolta sea más numerosa, precipita el cambio de planes y la excavación del túnel para colocar los explosivos cuando pase el vehículo del almirante.

El atentado es culminado con éxito y la acción vuelve a 1978 cuando Poncela, único miembro del comando que pretende seguir la lucha armada, caerá malherido en un enfrentamiento con la guardia civil y Molina y los demás miembros del comando, todos ya exterroristas, se personarán en el hospital en que agoniza.

La película tiene buen pulso narrativo, en ningún momento aburre, si bien no parece aprovechar demasiado a los actores salvo en el caso de Poncela. Su personaje es el más complejo con su rebeldía ante las primeras órdenes del secuestro, su relación con Molina y su perseverancia en la lucha armada. Poncela responde con una buena interpretación. Pero los personajes de Sacristán y Volonté no parecen estar desarrollados en el guion, son bastante planos, no tienen ninguna historia propia que contar y se desaprovecha el talento de dos grandes actores.  Si se hubieran desarrollado tal vez la película se habría enriquecido en uno de los temas que podía ser interesante y sería explicar por qué unos abandonaron la lucha armada y otros la prosiguieron. A lo mejor no era oportuno profundizar mucho en este tema en 1980, año de la filmación.

En un momento dado, uno de los integrantes del comando se plantea que cómo es que nadie se está dando cuenta de los preparativos del atentado en los que se está excavando un túnel en una céntrica calle madrileña y a pocos metros de la embajada americana. Lo que dice el personaje dio lugar a especulaciones  e hizo que sobrevolara la duda acerca de una posible complicidad, aunque fuera por omisión, de los servicios secretos americanos. Leo al respecto que el historiador inglés Charles Powell, que ha tenido acceso a material desclasificado de la CIA, no encuentra argumentos respecto a que los servicios secretos supiesen nada y ello puede ser porque nadie era capaz de concebir la idea que ETA pudiera hacer algo así en Madrid, la percepción era que una idea así era descabellada.  

Pontecorvo, co-autor del guion junto a dos compatriotas, aprovecha la película para introducir alguna escena en que se ve la represión franquista contra las clases trabajadoras y como la policía persigue con saña a unos obreros en huelga que tratan de convencer a otros que se sumen a la huelga y no sean esquiroles.

Operación ogro es una película que está bien, aunque creo que podía haber dado más de sí y aprovechar a Sacristán y Volonté con papeles más trabajados.

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AQUELLA CASA AL LADO DEL CEMENTERIO

 

Aquella casa al lado del cementerio es la típica película de haber visto en VHS y tiene interés ver cómo la ha tratado el tiempo. Y, en este caso,  a mí me parece que el tiempo la ha tratado bastante bien.

Como muchas películas de este tipo, se abre con un prólogo en el que vemos morir, en un lúgubre caserón con aspecto decimonónico,  una pareja en una secuencia en que la mujer grita histéricamente hasta ver el cuerpo del hombre ahorcado y ensangrentado, y luego un cuchillo de grandes dimensiones le atraviesa la cabeza en una escena gore.  

Tras el prólogo, nos enteramos que el ahorcado era el doctor Peterson y un compañero suyo, el Dr. Boyle, tiene la temeraria idea de instalarse en la casa con su mujer e hijo para averiguar qué estudiaba Peterson y le llevó al aparente suicidio.

A partir de allí, creo que Fulci maneja con solvencia la película creando un clima sugerente, tenso e intrigante con una extraña niña a la que solo el hijo de la pareja ve y que le desaconseja que entre en la casa, el ataque de un murciélago al padre en el sótano de la casa o el descubrimiento dentro de la casa de una lápida. La trama va despertando interés y luego se descubre que en la casa había vivido el Dr. Freudstein en el siglo XIX. El apellido no hace presagiar nada bueno y resulta que es una especie de zombi que necesita alimentarse con sangre de los infortunados que aparecen por la casa. En la parte final de la película se desatarán las pesadillas visuales que nos prepara Fulci e irán cayendo varios personajes (todos adultos) en una auténtica orgía de sangre con buenos momentos de puesta en escena como la cabeza de una víctima que ha sido decapitada rodando escaleras abajo en el sótano ante el horror de la familia protagonista. 

No hay que pedir que el guion sea del todo coherente, ni que queden en la historia puntos sin explicar. Lo importante aquí es crear un clima de terror empleando adecuadamente recursos cinematográficos, no aburrir y dar rienda suelta a la visualización de la sangre como espectáculo. Y Lucio Fulci consigue su propósito y realiza una película notable en el género de cine de terror.  

LA MUERTE SILBA UN BLUES

 

La muerte silba un blues pertenece a la primera etapa de las películas de Jesús Franco. De esta etapa, me gustan sus aproximaciones al terror con las primeras películas del Dr. Orloff: Gritos en la oscuridad, El secreto del Dr. Orloff y Miss Muerte; pero en cambio esta película me ha aburrido bastante, y si no me ha aburrido más es porque no llega a ochenta minutos. Creo que el mejor talento de Franco lo puso al servicio del cine de terror y aquí estamos ante una especie de mezcla entre cine negro (por la trama criminal ) y de aventuras ( por pasar la accion en la exótica Jamaica).

La película se abre con dos personas (Castro y Smith) que viajan en camión y llevan, sin saberlo, una partida de armas que les ha puesto un tal Vogel, el cual ha dado un chivatazo. La polícia acaba con Castro y Smith es encarcelado. Diez años después, Vogel ha cambiado su identidad y vive en Jamaica con la mujer de Castro. Empezará a ser acosado por  alguien que se identifica como Castro y  mandara a sus secuaces a liquidarlo hasta el enfrentamiento final y resolución de quién es el misterioso Castro.  

Se nota que Franco disfruta rodando las escenas que transcurren en los clubs de jazz e incluso se sube al escenario para tocar. Y esas escenas tienen una buena puesta en escena. Pero el conjunto de la película es bastante plomizo y se nota una insuficiencia de medios en querer hacer pasar por Jamaica algún lugar de la costa española. 

Aún no estabámos en la época de las películas gamberras de  Franco, y yo creo que se tomó bastante en serio esta película, pero el resultado es basntante insuficiente.