LA CAJA DE PANDORA

 

La restauración de La caja de Pandora (1929) fue laboriosa y se hizo a partir de negativos que hallaron en tres filmotecas europeas, digitalizando la copia que ahora se puede ver. Dirigida por G.W.Pabst y con guion de Ladislao Vajda, padre del director homónimo que luego rodó en la década de los cincuenta en España, es una de las últimas películas de la edad de oro del cine alemán y dio al mundo del cine una de sus imágenes más icónicas con Louise Brooks y su particular corte de pelo que luego imitó Liza Minnelli en Cabaret.

Brooks es Lulu, una joven atractiva y sexualmente desinhibida que encandila a todos los hombres con los que se cruza a los que atrae con una fuerza magnética. Un editor de periódicos, el Dr. Schön, contrae matrimonio con ella pero, luego, en una escena de celos y con una pistola por en medio muere accidentalmente. Lulu es sometida a juicio, pero un antiguo amante provoca un incendio en la sala de vistas, se forma un barullo y puede huir de allí, junto a este protector y Alwa, el hijo de Schön, que también ha caído arrastrado por sus encantos. 

La acción pasa un tugurio situado en Francia, en el que el personaje de Lulu empieza a perder esa aura dominante sobre los hombres que tiene en la primera parte de la película. Allí, un siniestro marqués, traficante de mujeres, amenaza con convertirla en esclava. Logra huir de Francia y llega, con Alwa, a Londres, ciudad en la que tiene lugar la última parte de la película. Lulu se prostituye mientras Alwa lleva una vida apática y, buscando clientes, se encuentra con un asesino en serie que, sin citarlo, hace pensar en Jack el Destripador. En principio él tira el cuchillo y, además, no lleva dinero, pero ella le invita igualmente a su casa porque dice que le gusta y su irrefrenable manera de entender la sexualidad la arrastrará a su destino fatal mientras Alwa se une al Ejército de Salvación.

Parece que Louise Brooks, en la vida real, tenía una manera de comportarse muy parecida a la de su personaje, viviendo con mucha libertad su sexualidad desde que era adolescente y con relaciones tanto con hombres como con mujeres.  Aquí también hay una subtrama lésbica, aprovechando la libertad con la que podía rodar Pabst en Alemania, y es una condesa vestida de esmoquin con la que la joven Lulu tiene una relación. Es una subtrama muy avanzada para la época y uno de los muchos motivos por los que la película tuvo problemas con la censura.

La película narra perfectamente esa sexualidad destructiva para los demás y autodestructiva para Lulú. Esa caja de Pandora se abre con la actitud de Lulu y un torbellino de emociones e impulsos sexuales en forma de atracción psicológica la arrastra a ella, Schön y su hijo de manera irremediable. Censurada en varios países, tuvo diversos montajes y, en Estados Unidos y Reino Unido, acababa siendo Lulú quien se unía al Ejército de Salvación.

A mí me ha parecido que empieza con mucha fuerza la película, en la presentación de Lulu y su relación con Schön, con una intensa escena cuando él, fuera de sí, saca el arma de fuego y provoca el accidente, además de una parte rodada en un teatro cuando ella quiere ser bailarina que está muy bien representando ese ambiente de farándula. Luego se me ha hecho un poco larga mientras los personajes van huyendo por Europa y la película tiene un bache narrativo, cansa un poco hasta que remonta en el final londinense con Jack el Destripador y las dos últimas escenas, su trágico destino y Alwa incorporándose al Ejército de Salvación, que me han parecido muy bien rodadas, con la impronta del expresionismo alemán. 

CARNE DE HORCA

 

Carne de horca (1953) es una curiosa coproducción hispano-italiana dirigida por el todoterreno Ladislao Vajda e interpretada en los papeles principales por Rossano Brazzi y Emma Penella, con papeles secundarios para, entre otros, José Nieto y José Isbert.

Es una película que podría ser perfectamente, por temática y ambientación, un western. La acción transcurre en la Sierra de Ronda, en la que un famoso bandolero, El Lucero, domina el territorio y asalta diligencias con la ayuda de un prohombre de la ciudad de Ronda. Juan Pablo (Rossano Brazzi) es el hijo de un hacendado que tiene una deuda de juego y simula, con unos compinches, que su padre ha sido secuestrado y el Lucero exige un rescate con el ánimo de tener fondos para pagar esa deuda. Pero, en realidad, el padre sí que es secuestrado por el verdadero Lucero por lo que Juan Pablo queda en situación comprometida al dar veracidad a su invento y, además, con final trágico pues el padre ha sido asesinado. Por ello, se une a la banda del Lucero manteniendo oculta su identidad para poderla desactivar y probar su inocencia. La cosa se complica cuando descubra que ese contacto que tiene el Lucero en la ciudad de Ronda es el padre de su novia (Emma Penella). El Lucero es un bandido despiadado que ha implantado un régimen de terror en la zona, un anti Curro Jiménez, así que, después de huir de una batalla con el ejército, serán los habitantes de un pequeño pueblo quienes, viéndole en estado de vulnerabilidad en su huida, acaben con él.

Muchísimos caballos en los que cabalgan los protagonistas, el agreste paisaje de la serranía de Ronda, tabernas que parecen saloons, un uso continuado de las armas de fuego y una banda de forajidos en los que se cuela un infiltrado son elementos que hemos podido ver en muchos westerns. La película tiene buen ritmo, es entretenida y está rodada con oficio y agilidad, confirmando que Vajda era un cineasta interesante.

 

UN ESPÍRITU BURLÓN

 

Un espíritu burlón (1945) es una divertida y elegante comedia, dirigida por David Lean, con Noel Coward trabajando en el guion y Ronald Neame como director de fotografía de un technicolor muy saturado, incluso comparado con otros filmes de la época.

La película parte de un buen guion en el que un novelista llamado Charles Condomine quiere aprender sobre ciencias ocultas e invita a una estrafalaria médium para hacer una sesión de ouija junto con su mujer Ruth, el médico de la localidad y su esposa.  Mientras se realiza la sesión, queda liberada Elvira, su esposa fallecida siete años atrás y que solo puede ser vista y oída por Charles. La comedia prosigue cuando el fantasma de Elvira intenta desestabilizar el matrimonio de Charles y, no contenta con eso, sabotea el coche para matarlo pero, al conducir Ruth, es la mujer actual quien fallece.

Las dos mujeres se pelean en el más allá mientras Charles intenta contactar de nuevo con la médium para exorcizar ambos espíritus y, aunque parece que lo ha conseguido, cuando conduce su automóvil tiene lugar la intervención de las mujeres y que los tres espíritus acaben juntos en la ultratumba.

Uno de los activos es contar con excelentes intérpretes, Rex Harrison como el novelista, Constance Cummings y Kay Hammond como sus esposas y Margaret Rutherford como la médium. Un buen guion, unos diálogos con chispa y la realización elegante de Lean configuran una película que se ve de forma muy agradable pues tiene buen ritmo narrativo, conteniendo además una cierta crítica a la acomodada clase social de los protagonistas del filme.  Aunque Lean no hizo casi ninguna comedia y se movió mejor en otros registros, aquí consiguió una película que vale la pena revisar. 

LOS DIENTES DEL DIABLO

 

Veo una copia de Los dientes del diablo (1960) en la Filmoteca en un estado no muy bueno, aunque compensa ver en pantalla grande una película rodada en Technirama.

Dirigida por Nicholas Ray, cuenta la historia de Inuk, un inuit que trata de adaptarse a las duras condiciones climáticas de la zona y a las sociales, en un mundo en el que escasean las mujeres, sacrificadas las recién nacidas por las parejas si antes no han tenido un varón como descendencia. A pesar de que el primer amigo que le acoge en su iglú le ofrece tener trato carnal con su mujer como muestra de hospitalidad, Inuk quiere una mujer propia y formar una familia. En la primera parte de la película, se explica como Inuk pasa a tener esa familia, en un tono prácticamente de comedia. Luego viene el choque de civilizaciones cuando, a través de otro inuit, conoce el poder de las armas de fuego en un momento de inflexión de la película, con la violenta sacudida del disparo que da muerte a un oso polar. Ansioso por tener un arma de fuego, cazará pieles de zorro para desplazarse a una pequeña población donde ha llegado el hombre blanco y cambiarlas por un rifle. Estando en contacto con el hombre blanco, matará accidentalmente a un misionero al entender que rechaza su hospitalidad cuando le ofrece a su mujer. Ese suceso abrirá la última parte del filme en el que dos hombres se adentran en el territorio de los inuit para prenderlo y llevarlo ante la justicia. Pero uno de ellos morirá en medio de una tormenta y salvará la vida al otro que, finalmente, renunciará a su propósito de entregar a Inuk a la justicia.

Fue una coproducción italo-franco-británica, rodada en los estudios Pinewood y con una segunda unidad que se desplazó al Canadá. La película tiene un tono semidocumental en muchos momentos, destacando la filmación en parajes naturales con la fauna característica de esas zonas: focas, osos polares y zorros árticos. 

Protagonizada por Anthony Quinn, hace una buena interpretación metiéndose en la piel del inuit Inuk, un hombre que tiene la inocencia del buen salvaje y que descubre la civilización, un lugar turbio que no entiende, con comerciantes de pocos escrúpulos y dados a beber alcohol en grandes cantidades. Dos años antes de Lawrence de Arabia, Peter O’Toole (que renegó de su participación al haber sido doblado) interpreta a uno de los dos hombres que quieren llevar ante la justicia a Inuk y es, precisamente, el que queda vivo, es salvado por Inuk y convive un corto tiempo con su mujer e hijo. La película está muy bien y, al aparecer O’Toole, sube de intensidad para llegar a un gran, y pesimista, final. Son civilizaciones que no pueden convivir en paz, los hombres blancos no son capaces de entender el modo de vida de los inuit, por motivos tanto morales y espirituales (el misionero que muere accidentalmente es un tonto) como por querer explotar la naturaleza con avidez. Tampoco Inuk entiende a los hombres blancos y O’Toole fingirá rechazar la hospitalidad de Inuk, para provocar su marcha y él volverá al pueblo diciendo que tanto Inuk como su compañero han perecido. El plano sonriente de O'Toole viendo marchar a Inuk y su familia es feliz y, a la vez, amargo, el buen salvaje vuelve a su hábitat a vivir en paz con su familia, pero si se quedara con O’Toole sería condenado por asesinato, aunque se trató de un accidente. No cabe el respeto y la tolerancia en el mundo del que procede O’Toole.

Ray tenía en alta estima esta película, rodada con mucha más libertad que aquella de la que gozaba en Hollywood. Como curiosidad de esa libertad, la compañera de Inuk muestra los pechos y eso era impensable en una producción de Hollywood de 1960. Asfixiado por los estudios de Hollywood, y luego por Samuel Bronston en España, Ray consiguió aquí estar cómodo para filmar un clásico sobre el diálogo entre civilizaciones o, mejor dicho, sobre la imposibilidad de establecer ese diálogo.

LOS LUNES AL SOL

 

 En 2002, Fernando León de Aranoa filmó Los lunes al sol, retrato de un grupo de trabajadores de unos astilleros que se han quedado en el paro tras haber cerrado las instalaciones por la intervención del Estado. Rodada en Vigo, no es tanto una película sobre como una gente que ha caído en el paro sino como un determinado tipo de trabajadores, empleados hasta entonces en unos astilleros, que quedan desplazados dentro del mundo laboral con escasas posibilidades de volver a tener trabajo. De hecho, en el año 2002 teníamos la España de Aznar, aquella de la frase España va bien que dijo el catalanoparlante en la intimidad. Los índices de paro estaban en un momento bastante bajo, cerca de tocar suelo con el boom inmobiliario hasta remontar cuando estalló la burbuja y, después, dispararse a partir de 2008. Por ello, este grupo de trabajadores de la película representan más un mundo laboral que ya no es posible que, estrictamente, una gente que no tiene empleo.

Hay un grupo heterogéneo dentro de los protagonistas. Santa (Javier Bardem) es un hombre solitario, cínico y broncas aunque tenga oculta una parte sensible ;José (Luis Tosar) es un hombre dependiente económica y emocionalmente de su mujer, una empleada en una factoría de pescado, con la que comparte una vida de estrecheces económicas; Lino (José Ángel Egido) es padre de familia y trata, de manera patética, de encontrar trabajo tiñéndose las canas para parecer más joven e improvisando parcos conocimientos informáticos que le explica su hijo; Rico (Joaquín Climent) es el trabajador que aprovechó la indemnización y va tirando al haber montado un bar donde pasa gran parte de la acción al ser el lugar donde se reúne el variopinto grupo; Amador (Celso Bugallo) es el que tiene una situación más dramática, abandonado por su mujer y totalmente alcohólico, convive con el síndrome de Diógenes y muere como un perro; y Serguei ( Serge Riaboukine) es un inmigrante ruso que malvive por Vigo y que comenta con humor que todo los que les decían sobre el comunismo en la URSS era mentira pero que, una vez llegado al mundo occidental, ha comprobado que lo que les decían sobre el capitalismo era verdad.

León de Aranoa filma con solvencia un guion interesante apoyado por un excelente plantel de actores, tanto los más conocidos Bardem y Tosar, como el resto del reparto. Es una buena película que gana interés al poderla tomar como referente de la descripción de una clase obrera que ya no existe, aquella que fue derrotada en la desindustrialización del país a partir de mediados de los años ochenta y en los quince o veinte años posteriores. Realizar esta descripción junto al drama humano de los protagonistas, encontrando un espacio propio para que todos ellos tengan una historia intensa y con personalidad, es un acierto de León de Aranoa. 

HANNAH Y SUS HERMANAS

 

 Hannah y sus hermanas (1986) me ha parecido, después de casi cuarenta años sin haberla visto, una película notable de Woody Allen. En gran parte, es la misma película que hizo antes y haría después, retratando una serie de personas de mediana edad con problemas sentimentales, relaciones de ida y vuelta además de, en el caso del personaje de Allen, dudas existenciales. Pero es notable porque consigue aunar muchos aciertos en la película.

La parte de comedia es la que le corresponde sobre todo al personaje de Allen. Su hipocondría da lugar a situaciones divertidas y también sus dudas acerca de cómo enfrentarse a la muerte y a la posible existencia de Dios, cosa que provoca un intento frustrado de conversión al catolicismo y una conversación en Central Park con los Hare Krishna que no le sirve de mucho.

La parte más seria de la película, aunque siempre en un tono de comedia ligera, cuenta con un puñado de grandes actores: Mia Farrow como Hannah, siendo sus hermanas Dianne Wiest y Barbara Hershey; mientras que en el reparto masculino está Michael Caine como marido de Farrow, Max Von Sydow como novio de Hershey y el propio Allen como primer marido de Farrow.

Con estos actores se consiguen grandes escenas, siendo especialmente remarcable el personaje de Hershey y las escenas que tiene tanto con su cuñado Caine con el que inicia una furtiva y apasionada relación, como con su novio Von Sydow con el que, dada la diferencia de edad y perfil intelectual de él siendo pintor, tiene una relación más bien de maestro y discípula.

Un Allen que estaba en buena forma. 

BOOGIE NIGHTS

 

Dirigida en 1997 por Paul Thomas Anderson, Boogie nights es una película vistosa, muy entretenida, que cuenta el ascenso y caída de un joven llamado Eddie Adams (Mark Wahlberg)  en el mundo de la industria del cine porno. La acción se inicia en el valle de San Fernando durante el año 1977 y se alarga hasta mediados de los ochenta más o menos, en el momento en que ese tipo de industria pierde pujanza al generalizarse el uso del video doméstico. Junto a Adams, el otro protagonista es el director Jack Horner (Burt Reynolds), un hombre simpático, con pretensiones artísticas dentro del ramo de la industria en la que se encuentra, aunque también tenga un lado irascible y que vive con Amber Waves (Julianne More) novia y actriz en sus películas.  

A través de música setentera, vestuario también de la época y largos planos secuencia en los que se muestran las fiestas que da Horner en su espaciosa casa, vemos como un Adams prácticamente adolescente es captado, gracias a sus atributos físicos, para la industria del cine porno, en la que se llega a hacer muy popular con un nombre artístico (Dirk Digger) para luego pelearse con su mentor y caer en la miseria, llegar a prostituirse y reconciliarse con Horner. Hay una parte festiva de ese mundo en esos encuentros con mucha música, alcohol y sexo pero, más tarde, un par de escenas muy violentas dan un tono más tenebroso al filme. Una es la escena de cuando Adams llega a hacer de chapero y es apaleado por unos desaprensivos especialistas en hacer caer en la trampa a jóvenes que se dedican a esos menesteres, mientras la otra es la enfurecida reacción de Horner respecto a un sujeto al que habían invitado a filmar para que tuviera sexo con una actriz dentro de una limusina. Y es que la segunda parte de la película, que incluye el suicidio de un personaje secundario víctima de la presión en que vive, junto a estas escenas violentas y una regresión de la industria el porno, resulta más sombría que la primera parte con el esplendor de las fiestas. Dentro de la lógica de un filme sobre auge y caída, el final es un poco tibio, poco clarificador del punto en que se encuentran los personajes.

La realización de Anderson es muy buena y se nota que es un director con mucho talento. El problema que tiene la película es el limitado interés de lo que cuenta y que, pese a que el envoltorio que prepara Anderson es muy llamativo y estimulante, los personajes carecen de una dimensión lo bastante interesante para pensar que estemos ante una gran película. 

EL ÚLTIMO TREN DE GUN HILL

 

El último tren de Gun Hill (1959) es el mejor western de John Sturges. Tiene un guion más sencillo que Duelo de titanes o Los siete magníficos, pero también más sólido, menos disperso que los otros dos westerns que, en cambio, son mucho más populares. Aquí tenemos un duelo interpretativo de gran altura entre unos magníficos Kirk Douglas, interpretando al sheriff Matt Morgan, y Anthony Queen como el terrateniente Craig Belden. Con unos diálogos de frases lapidarias, amenazantes y propias de tíos muy duros, el buen hacer de Sturges, junto a una gran banda sonora de Dimitri Tiomkin, da lugar a uno los mejores westerns de la historia.

Morgan compone a un héroe del western que antepone la legalidad a satisfacer por sus medios la venganza contra el hijo de Belder, que asesinó a su esposa cherokee junto a un amigo. Morgan, diestro con las armas, podría presentarse en Gun Hill y asesinar a los desalmados que la violaron y mataron volviendo a su lugar de origen. Pero lleva una orden de detención y su prioridad es seguir los procedimientos legales con el convencimiento, eso sí, que serán ahorcados tras un juicio. Se insinúa en un momento de la película que, cuando cabalgó con Belder y se hicieron grandes amigos, estaban en el otro lado de la ley pero, convertido en sheriff de la pequeña ciudad de Pawley, quiere proceder legalmente como se requiere en un caso de asesinato.

Frente a Morgan, Belder representa la negación del ordenamiento legal, así como la fuerza bruta como medio de organizar una sociedad. Siendo un rico terrateniente con un gran rancho, muchas cabezas de ganado y hombres trabajando para él, es propietario además del hotel, bar y otros establecimientos de Gun Hill. El sheriff de Gun Hill es un hombre que le guarda absoluta fidelidad, desoyendo los requerimientos de auxilio de Morgan, y todo el mundo le teme pues sus enemigos han ido a parar todos al cementerio. No dudará en poner todos los medios a su alcance, por supuesto extralegales, para que  la orden de detención no surta efecto y su malcriado hijo no sea apresado.

En este choque entre la ley y la fuerza bruta, se producirá una gran tensión cuando Morgan aprese al hijo de Belden y lo tenga en una habitación del hotel hasta la hora en que ha de pasar el tren para retornar a Pawley. Como en Solo ante el peligro o El tren de las 3:10, hay una tensa espera y desgaste psicológico que propicia sentimientos encontrados en Morgan, dudando en matar a sangre fría al hijo de Belden; lleva a Belden a tender una trampa a Morgan, que no le sale bien, pero deja libre el camino hacia el duelo final pues el segundo ha saldado una deuda ya que Belden le salvó la vida cuando trabajaban juntos; y hace que el personaje de Carolyn Jones, chica de saloon y novia de Belden, ayude a Morgan llevándole una escopeta al conocer los detalles de la violación y asesinato.

Con el duelo final, Belder es un hombre que ya no le queda nada en la vida tras perder a su hijo. Vencido por su antiguo amigo, del que se despide amablemente mientras agoniza recomendándole que no malcríe a su hijo como él hizo con el suyo, cabe pensar que el caciquismo puede darse por acabado en Gun Hill mientras Morgan regresa a su ciudad.

Gran western

LOS GUIONES NO FILMADOS

 

Editan Los guiones no filmados, proyectos de películas que Pier Paolo Pasolini tenía muy avanzados y que, por diversas circunstancias y la más importante haber sido asesinado en noviembre de 1975, no pudo llevar a cabo.

El Padre salvaje es un guion de una película que iba a reflejar el neocolonialismo en el continente africano. Diría que hubiera sido una temática inédita en su filmografía. La historia trata sobre un profesor que empieza a dar clase a unos alumnos africanos de un país que, recientemente, ha obtenido su independencia. El profesor desarrolla su labor con métodos mas revolucionarios que los utilizados hasta entonces y capta en un muchacho, Davidson, una especial inteligencia y sensibilidad. Tras el primer año académico, el verano trae una serie de turbulencias políticas que causan una guerra civil con la ONU también involucrada en el conflicto. Al finalizar el segundo año de clases, en un bonito final, el profesor pide un trabajo a los alumnos y Davidson entrega un poema.

Los conflictos que plantea Pasolini son, por un lado, el choque entre la mentalidad occidental y la africana que, en principio, crea desencuentros, pero también los alumnos tienen ansías de saber cosas del mundo occidental. Por otro lado, el conflicto que provoca el neocolonialismo da origen a un conflicto muy cruel, varios cascos azules resultan muertos y son mutilados, mientras mercenarios de uno u otro bando propagan el terror en las aldeas. Todos estos acontecimientos extraordinariamente violentos han tenido particular incidencia en Davidson que ha sido partícipe de los mismos.

Pero el final del guion es optimista, frente a la barbarie, surge la poesía.  

San Pablo es un guion que llevaba al cine la vida del santo, pero lo hace en un tiempo contemporáneo, aunque se nutre de los textos de Pablo que conforman una parte importante del Nuevo Testamento: Epístolas a los Corintios, a los filipenses, colosenses, etc.

Pasolini proyectó un filme muy inviable desde el punto de vista presupuestario. Su intención era trasladar la acción de Pablo al siglo XX y convertir a la París ocupada por los nazis como la antigua Jerusalén. Pablo se dedica a reprimir a miembros de la Resistencia hasta que, dirigiéndose a Barcelona en vez de Damasco, se le aparece Dios y cambia su visión del mundo. Sustituye otras ciudades por donde viajó Pablo de Tarso por Nápoles, Roma o Nueva York con lo que, dado que quería rodar en escenarios naturales y, por ejemplo, en el puerto de la ciudad de los rascacielos, parece un proyecto inasumible.

Con las palabras escritas hace 2.000 años, San Pablo lucha en este guion contra los gobernantes fascistas de la París ocupada, pero también luego contra el neocapitalismo que se muestra especialmente en su desplazamiento al Nuevo Mundo, en el que se mezclan negros, hippies, estudiantes que protagonizan algaradas y la intervención policial.

Como otras veces en Pasolini, utiliza un personaje religioso para proyectar su discurso hacia el presente, hacia esas sociedades occidentales que percibía como arrastradas a un sutil neofascismo orientado a un autoritarismo combinado con un culto al consumo. Pero en una nota texto de 1974 del propio autor anexo al guion, Mi largo viaje, Pasolini afirma que su película es una película contra la Iglesia. Y que, por un lado, como fundador de la Iglesia, San Pablo es fuerte, vital, seguro de sí mismo y fanático; pero, por otro lado, es una criatura, enferma, débil y atormentada por el problema de Dios.

Porno-Theo-Colossal era un guion preparado para hacer una película que contara como protagonista a Eduardo Da Filipo. El texto comienza en Nápoles, con el nacimiento de un mesías y Eduardo que, junto a su criado Ninetto van siguiendo una estrella que los lleva a Sodoma (Roma), Gomorra (Milán), Numancia (París) y Ur.

Sodoma es una ciudad en la que lo normal es tener relaciones homosexuales, solo una vez al año se permiten relaciones heteros para asegurar la especie. Y quien quebranta ese principio es represaliado. En Gomorra pasa justo lo contrario, lo normal son las relaciones heterosexuales y se persigue a los disidentes siendo objeto de represión.

Siguiendo el viaje, cuando llegan a Numancia, el guion cambia a un tono político. Numancia es una isla de un régimen democrático asediado por fuerzas fascistas y en que sus habitantes se acaban suicidando antes que entregar su vida a un régimen totalitario.

Y en Ur hay una elevación de los protagonistas, los personajes mueren pero sus almas se separan del cuerpo, ascienden y ven la Tierra, una bola colorada en que se oye a lo lejos mucho barullo, canciones estúpidas y cantos revolucionarios. Y unas últimas palabras poco optimistas: No existe el fin. Esperemos. Algo ocurrirá.  

Lo que queda claro en todos los guiones es la fértil imaginación de Pasolini y, visualizando los guiones, esa imaginación lleva a proyectos que era muy difícil materializar tal como los concebía pues hubieran sido superproducciones. Y el cine de Pasolini tampoco fue nunca supertaquillero. Por otro lado, a través de simbolismos, especialmente de carácter religioso, vemos las preocupaciones de Pasolini y sus temores acerca de la sociedad en la que vivió, cuando alcanza su madurez como artista e intelectual en los años del desarrollismo europeo tras la II Guerra Mundial. 

ANATOMIA D'UN SUÏCIDI

 

Veo el preestreno en el TNC de Anatomia d’un suicidi, una obra de Alice Birch que enlaza la historia de tres mujeres, abuela, madre y nieta en los años 1973, 1998 y 2028, cuando tienen la misma edad y se suicidan.

El montaje es original ya que el escenario queda fraccionado en tres partes y cada una de las mujeres tiene su historia, simultaneándose las mismas al punto que, a veces, los diálogos de uno de los miniescenarios replican a los del otro.

Las protagonistas son Carol (Marta Ossó ), Anna María Ribera) y Bonnie (Patricia Bargalló), pero siete actores más se reparten muchos más papeles para ir desarrollando la función.  

Es una obra dura, que plantea el tema de la salud mental, la drogodependencia, las relaciones sociales y de pareja, así como el vínculo genético que puede haber entre tres generaciones marcadas por un mismo trágico destino.

Es una obra densa y me ha parecido un buen montaje. 

POBRES , PERO GUAPOS

 

Dino Risi filmó en 1957 Pobres, pero guapos, una divertida comedia con un terceto protagonista en el que destaca la presencia de Renato Salvatore. La protagonista femenina del filme, Marisa Allasaio, se retiró a finales de los cincuenta del cine al casarse con un aristócrata y el otro protagonista masculino, Maurizio Arena, tuvo una carrera menos interesante que Salvatore.

Salvatore y Arena son unos vecinos de la romana Piazza Navona, típicos chicos jóvenes que son amigos, aunque rivalizan a veces, u otras cooperan, en ligar con chicas desarrollando el típico machismo del sur del Mediterráneo. Ambos se fijan en la guapísima hija de un sastre que practicará un doble juego con ellos, concediendo besos y condición de novio a uno u otro según el momento y circunstancias, mientras las hermanas respectivas de los chicos, de unos quince años, están enamoradas de ellos sin que los personajes de Salvatore y Arena hayan reparado, hasta el final de la película, en ello por verlas aún como niñas.

Los equívocos que provoca la protagonista con su doble juego, alentando la rivalidad entre los muchachos, hacen que la película sea una comedia bastante divertida. También otros elementos contribuyen a ello, como el conductor de tranvía que, en un ambiente de miseria, comparte como realquilado la cama del personaje de Salvatore al tener un horario laboral en horario nocturno que permite ese doble uso; o también son divertidas las escenas del tío del personaje de Arena, un propietario de una tienda de tocadiscos siempre dispuesto a un encuentro sexual furtivo con alguna clienta.

Después de tontear con los dos toda la película, al final la chica regresa con el novio que había tenido antes. A pesar de que habían roto, y que en un primer momento él le da una bofetada, hacen las paces y la chica está enamorada. El final, por tanto, parece no ser tan amable para una comedia. De alguna manera, se asume de manera crítica por parte de Risi el machismo que imperaba en el país transalpino, al igual que aquí, en los años 50 y, vistos como actúan los personajes de los chicos, también parece que pasará lo mismo en los matrimonios que tengan lugar y que convertirán a los amigos en cuñados.

Aunque Risi luego rodaría películas mejores, buena comedia. 

UNA QUINTA PORTUGUESA

 

Una quinta portuguesa es una película estrenada recientemente, dirigida por Avelina Prat e interpretada por Manolo Solo, Maria de Medeiros y Branka Katic. Se trata, a través de un guion bien planteado, de dos personajes desorientados que deben suplantar las personalidades de otros que han fallecido para encontrar su lugar en el mundo, junto a otro personaje que arrastra la tragedia del retorno desde la colonizada Angola tras la independencia del país africano.

Fernando es un profesor de geografía que un día vuelve a casa y su mujer ha desaparecido. Denunciada la desaparición, las pesquisas de la policía hacen que le comuniquen que su desaparición es voluntaria y la mujer ha regresado a Serbia, su país natal. Totalmente desorientado y siendo paradójicamente un cartógrafo, se toma unas vacaciones en Portugal y conoce a un español, llamado Manuel, que tiene una oferta para trabajar de jardinero en una finca rural del país luso. Súbitamente, Manuel tiene un ataque y muere. Fernando decide suplantarlo y presentarse en esa quinta portuguesa para trabajar como jardinero. La propietaria de la finca, Amalia, enseguida se da cuenta que Manuel no es, en realidad, un jardinero, pero le deja hacer siendo totalmente comprensiva y empática con su misteriosa figura. Amalia es una mujer ya madura que volvió de Angola en los años setenta cuando era niña, mientras sus padres morían en el país africano y experimentó en propia piel el rechazo que la sociedad portuguesa tuvo respecto a aquellos compatriotas que habían colonizado esa y otras colonias portuguesas.

La quinta es un lugar tranquilo, relajado, en el que el tiempo parece detenerse. Resulta ideal para aislarse de un incómodo pasado, tanto de un Fernando que no encontró explicación a la desaparición de su mujer, como de una Amalia que vivió experiencias turbulentas y pérdidas familiares cercanas y traumáticas.

Han pasado unos años y Fernando se ha adaptado totalmente a esa nueva vida en que se llama Manuel, ha aprendido portugués, aunque siga hablando en castellano con Amalia y le propone una ampliación de la finca para plantar almendros. Para conseguir capital le dice que no le importaría vender el piso que tiene en España. Aquí la película da un giro y es cuando descubre que la casa vuelve a tener los suministros de agua y luz de alta a nombre de su mujer serbia. Se traslada a Barcelona y observa que, efectivamente, en su casa vive una mujer de origen serbio que no es su esposa. Se aproximará a ella, iniciará una amistad para descubrir, como en un espejo, que esa mujer ha suplantado a quien fuera su esposa ya que, siendo enfermera, la atendió en su lenta agonía en un hospital de Belgrado y cogió su documentación y efectos personales para probar suerte en España.

Los personajes suplantadores, igual que los suplantados, son gente que vive en gran soledad, justamente por eso es tan fácil que nadie pregunte y puedan asumir una identidad diferente a la suya. En cambio, Amalia ha sufrido la experiencia de la vuelta a Angola de forma traumática. Tanto para Amalia como Fernando/Manuel, la quinta es una isla, un lugar apartado en el que buscar una felicidad asumida en una vida sencilla y apartada.

El guion es inteligente y son muy buenas las interpretaciones, tanto la de Manolo Solo que ya hacía una gran labor en Cerrar los ojos, como la actriz lusa Maria de Medeiros y la serbia Branka Katic.

Una película tranquila y sosegada, incluso en sus momentos de thriller, como la vida que persiguen sus protagonistas exorcizando los fantasmas de su pasado.  

BARÇA 4- REAL MADRID 3

 

 El Barça liquidó la Liga en un partido competido y lleno de alternativas. Una vez más, y ya son muchas por lo que debiera ser motivo de reflexión, el Barça entró mal al partido y el R.Madrid se puso con dos goles de ventaja. Szczensny calculó mal en una salida, y van unas cuantas, derribando a Mbape que marcó la pena máxima. El segundo vino en una demostración de que el equipo blanco había estudiado mejor como romper la defensa en línea y no caer tantas veces en fuera de juego, Mbape quedó solo ante el portero polaco y lo fusiló.

Dos factores propiciaron una remontada espectacular para acabar 4-2 la primera mitad. La presión barcelonista ahogó al Madrid que, además, tuvo en contra una defensa de mantequilla debido, en gran parte, a las bajas por lesión. Eric a la salida de un córner, Yamal en una rosca al segundo palo marca de la casa y dos goles de Raphinha dieron la vuelta al marcador. También hay que destacar que Ferran participó en tres de los cuatro goles.

En la segunda parte, el Barça no remató el partido con una ventaja más amplia porque le pasó factura el despliegue físico exhibido en la primera parte y Flick volvió a tardar en efectuar los cambios, retrasando demasiado el habitual cambio de Fermín por un desdibujado Olmo. El Madrid echó el resto, consiguió en otra transición rompiendo el fuera de juego el 4-3 y el partido se convirtió en  una ruleta rusa con el Madrid arriesgando mucho, así que tanto pudo llegar el 5-3 como el 4-4. Una discutible mano pitada a Fermín frustró un gol espectacular del jugador onubense ya en tiempo de descuento, pero demostró que merece muchos más minutos en este equipo.

Falta ahora saber si el Barça será campeón el jueves en Cornellà, o el día antes si el Madrid no gana al Mallorca, o incluso más tarde, pero la Liga ha acabado hoy. La temporada acaba con un notable alto, muy alto, rozando el sobresaliente. Hay que mantener el esquema del equipo y muchos automatismos, aunque hay margen de mejora, tanto en la gestión de los cambios en el partido como que el equipo, con mucha gente joven, gane madurez. Las cosas van por buen camino, pero hay un elemento capaz de desestabilizar esta dinámica y se llama Joan Laporta. 

EL SECRETO DE SUS OJOS

 

El secreto de sus ojos (2009) es un thriller dirigido por Juan José Campanella que está muy bien planteado y mantiene un interés durante toda su duración, que se extiende por un poco más de dos horas.

La acción empieza en 1999 cuando un agente judicial recién jubilado, Benjamín Espósito (Ricardo Darín), decide escribir una novela acerca de un caso que conoció profesionalmente y cuyo origen se remonta a 1974. Entonces se abren varios flashbacks, intercalados con algunos momentos más breves en que se vuelve al tiempo actual de la película, explicando la trama que empieza por la salvaje violación y asesinato de una chica joven, dejando a su marido, un hombre llamado Morales, como viudo. 

La película es, en gran parte, una cruzada de Espósito para desentrañar al culpable del crimen, apoyado por un compañero llamado Sandoval y la jefa del juzgado llamada Irene, incluso persistiendo a pesar de que hay un momento en que el caso se llega a cerrar por no avanzar la investigación. En principio, un oficial corrupto del Juzgado llamado Romano trata de hacer partícipes del delito a un inmigrante boliviano y un nacional argentino, pero es desenmascarado por Espósito. Tras unas complejas investigaciones, Espósito y Sandoval llegan a identificar al culpable, Isidoro Gómez, al cual llegan a seguir hasta a una cancha de futbol donde se celebra un partido del Racing Club de Avellaneda. Puesto a disposición de la justicia, tras un interrogatorio trampa, Gómez reconoce el delito, pero Romano logra que liberen al asesino y lo contraten como sicario de la facción de derecha del Partido Justicialista. Romano no cesa de acosar a Espósito y Sandoval, matando al segundo enviando a unos sicarios que lo matan tras aseverar Sandoval, con ánimo de protegerlo, que él es Espósito. Posteriormente, Espósito debe exiliarse lejos de Buenos Aires.

Tras regresar a Buenos Aires en 1999, jubilado y pensando en escribir la novela, Espósito visita a Morales, quien quedó viudo tras el asesinato de la chica, que vive en las afueras de la ciudad en un lugar bastante apartado de cualquier núcleo urbano. Allí, primero Morales le miente pero, posteriormente, descubre como se ha tomado la justicia por su mano y ha recluido en una cárcel clandestina al asesino durante largos años, convirtiendo su situación en una cadena perpetua. Espósito, tras ver esto, vuelve a Buenos Aires y declara su amor a Irene, con la que siempre había existido una atracción.

La película funciona muy bien como thriller, retrata una parte de la historia de Argentina y, sobre todo, permite efectuar reflexiones sobre la justicia y las formas de aplicarla. Es imposible en esa corrupta dictadura argentina establecer justicia en un crimen brutal sin significado político. El asesino es protegido por las cloacas del poder judicial y policial con lo que ha de ser un particular, directamente afectado por el asesinato, quien asuma aquello que el Estado no ha sido capaz de hacer.

Hay grandes escenas como la muerte de Sandoval, girando unas fotografías para que los sicarios sigan confundidos y lo maten creyendo que están asesinando a Espósito; o intensas como debe tener un thriller cuando buscan al asesino en las gradas de un partido de futbol. La contenida historia de amor entre Espósito e Irene también está bien explicada y mejor rematada en la última escena de la película.

Muy buen filme

 

LA ÚLTIMA NOCHE DE BORIS GRUSHENKO

 

La última noche de Boris Grushenko (1975) es una película de la primera etapa de Woody Allen, antes de que dirigiera la oscarizada Annie Hall. Es una época de su filmografía que, hace treinta o cuarenta años, pensaba que era menos importante comparada con los grandes títulos que enlaza sobre todo en la década de los ochenta. Pero, ahora que, en lo que llevamos de siglo XXI, y a pesar de que ha dirigido muchas películas, el cine de Allen ha colapsado, creo que es oportuno centrar la atención en estas películas ya que pasé un buen rato viendo La última noche de Boris Grushenko hace unos días.

La película es un flash back contado por un hombre condenado a muerte que la logrado el éxito que su ejecución se demora una hora, de las cinco de la madrugada pasa a las seis. Contento con ello, explica su historia, la de una familia rusa en la que él es un patoso joven al lado de sus musculosos hermanos, enamorado de su prima Sonia (Diane Keaton), amor no correspondido, pero sí tiene una amistad con ella manteniendo conversaciones sobre temas trascendentes que alcanzan un punto delirante en el contexto de la película.

Con ecos de la novela Guerra y paz, Napoleón invade Rusia y Boris, cobarde y pacifista, se ve obligado a enrolarse en el ejército. Paradójicamente, se convierte en un héroe de guerra, coquetea con una condesa en la ópera y eso le lleva a ser retado por el amante de esta, en un papel que interpreta Harold Gould. Sonia, viuda tras un matrimonio con un comerciante de arenques, accede a casarse con Boris calculando, de manera errónea, que no tiene ninguna posibilidad de ganar el duelo.

La trama, disparatada, todavía enloquece más cuando el matrimonio formado por Boris y Sonia urden un plan para asesinar a Napoleón, infiltrándose en su corte suplantando a unos emisarios españoles que José Bonaparte ha enviado a su hermano. Tras asesinar a un doble de Napoleón, Sonia huye, pero Boris es apresado y condenado a muerte. Tras la ejecución, Boris se aleja bailando de manera grotesca con la Muerte, que ya había aparecido antes en la película, con una túnica blanca y la característica guadaña, conversando sobre temas existencialistas con un Boris en su etapa infantil.

Allen explota muy bien aquí su bis cómica, que luego relajó hasta desaparecer en los años posteriores. Combinando los referentes rusos de Tolstoi y Dostoievski, con referencias a Kafka, Eisenstein y la filosofía existencialista en sus diálogos con Keaton, Allen mezcla todo esto con escenas propias de películas de los hermanos Marx, como el saludo reiterativo de Boris y Napoleón diciendo “no, el gran honor es para mi”, junto con momentos disparatados a lo Monty Phyton; o escenas de procacidad cómica parecidas a las de Mel Brooks como lo son las que tiene Boris con la condesa que lo seduce con sus encantos. 

La película tiene unos diálogos muy ingeniosos y una sucesión de gags muy divertidos. Por ejemplo, me ha gustado lo surrealista que resulta, cuando Boris recibe la instrucción militar en medio de la Rusia del siglo XIX, que el sargento instructor sea negro, siendo el típico hombre duro que impone una dura disciplina a los reclutas. O el padre de Boris diciendo que posee tierras cuando lo que hace es llevar un puñado de arena y hierbajos en los bolsillos.

Buena y muy divertida película de la primera etapa de Allen

INTER 4- BARÇA 3 (LA GLORIA EN LA DERROTA)

 

El Barça murió en la orilla. El Inter compitió mejor gran parte de la eliminatoria, no por mejor juego sino por tener más oficio, pero el Barça nunca se escondió, intentó hacer su juego con fases brillantes y otras no tanto, dieron la cara todos los jugadores y queremos creer que es un paso adelante de un equipo que volverá a luchar por la Champions en los próximos años. Frente al desmadre organizativo de Laporta y la amenaza de ruina institucional que comporta su presidencia, nos hemos de aferrar a unos juveniles, otros jugadores muy jóvenes, alguno más veterano y un entrenador que, sin ser perfecto, nos ha sacado de la atonía del periodo comandado por Xavi en el banquillo.

Pasados los primeros diez minutos de partido, el Barça empezó a sentirse incómodo y lo pagó con dos goles, uno de Lautaro tras una grave pérdida de Olmo en zona peligrosa y otro de un penalty discutible y en el que, en todo caso, quedó probado el oficio del experimentado delantero argentino. El Barça tuvo alguna ocasión poco clara y, llegados al descanso, el panorama no era muy alentador.

Reanudado el partido, el Barça dio un paso adelante y los goles vinieron a través de medidos centros de Gerard Martín, conectando una impresionante volea Eric en el primero y cabeceando Olmo el segundo. Con tablas en el marcador, el Barça estaba más cerca del gol. Martín aún dio una gran asistencia que Eric remató siendo el balón rechazado, de forma milagrosa para el Inter, por Sommer. El portero austriaco también desactivó a Yamal con paradas de Balón de Oro si es que ese galardón estuviera, que parece no lo está en la práctica, al alcance de un portero. Y, en el minuto 88, el mejor juego y determinación del Barça tuvo premio, el incombustible Rafinha disparó, el portero rechazó, pero nada pudo hacer ante el segundo disparo del delantero gaucho. Quedaba muy poco y, en los minutos siguientes, se pasó del paraíso al purgatorio. Yamal disparó al poste y, en la jugada siguiente, ya en tiempo añadido, una internada de Dumfries por la banda derecha, previa posible falta a Martín, dio lugar a un centro que fue rematado por Acervi a la red ante una débil oposición de Araujo.

Instalados en el purgatorio de la prórroga, no duró mucho la caída al infierno. Un teóricamente extenuado Thuram le ganó la partida en una jugada por la banda a Araujo, la pelota llegó en el interior del área a Fratessi que, ante una defensa un poco pasiva, remató al segundo palo batiendo a Szczesny. El partido se puso muy cuesta arriba, pero el equipo de Flick lo intentó hasta el final con jugadores muy comprometidos y generosos en el esfuerzo de intentar volver al purgatorio alcanzando la tanda de penaltis. Jugando los últimos minutos con un único central, Araujo, que acabó de delantero centro, agonizamos con un Inter embotellado y asfixiado hasta que, con un par de faltas a su favor en los dos minutos del añadido de la prórroga, encontró un poco de aire hasta el pitido final.

Ahora, hay que asegurar la Liga el domingo y la temporada se podrá calificar como muy buena. Lo importante es haber vuelto a hacernos respetar en Europa y pensar que, si Laporta no comete ningún estropicio, hay una base para intentar ganar una Champions a corto plazo. 

TÚ Y YO (1939)

 

Leo McCarey hizo dos veces la misma película, Tú y yo. En 1939 con Charles Boyer e Irene Dunne; y en 1957 con Cary Grant y Deborah Kerr.

No había visto la primera versión y me ha parecido una película notable. Creo, a falta de una revisión, que la mayor diferencia es que, pese a que Boyer y Dunne no están mal, la pareja Grant-Kerr era superior, Grant es una de las mayores estrellas de todos los tiempos que, en 1957, estaba en plena madurez y Kerr era muy buena actriz.

La película tiene un tono de comedia ligera cuando la pareja protagonista se conoce en el transatlántico que los lleva de Europa a los Estados Unidos y, luego, pasa a ser un melodrama con el accidente de ella, su postración en una silla de ruedas y el desengaño que tiene Boyer. Tanto en un tono como en otro, la película funciona muy bien y está filmada con mucha elegancia por McCarey. Son especialmente destacables las escenas de Boyer, esperando horas en la azotea del Empire State hasta que, pasada la medianoche, se da cuenta que ella no va a acudir a la cita; y la escena final en que, a través de uno de los cuadros que Boyer ha pintado y sabe que ha sido comprado por una joven minusválida, comprende lo sucedido y busca ansioso la pintura por el apartamento de ella hasta encontrarlo.

Destacan en el apartado técnico tres futuros directores que aquí realizaron otras funciones: Delmer Daves en el guion, Edward Dmytrik en el montaje y Rudolph Maté como director de fotografía. Sin duda, tuvieron en McCarey un buen maestro.

Buena primera versión de esta gran historia romántica que es Tú y yo.

LA HISTORIA DE SOULEMAYNE

 

Estrenan La historia de Soulemayne, dirigida por Boris Lojkine, ganadora de Un certain regard en Cannes y nominada a mejor película y director en los Césares, ganando el protagonista, Abou Sengaré, el César a mejor actor revelación.

La historia es la de un repartidor de comida a domicilio, uno de esos ryders que vive en París y tiene una entrevista para regularizar su situación como inmigrante en el órgano administrativo francés encargado de estas cuestiones. Vemos como el protagonista memoriza una historia para, al cabo de dos días, obtener el estatuto de refugiado político. La falsa historia que va a contar es la de un activista político que no puede vivir en Guinea Conakry por haber sido encarcelado y represaliado. En realidad, su llegada a Francia tiene una motivación, como para muchos otros inmigrantes, puramente económica y, de hecho, ha dejado en su país a su madre enferma y a una novia que, por teléfono, le dice que tiene un pretendiente acomodado económicamente con lo que se rompe la relación.

La historia de un inmigrante explotado y con muchas dificultades para salir adelante es, lamentablemente, algo que podemos considerar convencional. Pero la película está lo bastante bien hecha para que la historia resulte interesante.

Por un lado, no solo es el sistema capitalista quien explota en exclusiva al desdichado protagonista, ni los peligros se reducen a conducir una bicicleta de forma suicida para cumplir con los pedidos por las calles parisienses. Al ser inmigrante ilegal, él trabaja como repartidor con la licencia de otra persona que lo somete a explotación económica, incluso deja de pagarle y, ante los reproches de Soulemayne, finalmente le agrede ante la impotencia del protagonista. Solemayne necesita imperiosamente el dinero para pagar a otro turbio personaje, que se dedica a cobrar por facilitar la regularización facilitando papeles y orientando a cómo articular una historia que cuele ante los servicios de inmigración. Vemos, desde el principio, como Soulemayne combina el reparto estresante de comida a domicilio mientras memoriza una historia que, en la parte final cuando tiene la entrevista, no resulta nada original y ha sido ya escuchada muchas veces por la funcionaria que lo atiende.

También nos es mostrada la miseria de estos indigentes a través de los servicios sociales que los atienden. Los inmigrantes se reúnen en puntos de la capital francesa donde esperan a unos autobuses que los llevan a centros de acogida, allí pueden tener una comida caliente y ducharse que alivian su situación, al menos de forma momentánea.

Abou Sangare, actor no profesional que llegó como inmigrante ilegal a Francia en 2017, asume el papel protagonista por el que ha sido premiado. Transmite autenticidad en la parte final de la película, esa larga entrevista en la que el personaje queda desnudo defendiendo la falsa historia y acaba contando las motivaciones para quedarse en Francia.

Previsible, pero enérgica, intensa y conmovedora. 

MARIDOS Y MUJERES

 

Maridos y mujeres (1992) es otra película de Woody Allen diseccionando las relaciones matrimoniales, ahondando en una temática tratada también muchas veces por su admirado Bergman, al que se cita cuando Allen hace alusión a ver en vídeo Fresas salvajes.

La película se abre con el encuentro de dos matrimonios, Allen y Mia Farrow por un lado, y Sidney Pollack y Judy Davis por otro, en el que el segundo dice al primero que se van a separar. Eso abre toda una serie de subtramas, incorporando a más personajes entre los que destacan Liam Nesson como compañero de trabajo de Farrow que se enrolla con Davis, y Juliette Lewis como joven alumna del profesor de literatura que interpreta Allen. Después de varias idas y venidas entre los personajes, al final serán Allen y Farrow quienes no seguirán juntos, mientras que Pollack y Davis se reconcilian. Todo ello explicado a ratos como una encuesta, con los personajes principales contestando a un supuesto interrogador al margen de la actuación.

No había visto esta película en su momento, pero me ha gustado. Bien escrita por Allen, le da un tono semidocumental a la trama con las preguntas de un interrogador en off y largos planos secuencia con la cámara en mano y desplazamientos bruscos en las escenas con tensión entre los personajes, destacando también la calidad de los intérpretes.

El clásico What is this thing called love?, es el tema musical que se oye en los títulos de crédito, tanto los iniciales como al final del filme, dando sentido a las tramas que se han narrado durante su duración.

Última colaboración entre Allen y Farrow antes de su tormentosa separación, el director neoyorquino abandonó en esta ocasión la comedia e hizo un buen trabajo en una película que tiene interés, aunque cuando tocó esta misma temática con Annie Hall consiguió una obra maestra de la que Maridos y mujeres está muy lejos 

BARÇA 3- INTER 3

 

Apoteosis futbolística ayer en Montjuic en el partido de ida de semifinales de Champions. Emoción, alternativas, momentos de buen juego y varios goles espectaculares dejaron contentos a todos los aficionados, sobre todo a los espectadores neutrales que no fueran de uno u otro equipo.

Como supongo la gente del Inter, los del Barça tenemos un sabor agridulce. Una mala entrada al partido y lo mal que defendemos a balón parado casi nos saca de la eliminatoria. Un mágico Lamine Yamal contagió a otros compañeros, con fases de buen juego, reenganchándonos a la eliminatoria en unas tablas que la dejan muy abierta.

El partido de Yamal fue superlativo, de los que hubiera firmado el mejor Messi. Hoy veía las cifras de uno y otro con la misma edad. Yamal ha llegado a 100 partidos, 22 goles y 25 asistencias, mientras Messi llevaba 6 partidos y un gol a esa misma edad. No hay que comparar ni poner presión al genio de Rocafonda, pero los números, por ahora, son esos.

También cabe hablar de un notable Rafinha, un Torres que sigue en racha, un Pedri que sigue siendo la brújula del equipo, un Cubarsí jugando con una madurez impropia de su edad, … se necesitara de todos ellos en el partido de vuelta para que acompañen a Yamal y consigamos llegar a Munich.

Creo que Flick volvió a mover un poco tarde el banquillo, hubo un momento en que los italianos nos estaban superando por físico. Fueron solo unos minutos de la segunda parte porque, en la primera, el Inter vivió muy agazapado, tal como se esperaba, en su propio campo. Pero que entren Gavi y Fermín siempre impulsa al equipo que, con el 3-3, pudo haber desequilibrado el partido en una pelota que Yamal envió al travesaño y un chut de Rafinha desviado a córner por Sommers, el portero del cuadro lombardo.

Se lesionaron Koundé y Lautaro. Escuché un debate sobre que equipo pierde más. Yo creo que nosotros podemos suplir mejor a Koundé que ellos al delantero argentino. Las lesiones fueron la demostración que el calendario es asfixiante para los jugadores. Petaron por la acumulación de partidos. Esperemos no haya más disgustos en este sentido.

El próximo martes, el oficio italiano contra el dinamismo y entusiasmo de nuestro equipo. San Siro dictará sentencia.