EL BOSQUE PETRIFICADO

 

Ciclo Warner en la Filmoteca. Vemos El bosque petrificado, en una copia en bastante mal estado.

No había visto esta película cuya fama creo que radica sobre todo en el hecho de ser el primer papel importante de Humphrey Bogart. Y es cierto que hay películas que lanzan a un actor al estrellato, como John Wayne en La diligencia. Aquí también Bogart hace una interpretación con tanta fuerza y personalidad que tuvo su impacto y empezó a cotizar más alto en el estudio. Siguió haciendo de secundario porque así lo recuerdo en Ángeles con caras sucias, pero pronto sería primer protagonista en esa obra maestra de Raoul Walsh titulada El último refugio.

Pero es injusto destacar solo a Bogart. La protagonista femenina, Bette Davis, está como siempre espléndida y también lo está un actor del que he visto muy pocas películas, Leslie Howard. No sabemos cómo hubiera sido su madurez como actor pues murió con 50 años cuando su avión fue abatido por los alemanes en 1943 cerca de la costa de Galicia. Y su personaje en Lo que el viento se llevó, como indeciso marido de Olivia de Havilland, no hacía que lo tuviera en mucho aprecio como actor pero en El bosque petrificado está muy bien y me resultó convincente.

Aunque todos los secundarios están bien, mención especial merece Charley Grapewin, actor que trabajó con Ford, al menos una vez como actor secundario en Las uvas de la ira y una como protagonista en La ruta del tabaco.

El bosque petrificado está basada en una obra teatral en la que Bogart ya interpretaba el mismo papel. La acción se sitúa en una estación de servicio en el desierto de Arizona atendida por una familia (abuelo, padre y nieta) y un joven aficionado al fútbol americano. Un idealista y fracasado escritor europeo que recorre los EEUU vagabundeando llega a la estación y siente atracción por la hija del propietario,  una joven aficionada al arte y literatura fruto de un matrimonio francoestadounidense con origen en el servicio militar de su padre durante la I Guerra Mundial, y que  corresponde al vagabundo con fascinación hacia su figura bohemia, absolutamente extraña en aquellos parajes desérticos cercanos al parque de bosques petrificados que dan nombre al título.

Se empieza a oír por la radio que un famoso y brutal gángster, lógicamente Bogart, ha perpetrado una matanza y merodea por la zona tratando de buscar una salida hacia México. Bogart llega a la estación y secuestra a todos los trabajadores, Howard y un matrimonio con un chófer negro que pasaban por allí. Y se establece una tensión mientras Bogart, que se entera que en el atraco ha muerto su novia, calcula cuándo es el mejor momento para emprender la huida.

Howard, a pesar de su aspecto desaliñado, tiene una póliza de 5.000 dólares y se dispone a designar como beneficiaria a la chica para que pueda cumplir su sueño de ir a Francia dando por hecho que será uno de los rehenes que acabará muerto, y pidiendo expresamente a Bogart que lo maté.

Algunas críticas han puesto como reparo a la  película el hecho que, en gran parte de la misma, es teatro filmado. Pero  los personajes tienen mucha fuerza, todos los actores están espléndidos y el interés por la trama es creciente en todo momento. Y hay elementos cinematográficos. Cuando la cámara fija su atención en Howard agonizando en los brazos de Davis, eso es cine. O cuando en el inicio la figura de Howard camina por una carretera polvorienta, un coche le rechaza como autoestopista y un matorral de esos gigantes y redondos sale volando empujado por el viento, eso es cine.

Se ha encuadrado a esta película en el cine negro, y no veo motivos. Aunque salgan personajes propios del cine negro, la trama principal de la película, la relación entre Howard y Davis,  es un melodrama y el espacio en que se desarrolla la acción, una gasolinera junto a un desértico espacio natural de Arizona, no es propio del cine negro que se desarrolla y tiene su razón de ser en núcleos urbanos.

 

MIEDO A SALIR DE NOCHE

 

Miedo a salir de noche es una película en la que Eloy de la Iglesia sigue hablando de lo que le está pareciendo la transición (la producción es de 1980) pero aquí lo hace desde un punto de vista desenfadado y en tono de comedia, aunque la crítica no es nada amable por su parte.

Sacristán es un empleado de banca, un hombre de clase media, sin inclinaciones políticas y preocupado de su seguridad, que vive con su mujer, una hija y su madre. Como personajes secundarios aparecen una compañera de trabajo que interpreta Tina Sainz y Chanquete como uno de sus vecinos.

La película hace una crítica a algo que no ha perdido vigencia y es uno de los puntos fuertes de captación de voto de VOX: utilizar como arma política el miedo provocado por la delincuencia, ahora en este siglo ligada con la inmigración.  La película está plagada de referencias a la inseguridad ciudadana por la creciente ola de atracos, violaciones y también el terrorismo de ETA. Sacristán y toda su familia, así como compañeros del banco en que trabaja, vecinos, etc. muestran un miedo atroz menos el personaje de Ferrandis que estuvo en la guerra, perdió luego trágicamente a su familia en un accidente de coche y es el único que cree que se ha de vivir en libertad y sin comportamientos histéricos llevando una vida atípica para su edad, yendo en moto y quedando con gente mucho más joven que él para divertirse.  En cambio, la comunidad de vecinos en que vive Sacristán está llena de gente paranoica que implanta medidas de seguridad tan extremas que causan problemas y contratan a un vigilante de seguridad tan chapucero que provocara el momento trágico de un film que tiene un tono de comedia. Y Tina Sainz, aun teniendo 32 años y siendo virgen, fantaseará con una violación y hará creer a Sacristán y los demás compañeros que ha sido salvajemente agredida.  La paranoia de Sacristán también se muestra cuando desconfía de cuatro jóvenes de aspecto desaliñado, pensando que son peligrosos delincuentes, hasta descubrir después que son estudiantes de la academia de policía que posteriormente se incorporan al cuerpo.

Además del tema de la seguridad, hay una crítica a esa masa de gente que no se sentían incómodos con el franquismo, no tienen conciencia política y andan desorientados cuando tienen lugar las primeras elecciones democráticas. Sacristán dice que ha votado alternativamente a Tierno y Suárez; y Tina Sainz le comenta que a ella le gusta Fraga, pero que siente simpatía por la CNT.

En definitiva, una película amena de ver que, sobre todo, sirve como muestra de cómo vio De la Iglesia la transición y también vemos que hay cosas que no se han superado y vuelven a nuestra sociedad, con las circunstancias propias del siglo XXI, porque es muy fácil crear estados de opinión sobre la inseguridad que no son del todo ciertos como por ejemplo en el tema de las okupaciones.  

 

NOSOTROS

 

Después de haber visto hace meses Déjame salir, que me causó muy buena impresión, veo otra película de Jordan Peele, Nosotros, que me decepciona bastante porque me ha parecido bastante aburrida.

Una niña se pierde por los aledaños de una feria del lugar donde veranea y, tras un momento de suspense y extrañarse ante un hombre que lleva un letrero con una referencia bíblica, ve un clon de ella misma, cosa que le provoca estar un tiempo en trauma sin poder hablar. La acción salta un par de décadas hacia adelante y resulta que aquella niña vuelve a ese lugar de vacaciones con su marido y dos hijos. Se repetirá el esquema y verán unos clones de sí mismos, agresivos y con los que entablan una lucha intensa y demasiado prolongada porque aquí empieza a aburrir la película. Se darán cuenta que ese proceso que aparezcan clones de la gente se está dando en todo el país y que no es un hecho aislado que solo les afecte a ellos. Y, volviendo al lugar de origen de todo en la feria, se revela una justificación acerca de la existencia de esos clones, ideados para controlar a la población, y que luego han escapado del inframundo en que estaban para hacerse con el planeta. Aunque la clon de la protagonista parece haber sido destruida, mientras la familia huye en su camioneta se revelará el cambio que aconteció en el inició de la película entre las dos niñas con un giro final, mientras las cadenas de clones se ven por todo el paisaje.

A mi me parece que el guion no es demasiado original y recuerdo algunas películas con un argumento más o menos parecido, como La invasión de los ultracuerpos o Están vivos. Al margen de lecturas políticas o que, dada la complejidad de la trama y pocas explicaciones, se pueden encontrar fallos de guion;  sobre todo el problema es que las luchas con los clones son muy largas y la película no tiene buen ritmo, le sobran como veinte o treinta minutos de metraje de los 115 que tiene. Parece que ha sido una película excesivamente alabada por la crítica. Con menos medios, y en menos tiempo, Don Siegel hizo una maravilla con La invasión de los ultracuerpos, pero eran otros tiempos.

 

 

EL JUGADOR

 

Releo El jugador de Dostoievski. Es una novela poco densa y bastante ligera si la comparamos con, por ejemplo, Crimen y cástigo. Y bastante corta comparada con otras novelas suyas, al parecer la dictó a su secretaria, y posteriormente segunda mujer, en menos de un mes.

El protagonista, llamado Alexsei,  tiene mucho del hombre del subsuelo. Su comportamiento es irracional y no puede dominar la pasión que siente  por la hijastra de un general ruso para la familia de la cual trabaja como tutor y la fascinación por el juego en un  casino que está junto a un balneario en el que la familia ha ido a pasar una temporada. De igual manera que muchos otros personajes de Dostoievski, entrará en un proceso de autodestrucción que, en la novela, es la ludopatía que sufre el personaje, pero ahora podrían ser otras adicciones como drogas, tabaco o pantallas.

Tampoco son mejores los personajes que le acompañan en la novela, en general trazados todos de manera bastante negativa como clase ociosa e improductiva de varias nacionalidades. La hijastra del general es una persona caprichosa, egoísta y que cambia su carácter de forma súbita; el general está esperando a que muera su madre para heredar y remontar su situación económica mientras quiere casarse con una frívola mujer francesa, a la vez que tiene deudas contraídas con otro caballero francés, un conde que es retratado como un sinvergüenza; tal vez un caballero inglés que también está por el balneario, igual de ocioso que los demás, sea el personaje más equilibrado y menos sujeto a pasiones amorosas y de ludopatía que los demás no pueden evitar.

Aleksei tiene suficiente lucidez pero escasa voluntad por lo que consume su existencia en una vida disipada; aunque al final haga propósito de cambiar su vida y dice en la última línea de la novela “¡Mañana, mañana acabará todo!”, como lector sabemos que su vida es un viaje a ninguna parte sin que pueda enderezar el rumbo.

 

ANGUSTIA DE SILENCIO

 

Angustia de silencio es un giallo de Lucio Fulci bastante logrado, en el que logra mantener la tensión narrativa y el interés después que la película va evolucionando hasta encontrar quién es el culpable de los asesinatos

En un pueblo del Mezzogiorno italiano empiezan a aparecer cuerpos de niños preadolescentes  que han sido asfixiados.  Las autoridades investigan y empiezan a aparecer diversos sospechosos como el tonto del pueblo, una bruja que se dedica a hacer vudú, el  sacerdote del pueblo o una pija de Milán que se ha refugiado en ese pueblo tras tener problemas con las drogas.

Fulci da un tono adecuado ya, en las primeras escenas, con la aparición de los restos de una mano (de un cadáver que es el hijo de la bruja, muerto mucho antes que empiece la acción de la película) o unas agujas que se clavan en unos cuerpos de muñecos de niños en un intento de hacer vudú. O con una escena de la pija, totalmente desnuda, tentando a un niño de unos doce años que luego será una de las víctimas. Crea un clima inquietante y también explota el mundo de la ignorancia y superstición de un pueblo no muy grande del Mezzogiorno cuando los lugareños se ensañan con la bruja a la que, después de haberse cometido tres asesinatos, se señala como principal acusada. Las investigaciones son llevadas a cabo por un policía no especialmente avispado y un periodista que tendrá más éxito y participará en el momento final de la película desenmascarando al asesino. Por supuesto, unas gotas de efectismo en forma de planos truculentos siempre encajan bien en una película de este tipo.

Angustia de silencio es un giallo con buenos detalles y no decae el interés de la película desde el primer asesinato hasta la resolución final.

ARSENAL

 

Veo en la Filmoteca Arsenal,  de Alexsander Dovzhenko y rodada en 1929. Hay muy poca gente en la proyección, más o menos sobre 60 personas.

La película se sitúa en Ucrania durante el año posterior al fin de la I Guerra Mundial cuando está en marcha la guerra civil. Hay un movimiento que quiere crear una Ucrania libre e independiente del dominio ruso (que dura desde hace 300 años)  y está formado por terratenientes, oligarcas  y la Iglesia ortodoxa. Otros ucranianos reclamaran todo el poder para los soviets y se produce esta guerra civil entre ucranianos, con también el ejército rojo en medio, y siendo éste uno de los escenarios de la guerra que se libró en todo el territorio soviético. Los soviets ucranianos, que se defienden de las acometidas de los contrarrevolucionarios y se armarán en el arsenal que da título a la película, son los héroes de la película. Lógicamente, la película cobra actualidad con esta guerra ruso-ucraniana que se libra en la actualidad, de la que tanto se habla y de la que tan poco se sabe. En cualquier caso, este conflicto de 2023 tiene, igual que aquel de 1919, características propias de una guerra civil aunque ello se preste a matices.  

Es una película que me recuerda en su lenguaje cinematográfico a otros grandes del cine soviético como Eisenstein, Pudovkin o Vertov ya que  el montaje es uno de los elementos a través de los cuales se expresa la acción, vertiginosa en los momentos de combate,  de la película. Pero, además, Dovzhenko crea imágenes de expresividad muy poderosa dando cuenta de los horrores de la guerra como el soldado de la foto  riendo antes de morir por efecto del gas nervioso. Hay muchos otros planos que muestran la crueldad del conflicto, a través de planos en ocasiones simbólicos y que resultan originales y poco convencionales, muy atrevidos para la época desde el punto de vista formal.. A Dovzencko le interesa más conmover con su lenguaje y estilo que no contar la historia desde un punto de vista lineal clásico produciéndose diversas elipsis durante la película. 

Por todo ello, no es una película propagandística como las de Eisenstein. Tiene muchos más matices, es más oscura, incluso parece preocuparse más por mostrar un antibelicismo dejando un poco al margen la épica de los obreros del arsenal. Creo que no hubiera podido hacerse en la década siguiente pero 1929 era un momento de relativa libertad en la URSS teniendo en cuenta lo que pasó en los años siguientes. 

ADIÓS A LAS ARMAS

 

Adiós a las armas es una película que adapta la novela de Hemingway, dirige Frank Borzage e interpretan Gary Cooper, Helen Hayes y Adolphe Menjou.

Narra la historia de amor entre un conductor de ambulancias norteamericano y una enfermera inglesa en el marco de la I Guerra Mundial, en el frente austro-italiano pues los personajes sirven en el ejército de Italia. Se conocen, se enamoran y luego tiene que separarse no pudiendo luego comunicarse porque las cartas son censuradas y devueltas al remitente. Mientras no pueden comunicarse, ella descubre que ha quedado embarazada y se traslada a una localidad suiza. Cuando Cooper se entera, deja el ejército, se convierte en un desertor y llega a Suiza, momento en el que acaba de manera trágica el filme ya que Hayes tiene problemas con el embarazo.

La película está rodada con gran agilidad para ser un filme de 1932 y Borzage ya tenía una trayectoria muy importante en la época del cine mudo.  Si la cámara solía estar muy estática en las películas de los primeros años de la década de los 30, aquí hay un lenguaje cinematográfico más ligero y ello da más vigor a la película. Aunque la película es básicamente un melodrama, es muy destacable como está filmada una escena de un bombardeo italiano cuando Cooper deserta del ejército. El montaje y puesta en escena del bombardeo está muy bien conseguido, se palpa el horror de gente que se aleja de la zona de combate y como son acosados sin tregua.  Una muy buena escena de cine bélico.

Y luego está la parte de melodrama que ocupa la mayor parte del metraje y en la que  Borzage acentúa y eleva el dramatismo hasta cotas de máxima intensidad, como cuando la chica le habla a un retrato de Cooper en el momento en que están incomunicados, o un largo plano subjetivo de Cooper cuando se despierta después de haber sido herido, ve el techo del hospital y luego  el rostro de Helen Hayes se acerca a la cámara y la besa.  Y el final con un clímax de sufrimiento por parte de Cooper que se queda desconsolado mientras Hayes agoniza entre sus brazos, mientras se informa luego al espectador,  a través de titulares de periódicos, que el ejército austriaco ha capitulado y la guerra ha terminado.

No es que Cooper esté mal, pero siempre me ha parecido un actor justito para protagonizar melodramas. Está mejor Hayes y Menjou, que interpreta un militar italiano de la rama sanitaria en la que es cirujano, nunca he visto una película en la que no esté bien.

Un buen clásico.

 

 

MAYOR DUNDEE

 

Situada en la obra de Peckinpah entre dos obras maestras como Duelo en la alta sierra y Grupo Salvaje, Mayor Dundee ha quedado tapada y, sin tener la excelencia de las otras dos, es una película muy estimulante. Y lo es a pesar de los múltiples problemas que hubo en el rodaje con la tensión entre Peckinpah y los productores, el carácter explosivo del director sobre todo cuando iba bebido (es decir, frecuentemente) y su no participación en el montaje de la película.

Estamos ante una película que explota una de las constantes del universo de Peckinpah: la amistad con sus manifestaciones de traición o lealtad. Y para hacer eso cuenta con dos protagonistas excepcionales: Charlton Heston y Richard Harris. Heston no es un actor que tenga buena fama pero hay que reconocer que pocos actores tienen tanta presencia para dar vida a personajes viriles y de carácter, y aquí hace una interpretación más que convincente. Además de que Harris era otro gran actor, tenemos a secundarios habituales, e imprescindibles en el cine de Peckinpah, como Warren Oates, Ben Johnson, James Coburn o Slim Pickens.

Me gusta más la primera parte de la película, cuando Dundee ha de reclutar su pequeño ejército para iniciar la expedición de castigo contra los apaches. Se presenta muy bien el antagonismo entre Dundee y su némesis sudista, el capitán Tyreen, cuyos antecedentes se remontan a la degradación que sufrió como militar Tyreen con el voto decisivo de Dundee que formaba parte del tribunal. A pesar de ello, se necesitan mutuamente, uno para montar la expedición de castigo y el otro para eludir la horca, y el oficial sudista dará su palabra, siendo leal a ella, de obedecer las órdenes de Dundee hasta capturar al jefe apache. También es interesante ver el papel de los negros, que son discriminados en el ejército nordista lo que ocasiona que algunos se enrolen en la expedición.

Dundee me ha recordado al coronel Thursday de Fort Apache. En plena guerra civil ha caído en desgracia y está destinado en un fuerte como carcelero de presos sudistas. Se toma la expedición de los apaches que han secuestrado a unos niños después de una horrible matanza como una manera de recuperar el prestigio perdido. Y no ceja en su empeño cuando los menores son rescatados y puestos a salvo. Prosigue su expedición militar violando la soberanía territorial de México y enfrentándose finalmente al ejército francés de Maximiliano. Realiza una intervención exterior militar americana en toda regla que causa bastante dolor y destrucción.

Creo que, en la segunda mitad de la película, hay como un bache. La aparición en un pueblo mexicano del personaje de Senta Berger no le sienta bien al film. A partir de aquí hay un poco de dispersión, cede protagonismo el personaje de Richard Harris pero tampoco la relación entre Heston y Berger acaba de coger el vuelo adecuado para aumentar el interés de la historia. Luego la película remonta al final con la espléndida batalla con el ejército francés en el Río Grande y la vuelta a Estados Unidos de Dundee y los pocos supervivientes que le quedan.

Como mejor escena, pondría a la última en que aparece Warren Oates después de haber desertado y Dundee pretende ponerlo, con una actitud fría e inflexible,  delante de un pelotón de ejecución.  Ese deshonor será evitado por Harris matando a su propio subordinado sudista y siendo leal a unos ideales.