HIPÓLITO

 

Otra tragedia de Eurípides y otra muestra de absoluto pesimismo sobre la condición humana. 

Afrodita odia a Hipólito, hijo de Teseo, por considerarla una diosa insignificante y ser él un casto varón. Insuflará la llama del deseo a Fedra, esposa de Teseo, para que se insinúe a Hipólito que la rechazará. Fedra se suicidará pero acusará falsamente a Hipólito de haberla seducido y Teseo, airado por la muerte de su esposa, culpará a su propio hijo Hipólito, lo desterrará y eso conllevará posteriormente su muerte. Artemis explicará a Teseo lo injusto que ha sido y que fue Afrodita quien urdió toda la trama que ha acabado de forma trágica. E Hipólito perdonará a su padre mientras agoniza. 

Al parecer, no cuenta obrar justamente y tener un comportamiento irreprochable. Engañados por los dioses, los hombres y mujeres son caprichosos, volubles, influenciables, imprudentes... E Hipólito pagará con su vida el torbellino que se desata a su alrededor. 

IL SOL DELL'AVVENIRE

 

Il sol dell’avvenire es la última película de Nanni Moretti, presentada en Cannes hace un par de semanas. Pendiente de estreno en España hasta septiembre, aprovecho que estoy en Turín y la veo en el cinema Romano, en la Plaza del Castillo.

A pesar de ser corta en metraje, unos 95 minutos, la película es rica en contenido abordando diferentes temas.

Por un lado hay una película dentro de la película y es la que rueda Giovanni (Nanni Moretti) sobre un viaje de un circo húngaro que es invitado, en los años 50,  por una sección del partido comunista de un barrio romano para realizar allí su espectáculo. En el rodaje de esta película, Moretti tendrá que afrontar si pierde el control de contar la historia a su manera frente a los intentos de una actriz de dar un enfoque diferente a los dos personajes principales. El director es cuestionado en su modo de llevar la historia. Por otro lado, en esa película la llegada del circo húngaro coincide con la represión soviética en Budapest de 1956, que es seguida por televisión por parte de los anfitriones comunistas y sus invitados húngaros, y Moretti ha de plantearse si ha de ser fiel a la verdad o no en torno a la posición que adoptó en aquella crisis el PCI.

Y fuera de esa película dentro de la película pasan también muchas cosas. Por un lado, a Giovanni se le viene abajo el mundo cuando su mujer, después de 40 años, y tras varias sesiones con un psicoanalista, le dice que ha llegado el momento de separarse. Giovanni se resiste a aceptarlo y además su mujer también trabaja con él pues es productora de cine.  Justamente que sea productora abre otra parte de la película en la que Moretti se interpone en la manera de rodar una secuencia en una película de acción en la que su mujer trabaja. La banalidad con la que se va a rodar una escena violenta solivianta a Moretti, que arma un pequeño escándalo, hace un amago de llamar a Martin Scorsese para que indique como se ha de rodar una escena violenta y acaba con Moretti derrotado, avanzando acompañado de la cámara mientras a su espalda se acaba de rodar la secuencia de la manera vulgar que él criticaba.  

Su película con la trama húngara atraviesa problemas en la producción. Un productor francés medio caradura y estafador deja colgada la financiación y pone en peligro que la película pueda finalizarse. A través de su mujer, contactará con unos productores coreanos con los que Moretti no se entenderá del todo bien. Los productores le garantizarán que la película podrá llegar a 190 países a través de Netflix, pero Moretti se pregunta si no es mejor que llegue a menos países pero en mejores condiciones.

Y todo salpicado por guiños cinéfilos (menciones a Cassavettes, aparición de la escena final de La dolce vita cuando Mastroianni no puede comunicarse con la niña o una escena de Lola con Anouk Aimee) y musicales (varios personajes bailando una canción de Franco Battiato, o su mujer y Moretti cantando en el coche con entusiasmo el Fever de Aretha Franklin).

Seguramente no es una película redonda, pero a los que nos gustó Caro diario y Abril, y empatizamos con Moretti, su visión de la realidad sociopolítica y su manera de entender el cine y su cinefilia, yo creo que salimos muy contentos del cine.

Y un final bonito, optimista, tal vez iluso, y que a mí me recordó en parte a 8 ½.  

MEDEA

 

Cae en mis manos un ejemplar de la colección Bernat Metge con dos obras de  Eurípides: Medea e Hipólito.

Medea sería uno de esos casos que ahora llamaríamos de violencia vicaria. Suponiendo que este término se pueda aceptar tanto si es un hombre o una mujer quienes agreden a sus hijos para herir al otro progenitor (si hay alguien quien no lo acepte, sería la ministra Montero o alguien de su cuerda) estamos ante un caso como el que tristemente hemos visto en casos mediáticos. 

Despechada porque Jason, esposo y padre de sus hijos, va a repudiarla y casarse con Glauce,  hija del rey de Corinto, Medea urdirá una venganza asesinando cruelmente a Glauce y luego, con el objetivo de sublimar su venganza, asesinará a sus propios hijos dejando vivo a Jason para que sufra la pérdida de sus sucesores. Luego huirá con Egeo, rey de Atenas. 

Por un lado, Medea es una mujer activa, nada sumisa, dispuesta a no conformarse ante una traición. Por otro lado, es una filicida, uno de los crímenes más monstruosos que uno pueda imaginar. Así que, por encima de todo, creo que es una obra que invita a un gran pesimismo en cuanto a como concibe a la especie humana. 

Y éste es el párrafo , que pronuncia un mensajero, que más me ha gustado:

De tu, jo prou que em guardaré de dir-ne res: tu sola evitar el càstig ja sabràs. La vida humana és ombra, i sempre m'ho ha semblat, i jo diria sense por que aquells mortals que també semblen savis, que raonen subtilment, es guanyen justament el càstig més sever. Entre els mortals, ni un de sol no és venturós; amb els vaivens de la prosperitat es pot guanyar una fortuna, però no en felicitat.

PICNIC

 

Hacía muchos años que no veía Picnic y creo que la película resiste el paso del tiempo con nota alta. Es un melodrama potente, bien dirigido por Joshua Logan sobre todo en las famosas escenas de la fiesta y con un elenco de actores muy bueno.

William Holden es un don nadie que llega a un pueblo de Kansas en un tren de mercancías. para ver a un antiguo amigo de la Universidad, personaje que interpreta Clift Robertson, y pedir que le dé trabajo. Coincidieron en la Universidad, a la que Holden accedió por sus capacidades atléticas aunque, al contrario que Robertson, su origen es muy humilde. En cambio, Robertson y su padre son propietarios de una planta de procesamiento de cereales y remolacha siendo los más adinerados del lugar. Robertson tiene una novia, la explosiva y jovencísima Kim Novak, que pertenece a una clase social más baja cosa que disgusta a su padre. En una fiesta al aire libre en la que Novak es nombrada reina de la velada, surgirá un enamoramiento entre Novak y Holden, y una tensión con Robertson que obligará a Holden a huir de la ciudad. Previamente, Holden ha rogado a Novak que vaya a encontrase con él, que es un hombre perdido y su única esperanza es progresar con ella en la vida. En la última escena, Novak cogerá un autobús con destino a Tulsa, ciudad a la que Holden le ha dicho que se dirigía ya que siempre hay un hotel de mala muerte donde le dan un precario empleo. 

El guion y la dirección de Logan explican bien la anodina vida en un pueblo paleto y provinciano del estado de Kansas, en la América profunda. Una América marcada por la mediocridad, la represión sexual, la hipocresía y la falta de expectativas. 

Holden, Novak y Robertson están bien en la película, pero hay dos personajes secundarios interpretados por Arthur O'Connor y Rosalind Russell que dan mucha consistencia a la película en su subtrama. Russell es una reprimida maestra solterona ávida de contraer matrimonio y O'Connor un pusilánime y triste comerciante que es finalmente atrapado y se disponen a casarse al final de la película. 

Las escenas de la fiesta, la aparición de Novak con su vestido rosa pálido tocando las palmas, la fascinación que su aparición despierta en Holden y su baile posterior hasta que Rusell, en un ataque de histeria, rompe la magia entre los enamorados, siguen siendo parte de la historia del cine.  

MEMORIAS DEL SUBSUELO

 

Leo Memorias del subsuelo por tercera vez. Se compone de dos partes: un monologo interior titulado El subsuelo y una novela corta titulada A propósito del aguanieve. Ya en la primera lectura, tal vez hace más de 30 años, me pareció un libro turbador. Y me lo sigue pareciendo.

Este hombre del subsuelo comprende que hay un mundo gobernado por la razón, pero él quiere vivir de acuerdo a su voluntad. Y esta voluntad, si es independiente, puede no ser virtuosa. Como acaba escribiendo al final del capítulo VII: Pero, después de todo el diablo sabrá lo que el hombre desea.

Este hombre puede disfrutar haciendo y recibiendo daño, porque es capaz de gozar con el sufrimiento tanto ajeno como propio.  Desea de manera irracional y reivindica su independencia, es caprichoso e imprudente, perezoso y vago. Pero conoce lo que es la moralidad y es un individuo que vive en contradicción, siendo ésta una de las mayores causas de su sufrimiento. 

Luego vemos en la novela corta al hombre del subsuelo en acción, quince años antes. Se arrastrará y humillará buscando el favor de unos compañeros de escuela en el momento en que uno de ellos hace una despedida. Querrá que cuenten con él a pesar que sabe que lo desprecian pero quiere sentir el agravio, incluso reconfortarse con ello. Aunque al mismo tiempo también parece que les envidia. Luego entablará una corta relación con Lisa, una joven y desgraciada prostituta. Se interesara primero por ella de buena fe,  pero luego la recibirá en su casa y la deshonrará para, luego, humillarla.  Este hombre va de una contradicción a otra.  Su voluntad malsana le perjudica a él y a los demás.

Este hombre da miedo, y Dostoievski nos lo ha mostrado. Pero lo que está en el subsuelo normalmente no está a la vista. Si lo buscamos, podemos encontrar el horror. 

Se podría aplicar al protagonista del subsuelo aquello que leí una vez a alguien comentando lo que le sugería el protagonista de la película Él de Luis Buñuel: Es el retrato de un hombre que es el retrato de muchos hombres. 

LA LEY DEL JUEZ THORNE

 

La Ley del juez Thorne es otro de los westerns rodados por Jacques Tourneur y la constatación que no es éste el género en el que hizo sus más grandes películas.

El inicio es atractivo. Joel Mac Crea es un juez que explica en off al principio de la película que su misión es impartir justicia y que va con un libro de leyes y un arma, y que cuanto más se adentra en el Oeste menos usa el libro y más el revólver.

Así, estamos ante un tema de los más esenciales del western como es implantar un sistema legal en territorios que se rigen por la ley del más fuerte.

Pero la película enseguida pierde fuelle y se convierte en anodina. Hay un terrateniente que actúa imponiendo su voluntad en una pequeña ciudad y tiene un hijo que ha cometido un asesinato. Thorne, ayudado por el sheriff,  apresará al muchacho para juzgarlo de acuerdo a un procedimiento reglado y con garantías, cosa que no gustara a su padre que intentará liberarlo de la prisión. Hábilmente, Thorne se anticipará y lo conducirá a otra ciudad para realizar allí el juicio. Antes de llegar será interceptado en campo abierto por el terrateniente y sus hombres, y se resolverá la situación en un final muy flojo con un último plano en el que comienza el juicio presidido por Thorne.

La presencia de dos grandes actores secundarios como fueron John MacIntire y John Carradine, el primero como terrateniente tiránico del territorio y el segundo como un cínico personaje ligado al primero, dará un poco de interés a un film menor de Tourneur.

7 VIRGENES

 Veo 7 vírgenes,  película que dan el viernes en el ciclo de cine español de la 2. Me atrae el hecho que el director sea Alberto Rodríguez, del que he visto tres películas que me han gustado: La isla mínima, El hombre de las mil caras y Modelo 77. 

En 7 vírgenes la temática está alejada de las que había visto antes de Rodríguez. Aquí se trata de una película de adolescentes que viven en barrios marginales de Sevilla, entregados al trapicheo de droga, pequeños hurtos y violencia. Me recuerda a las películas sobre quinquis que se hicieron en, más o menos, la segunda mitad de los 70 y primera de los 80. Estaban las películas de José Antonio de la Loma, más bien toscas y chapuceras aunque entretenidas, y las de Eloy de la Iglesia, de mejor factura y marcadas por la fuerte personalidad del realizador guipuzcoano, que quedó encasillado en el cine quinqui cuando tiene películas muy variadas, siendo mi favorita La semana del asesino. Y también está el precedente de Deprisa, Deprisa de Carlos Saura, que hizo una buena película y ganó el Oso de oro de Berlín. 

Pero, aunque no sea exactamente cine quinqui, la película de Rodríguez también me ha recordado mucho a Barrio, la película de León de Aranoa. En Barrio, tres adolescentes llevaban una vida marcada por la precariedad económica de sus familias y, aunque no se dedican a delinquir, su futuro no promete más que el de los protagonistas de 7 vírgenes. No salían de las calles de su deprimido barrio igual que los protagonistas de 7 vírgenes no abandonan, salvo un momento en un centro comercial para robar una cartera, las calles de suburbios marginales de Sevilla. 

En el film de Rodríguez, la acción se inicia con el permiso de 48 horas que tiene Tano, un joven adolescente que está encerrado en un reformatorio. Se le da ese permiso para que asista a la boda de su hermano y lo aprovechará para vivir esas horas, junto con su amigo Richi,  cómo él entiende que se ha de vivir la vida, en libertad. Y esa libertad consiste en cometer pequeños hurtos, retomar una intermitente relación con su novia, consumir droga, ir de fiesta con los colegas y meterse en peleas callejeras con bandas rivales. Esas horas de libertad acabaran con la trágica muerte de Richi y un viaje a ninguna parte de Tano reflejado en una carrera hasta que la cámara se detiene en un plano fijo. 

La película tiene algunos problemas en su guion como el que haya personajes secundarios, como el hermano de Tano y la novia, que quedan apenas esbozados sin desarrollar, cosa que hubiera beneficiado también al personaje principal Por otro lado, la interpretación de Tano y Richi a mi me ha dejado un poco frío, tal vez en este tipo de películas se necesita más la energía y brío que podía dar  dirigiendo Eloy de la Iglesia. O, comparándolos con los chicos de Barrio, León de Aranoa construye unos personajes mucho más desarrollados y los de 7 vírgenes son demasiado esquemáticos.

En todo caso, y aunque no me haya parecido una película redonda, 7 vírgenes es una película que se deja ver con agrado. 

EL LADRON DE BAGDAD

 

Veo El ladrón de Bagdad, una de la películas favoritas de mi padre, y me lo paso muy bien con esta fantasía oriental. Rodada en 1941, me imagino que debió servir de válvula de escape, y se lo pasó igual de bien que yo, la sufrida población civil británica en el que posiblemente fue el año más duro de la II Guerra Mundial. 

Me parece que es una película de productor, un poco en la línea de Lo que el viento se llevó en la que participaron varios directores aunque solo esté acreditado Victor Fleming. En esta producción de Alexander Korda hay tres directores acreditados, el gran Michael Powell junto con Tim Whelan y Ludwig Berger, a los que no conozco pero leo que Berger fue un cineasta alemán que trabajó en la década de los veinte en su país natal. No me extrañaría que también William Cameron Menzies, que aparece acreditado como productor ejecutivo, y tal como hizo en Lo que el viento se llevó, hubiera rodado alguna escena. Así era el cine en los años 30 y 40, los estudios eran una factoría en la que podía firmar una sola persona como director o guionista y, en muchas casos, había participado mucha gente.   

Tengo la sensación que El ladrón de Bagdad es una película muda. Por supuesto, está la maravillosa música compuesta por Miklos Rozsa pero los diálogos son perfectamente prescindibles y la fuerza de las imágenes explica por sí sola la película. Muchas secuencias tienen reminiscencias del cine expresionista alemán (¿influencia de Berger?) aunque también tenemos elegantes movimientos de cámara (¿influencia de Powell?). Y los efectos especiales, como el del caballo de juguete cabalgando por el cielo de Bagdad, aunque ahora puedan parecer cutres a las nuevas generaciones, siguen funcionando muy bien dentro de la película. Y también sirvieron de inspiración en películas posteriores ya que, cuando Sabú lucha con una araña gigante, me ha recordado una escena prácticamente idéntica de El increíble hombre menguante.

Hay otro elemento muy importante que conecta la película con el expresionismo alemán y es la participación, como el villano Jaffar, del gran Conrad Veidt, el Cesare de El gabinete del doctor Kaligari. Veidt era un actor maravilloso, vemos su rostro en un primer plano al inicio de la película y notamos en un milisegundo la maldad del personaje. Si un actor de la película no necesita de una línea de diálogo para transmitir emoción, ése es Veidt.  Una lástima que muriera de forma prematura en 1943 y que actuara en pocas películas cuando llegó a Hollywood. Además, es humillado por el merluzo Victor Laszlo en la escena en que se canta La marsellesa en Casablanca, aunque es un honor ser tiroteado por Bogart junto al teléfono del aeropuerto en el final de la película. 

Veidt sería más malo que la tiña en sus películas, pero se exilió de Alemania en los años 30 y fue un convencido antinazi, manifestando públicamente estar a favor de los derechos de judíos y  homosexuales, así como igualdad entre hombres y mujeres. 

Jaffar es el visir de Ahmad, el rey de Bagdad, y al principio de la película maquinará con gran vileza destronar a Ahmad y sucederle como rey. Pero lo que mueve la acción de la película es la obsesión erótica que tienen tanto Jaffar como Ahmad por la bella June Duprez, que interpreta a la princesa de Basora. Desposeído de su reino y arrastrado a la indigencia, Ahmad se hará amigo del simpático Sabu, el ladroncillo de Bagdad, Juntos y después de mil peripecias, Sabu llegara en una alfombra voladora antes que vayan a ejecutar a Ahmad, el pueblo se rebelará contra Jaffar y. de un certero tiro con una ballesta, acabara con Jaffar que intenta huir en el caballo de juguete por los cielos. Ahmad se casara con la princesa y Sabu partirá en una alfombra voladora a la búsqueda de aventuras. 

El ladrón de Bagdad es una obra maestra del cine de aventuras y fantástico. Con ese technicolor chillón e irreal, son 100 minutos de fantasía y evasión.