LA BUENA ESTRELLA

 

Veo La buena estrella (1997), de Ricardo Franco y protagonizada por Antonio Resines, Maribel Verdún y Jordi Mollà.

Un carnicero (Rafael) que lleva una vida triste y solitaria para la furgoneta que conduce cuando ve a un joven (Daniel) apaleando a una chica (Marina). Recoge a la chica y se la lleva a casa. Marina es una desgraciada, de un orfelinato pasó a la calle, a la marginalidad en la que conoció a Daniel que tiene el mismo origen. Ella está embarazada y formará una familia con Rafael, cosa que en principio hubiera sido imposible para él pues sufre problemas de impotencia. Una vez nace la niña, Rafael la reconoce como suya, son felices y todo va bien hasta que Daniel, que ha estado una temporada en la cárcel, se interpone en sus vidas.

Se presenta en casa de Rafael y Marina apurado después de que le han dado una paliza y, ante las reticencias de la segunda, Rafael le abre la puerta. Lo acogen, lo curan y lo que va a ser, en principio, una estancia de pocos días se prolonga en una de varias semanas, tiempo suficiente para que Marina y Daniel retomen una relación sexual apasionada, ante la mirada angustiada de Rafael que, no obstante, tiene una actitud tan tolerante que empiezan a vivir los tres en armonía con la niña.

Cuando finalmente Daniel se va, al cabo de un tiempo llama pues necesita ayuda y Marina acude a su llamada dejando a Rafael y la niña. Volverá más tarde, embarazada de nuevo, una vez ha fracasado un atraco a un banco en el que participaba Daniel, que da con sus huesos en la cárcel. Gravemente enfermo, es excarcelado, volviendo a vivir todos juntos, y ante la cruel agonía que sufre, Marina le ahorrará sufrimiento matándolo con una escopeta de caza y, en el epílogo, Rafael dirá que ella murió pocos meses después y él tiene como razón para vivir cuidar de las dos pequeñas.

Premiada con varios Goya, entre ellos el de mejor película y director, es una historia emotiva, bien narrada, con un guion sólido, sobre unos personajes desdichados y las satisfacciones y renuncias que, en el triángulo que forman los protagonistas, efectúan por amor, así como por solidaridad y agradecimiento. Bien interpretada por los tres actores, especialmente Resines en un papel dramático, no es una película que considere imprescindible pero sí apreciable y merece un visionado. 

POBRES CRIATURAS

 

Veo Pobres criaturas, multinominada a los Óscar, con críticas favorables de manera casi unánimes, alabando al director Yórgos Lánthimo, del cual no había visto ninguna película y, en definitiva, la película de moda y gran favorita para ganar esos premios Óscar pues creo que puede ser del gusto de la gente de la Academia.

Es una película de cine fantástico, con muchos toques de comedia, en la que un científico estilo barón Frankenstein recoge el cuerpo muerto de una mujer, que se ha suicidado estando embarazada, y la revive insertando en su cerebro el del nonato feto que portaba. Esa mujer adulta, con cerebro de bebe, se llama Bella e irá madurando a lo largo de la película, evolucionará desde la más absoluta inocencia con ganas de descubrir y experimentar; abandonará a su creador y viajará por el mundo con un abogado libertino que la introducirá en el mundo del sexo, muy presente en toda la película, y ejercerá de protector controlando su vida. Más tarde, empezará a perder ese control sobre Bella, de manera ingenua ella entregará todo el dinero a los miembros de la tripulación de un barco y, estando sin medios económicos, se prostituirá en París. Localizada por el ayudante del científico y de vuelta a Londres, dará con ella el marido que tuvo cuando se suicidó que manifiesta, en realidad, se llama Victoria y ella se irá con él para descubrir cosas sobre su pasado dándose cuenta de que el suicidio fue por huir de su marido por su conducta violenta. Al final, todo se arregla, volverá a tiempo para dar el último adiós al científico, casarse con su ayudante, convertir al que fue su marido en una cabra y llevar una tranquila y apacible vida familiar.

Lánthimo rueda con gran ampulosidad, mezclando el color con el blanco y negro, usando el gran angular en planos para distorsionar el espacio, con unos decorados y vestuario estrambóticos, y con muchos movimientos de cámara. Todo esto me parece bastante pretencioso porque, detrás del envoltorio, alargado de manera excesiva hasta los 144 minutos, hay una historia que no me interesa demasiado. Hay un exceso de artificio en la película para explicar lo oprimida que estaba esa mujer en la Inglaterra vitoriana y su proceso de empoderamiento femenino, muy acorde a estos tiempos que vivimos, con particular atención al desacomplejado modo en que la protagonista  afronta su vida sexual.

Es una película que puede tener algunos méritos, como el elenco de actores comenzando por Emma Stone en un papel apropiado para lucirse, pero creo que está sobrevalorada aunque, tal vez por eso, le auguro muchos premios en la ceremonia de los Óscar.

 

 

EL JARDIN DE LOS FINZI CONTINI

 

De manera simultánea, leo la novela de Giorgio Bassani El jardín de los Finzi-Contini y veo la adaptación cinematográfica que rodó en 1970 Vittorio de Sica.

La novela se desarrolla en Ferrara retratando miembros de la comunidad hebrea de la ciudad, siendo los protagonistas el hijo de una familia de clase media burguesa llamado Giorgio, y los hermanos Mikól y Alberto que son los hijos de una acaudalada familia que vive en una mansión con un gran jardín, pista de tenis incluida, que da título a la novela. En la primera parte, situada a finales de los años veinte, los personajes son niños que no tienen gran relación entre ellos y se encuentran sobre todo en la sinagoga, estableciéndose entre ellos contacto visual, salvo en un momento en que Girorgio pasa por al lado del muro del jardín y Mikòl está en lo alto, iniciándose un diálogo corto pero que marca la fascinación que siente el primero por la chica y que se convertirá en el motor de la novela.

La acción da un salto de varios años para situarse en 1938, año en que Mussolini promulga las leyes raciales y la comunidad hebrea empieza a sufrir hostigamiento, como ser expulsados del club de tenis, aunque el padre de Giorgio perteneciera al partido fascista. En este período sí que hay relación social entre los personajes que están en edad universitaria, frecuentemente jugando a tenis durante el verano, y añadiéndose otros personajes entre los que destaca Giampiero, un milanés ya más próximo a los 30 que trabaja como químico. La novela describe la pasión de Giorgio hacia Mikól, que no puede materializar pues ella se deja querer para rehuirle constantemente, sus encuentros y desencuentros mientras se produce el estallido de la II Guerra Mundial y el clima se hace más irrespirable para la comunidad hebrea. Una noche que Giorgio vuelve a casa, después de haber salido con Giampiero que lo lleva a un prostíbulo, tiene una conversación con su padre en la que éste le dice que se olvide de Mikòl, que no puede haber nada entre ellos por la diferencia de clase social. Giorgio se resigna, aunque va a parar al muro del jardín en el punto en que habló por vez primera con la chica, sube por una escalera y se introduce en el jardín, teniendo la intuición que Mikól tiene una relación con Giampiero y que éste último accede a la casa por ese mismo punto.

En el epílogo, Giorgio, que ha narrado la novela en primera persona, informa del destino de los personajes. Alberto había muerto por un tumor maligno antes de que la familia fuera apresada en septiembre de 1943, Mikól incluida, y llevados a Alemania tras haber estado previamente en campos de concentración italianos; mientras que Giampiero, ferviente comunista, desaparece en el frente ruso.

La novela entrelaza una historia intimista, de obsesión erótica no correspondida, con el retrato de la comunidad judía de Ferrara en un momento especialmente triste de la historia italiana cuando la promulgación de las leyes raciales parecía un punto de no retorno, como así fue, en la actitud de Mussolini arrastrando a la ruina a la nación.

La adaptación cinematográfica de De Sica tiene un buen nivel, aunque inferior a otras obras del gran director italiano.  Básicamente, sigue el argumento de la novela si bien la relación entre Mikól y Giampiero, que en la novela es sospechada de manera razonable por Giorgio, aquí se muestra de manera muy explícita. Por otro lado, introduce una escena en que los partidarios de la República Social de Mussolini llevan una lista con los miembros de la comunidad y se muestra como apresan a casi toda la comunidad judía de la ciudad, entre ellos la familia de Mikòl, menos su hermano Alberto, muerto previamente, y que es el último miembro de la familia enterrado en el panteón.

La película es irregular, carga más el aspecto político como una escena que hay un desfile fascista que no está en la novela. Parece que De Sica necesite con esos añadidos subrayar la condena del fascismo y la posición que tuvo respecto a la comunidad hebrea, mientras la novela no necesita tanto mostrar ese contexto, que igualmente queda bien reflejado en la obra escrita, y da mayor protagonismo a la evolución del narrador, su desengaño amoroso y el tránsito de la juventud a la madurez con sus ilusiones rotas por motivos personales y políticos.

El elenco de actores, compuesto por Dominique Sanda, Lino Capolichio, Helmut Berger y el exconcursante de Gran Hermano VIP Fabio Testi, era mejorable, ninguno consigue hacer una gran interpretación y no parece que tengan la fuerza que tenían otros personajes en anteriores películas de De Sica.  Son actores bastante mediocres. Además, la música, algunos zooms propios de los años 70 o la introducción un poco abrupta de algunos flashbacks juegan en contra de la película para hablar de una obra redonda. La película está bien, pero no está entre las más memorables de De Sica.

 

LA CARRETA FANTASMA

 

Hace 103 años que Victor Sjostrom dirigió y protagonizó La carreta fantasma y resulta ser una obra espléndida que ha sido pionera influyendo en muchas películas y, por ejemplo, Ingmar Bergman decía que veía esta película al menos una vez al año.

Tres amigos borrachos están celebrando en la calle la Nochevieja y comentan la leyenda según la cual el último fallecido del año está condenado a penar, todo el año siguiente, llevando una carreta con la que irá recogiendo las almas de la gente que vaya muriendo hasta que se libere con el último fallecido del año siguiente. David Holm, alcohólico, tuberculoso, maltratador de su mujer e hijos y hombre que ha fallado en su reinserción, guardando rencor contra todo el mundo, es quien muere con la última campanada del año. El conductor titular de la carreta se dispone a abordar el alma de Holm una vez ha muerto y le dice que ha de asumir la ingrata tarea, siendo el primer “cliente” una chica del ejército de salvación que, con una excesiva buena voluntad, intentó mediar entre Holm y su mujer, habiendo contraído la tuberculosis que la lleva a la muerte por culpa de Holm. Sobrecogido por el horror de la situación, Holm se niega a aceptar el relevo y todavía más cuando, desde ese inframundo en el que habita su alma, ve la situación actual de mujer e hijos y se confirman sus sospechas que, si le han llevado allí, será porque va a suceder un suicidio y filicidio. Aunque sea forzado, la película acabará bien como no podía ser de otra manera en 1921.

Viendo la película, uno no puede evitar pensar en El séptimo sello con ese conductor de la carreta portando una guadaña y recogiendo las almas de los muertos. Luego está la sorpresa de ver una escena que replicaría Stanley Kubrick sesenta años más tarde en El resplandor cuando Holm, armado con un hacha y malas intenciones, destroza una puerta de madera para acceder a la habitación donde se encuentran su mujer e hijos. Otra influencia clara es la idea presente en ¡Qué bello es vivir!, pues el conductor de la carreta le muestra a Holm, desde su posición de persona ya no viviente, el dolor que ha causado en los demás y el irresponsable padre y marido se consume porque no puede evitar el mal que creó.

Sjostrom trabajó a base de superposiciones para crear los dos planos de realidad, la terrenal y aquella inmaterial en la que se mueve la carreta y sus guías recogiendo los muertos, consiguiendo el efecto fantasmagórico que necesitaba la historia. La película es muy brillante visualmente, sus efectos especiales impactaron en todo el mundo, pero también es muy interesante cómo cuenta la historia Sjostrom a base de flashbacks, y en algún momento alguno dentro de otro, con lo que es una narración bastante compleja para la época en que se rodó y explicada de forma brillante.

Es una historia, y esto también conecta con Bergman, de culpa y redención filmada con una fuerza arrebatadora, de la misma manera que seis o siete años más tarde Sjostrom filmó El viento junto a Lilian Gish. 

Obra maestra.

LA ZONA DE INTERÉS

 

Se estrena hace unas semanas La zona de interés, de Jonathan Glazer, y acudo a verla aunque, lamentablemente, me tengo que conformar con una versión doblada al castellano.

Creo que Glazer acierta en el sentido que nos da otra visión sobre cómo pensar el horror que tuvo lugar en Auschwitz y, paradójicamente, descansa sobre el hecho de no mostrar eses horror de forma directa. Glazer nos muestra la vida del comandante del campo Rudolf Höss y su esposa Hedwig, que se han montado un pequeño paraíso terrenal junto a sus hijos a escasos metros de donde suceden algunos de los crímenes más brutales de la historia de la Humanidad. Es Hedwig quien más entusiasmada está con esa casa de la que disfrutan al punto que no quiere abandonarla cuando Rudolf es cambiado por un tiempo de destino.

Glazer no nos muestra ese horror de forma visual, pero sí a través de la banda sonora del filme con gritos, sonidos del tren, algún disparo, … O nos deja imaginar una figura que ayuda a los presos inserta en un cuento que Höss cuenta a sus hijos con imagen térmica nocturna, así como nos introduce en la perspectiva histórica con unas imágenes hacia el final del actual museo donde se encontraba el campo. La insensibilidad de los protagonistas también se pone de manifiesto con alusiones al posible destino de personas conocidas como presos sin darle ningún tipo de importancia.

Glazer experimenta en la realización de la película para mostrarnos la banalidad del mal con ese burócrata de la muerte, obediente a ciegas y como un autómata de las órdenes de Himmler, junto a su gélida, inhumana e impasible esposa. Y consigue crear desasosiego al ver la película. 

ALAVÉS 1- BARÇA 3

 

El resultado de ayer confirma la reacción que, en realidad, solo ve Xavi, la parte oficialista del club y algún sector irredento de la prensa. El Barça metió 3 goles chutando, si no recuerdo mal, cuatro veces a puerta. Ayer se tuvo un índice de efectividad muy alto, Lewandovski y Gündogan hicieron aquello acorde a sus fichas y prestigio: marcar diferencias con dos extraordinarias definiciones, con buenas asistencias del alemán para el polaco en el primer gol, y de Pedri con un toque maestro para el alemán de origen turco en el segundo. Remató la faena un Tigrinho que ha encadenado dos partidos marcando, abriendo la puerta a la esperanza que no sea un fichaje fallido de los que nos ha traído en los últimos años el infame Cury, siendo luego expulsado de manera injusta.

Las habituales desconexiones defensivas también se dieron en algunas fases del partido, si bien ayer no se pasó ningún apuro para mantener el resultado. Y sobresalió en la defensa Cubarsí, demostrando una jerarquía impropia de un chaval de 17 años.

Para hablar de reacción se tendrá que esperar unas semanas y ver si se consolida una buena racha en la Liga además de eliminar con solvencia al Nápoles. De momento, se ha frenado la sangría que parecía asomaba tras el 3-5 del Villarreal. Tampoco parece que Xavi, en el fondo, esté muy seguro de esa reacción. En previsión del probable 0 de 4 títulos de la temporada, y poniéndose la venda antes que la herida, hizo de nuevo el ridículo en la sala de prensa achacando a los árbitros que el Barça no gane la Liga. Su ocupación y preocupación debería ser que el Barça jugara bien a fútbol, principal premisa para que, árbitros al margen, se pueda ganar algo. 

LIBRE

 

Libre, a parte de ser el título de una gran canción de Nino Bravo, también es el título de un libro de la escritora albanesa Lea Ypi, con un subtítulo bastante largo: El desafío de crecer en el fin de la historia.

Efectivamente, si muchos creyeron que cuando se alcanzara la democracia liberal eso significaba una sociedad sin contradicciones como última etapa de una evolución histórica, Ypi explica sus vivencias en un país como Albania que, junto a los demás de la Europa del Este, hizo una rápida  y caótica transición en esa dirección a partir de 1990.

Ypi, nacida en 1979, tenía seis años cuando muere Enver Hoxha y sus recuerdos son de veneración hacia el tío Enver y de adoctrinamiento en el colegio, desde los primeros cursos de primaria, sobre las bondades del régimen comunista albanés y su pureza, pues habían roto sucesivamente con los yugoslavos, soviéticos y chinos hasta quedarse solos.

Con sus ojos de niña, Ypi no capta lo alienada que estaba la sociedad albanesa y solo luego, con el transcurso de los años y el colapso del régimen, empieza a entender como sus padres y otra gente hablaban en clave, siempre atentos a la policía secreta y, en el caso de su familia, con antecedentes de haber contado con cargos importantes en la época de la monarquía del rey Zog, que fue depuesto por la invasión de Mussolini en 1939. Aunque su padre y madre no pensaban igual en cuanto a ideas políticas, ambos eran disidentes en silencio que, tras la caída del comunismo, participaron en la vida política de la nueva Albania.

Siendo preadolescente, y como una ficha de dominó más a partir de la caída del muro de Berlín, Ypi ve el derrumbe del régimen, simbolizado con demoler la estatua de Hoxha, y la apertura de un período que ella, y su familia, acogen con esperanza. El paso a la democracia liberal supuso que llegaran asesores extranjeros del Banco Mundial y otras instituciones explicando cómo tenían que organizar los albaneses su economía. De un estado que tenía todos los medios de producción, e intervenía todos los aspectos de la economía sin iniciativa privada, se pasa a un estado liberal, en el que deben hacerse ajustes, reducir el sector público, cerrar empresas que no son rentables y liberalizar todos los mercados, provocando una gran crisis y una corriente de emigración ilegal, especialmente de embarcaciones que llegaban a la cosa italiana.

Durante esos años en que se articula una democracia según los cánones occidentales, una parte de la población quedó marginada socialmente aumentando las desigualdades y, por otra parte, la falta de regulación del mercado financiero favoreció la aparición de empresas financieras que empezaron a captar ahorros de la gente a los que le iban mejor las cosas para acabar haciendo la típica estafa piramidal financiera. Eso acabó arruinando a gran parte del país, provocando una gran inestabilidad y, coincidiendo con el momento en que Ypi acaba la enseñanza secundaria, desencadenando una pequeña guerra civil en 1997. Los graves problemas económicos creados por las estafas piramidales, y el hecho que las instituciones políticas no se hubieran desarrollado en siete años con la debida fortaleza, dio paso a ese período de anarquía, con miles de armas circulando por el país y solo se pudo reconducir la situación con la intervención de fuerzas militares extranjeras, básicamente italianas, actuando bajo patrocinio de la ONU.

Ypi reproduce su diario de 1997 y la angustia en la que se desarrolló su último año académico antes de la Universidad, con las clases cerradas y gente con armas disparando a diestro y siniestro. La ilusión que tenía en 1990 cuando parecía que el país se iba a occidentalizar y prosperar había finalizado. Había visto como esos extranjeros que les pedían que abandonaran el comunismo luego les negaban la posibilidad de establecerse en la Unión Europea y empujaban a los albaneses a la inmigración ilegal y, en muchos casos, a la marginalidad.

Gracias a una beca, y a una mejora de la situación de su familia, a ella le fue bien, hizo carrera universitaria en Italia, luego en Inglaterra y ahora es profesora de Teoría Política en Londres especializada en el marxismo. Y ha hecho un libro de memorias sobre lo que pasó en su país desde 1985 a 1997 muy entretenido e interesante.

 

 

 

 

 

 

 

 

DOS MUJERES

 

Dos mujeres (1960), es una espléndida película de Vittorio De Sica, basada en una novela de Alberto Moravia titulada La campesina.

La película tiene lugar en la convulsa Italia de los años 1943 y 1944. Cesira, una madre interpretada por Sophia Loren y su hija de 13 años, llamada Rosetta, abandonan Roma tras un bombardeo aliado para ir a una región montañosa de la que es originaria la madre. Durante el viaje, vemos que todavía no se ha producido el arresto de Mussolini y en un tren viajan tranquilamente con un grupo de soldados alemanes. Al llegar a la zona de donde es nativa, entre sus antiguos vecinos se encuentra un joven intelectual que simpatiza con los comunistas, llamado Michele e interpretado por Jean Paul Belmondo, y con el que nace una atracción con Cesira y una figura paternal para Rosetta.  Se suceden los acontecimientos bélicos en la península y llegan noticias de la destitución de Mussolini, su arresto, el armisticio con los aliados y la ocupación militar de las fuerzas germanas que ya se encontraban en el país. Los alemanes, que se baten en retirada, capturan a Michele y le obligan a irse con ellos como guía al conocer el terreno. Posteriormente, Cesira y Rosetta deciden volver a una Roma que ya ha sido liberada y, en la escena más sobrecogedora de la película, son salvajemente violadas en una antigua iglesia por una partida de soldados africanos provenientes de las colonias francesas que operan como tropa auxiliar de los aliados. Después de ese impacto, y perdida la inocencia de Rosetta, la chica desaparece para estar con un joven de un pueblo por el que pasan y que le regala unas medias de seda. Cesira se indigna y la abofetea, pero luego le dice que se ha enterado de la muerte de Michele, Rosetta empieza a llorar y la madre acaba consolando a la hija.

De Sica ya había realizado películas describiendo momentos dramáticos de la historia de Italia, tanto en el período bélico como en El general de la Rovere, o en la inmediata postguerra como en El ladrón de bicicletas. Su habilidad para narrar con fuerza y gran emotividad una historia dramática, con tintes neorrealistas, seguía inalterada. Aquí se centró en un personaje femenino adaptando la novela de Moravia y Sophia Loren está magnífica. No es de extrañar que ganara varios premios con su interpretación, entre los cuales estuvo el Óscar de ese año.

La película transcurre durante un período especialmente confuso de la historia de Italia. Unos aliados que pasaron a ser ocupantes, unos invasores que pasaron a ser libertadores, una guerra civil entre italianos pues unos siguen siendo fascistas y otros se convierten en partisanos y, mientras tanto, la gente humilde que vive en ese medio rural soportando todos los horrores que conlleva el conflicto bélico. Y Cesira, mujer independiente que se vale por sí misma como se demuestra al principio del filme cuando, estando en Roma, tiene un encuentro sexual con el carbonero del barrio (Raf Vallone) y luego lo rechaza; se convierte en una luchadora tratando de salir adelante en una Italia rota y arrasada viendo, en otro momento sobrecogedor, como una madre que ha perdido a sus hijos vende su leche materna o no tiene más remedio que hervir hierbas para encontrar algo de alimento para su hija.

Gran película de Vittorio de Sica.