EL DÉSPOTA

 

El déspota es una divertida comedia de David Lean filmada en 1953, antes que el director inglés emprendiera las superproducciones que más fama y premios le dieron.

Charles Laughton es el propietario de un taller de zapatería con venta al público, un negocio que marcha bien en la ciudad de Manchester y su situación personal es la viudedad con tres hijas ya en edad de casarse. Laughton trata de manera despótica a sus hijas aunque, viendo inevitable que por edad vayan a casarse, consentirá en que lo hagan las dos menores pero no la mayor, interpretada por Brenda de Banzie, ya que quiere alguien cercano que le cuide. La hija mayor, auténtica  Deus ex machina de la película, maniobrará para frustrar los planes de su padre casándose con el operario del taller, un hombre hábil para la zapatería pero de baja extracción social interpretado por John Mills, y fundando con él un negocio que competirá directamente con el de Laughton. Propiciará también que sus hermanas se casen con sus prometidos y acudirá finalmente en rescate de su padre, que ha acabado solo, con problemas de comportamiento derivado de su alcoholismo y no aceptación de su marginalidad y desmoronamiento en la relación con sus hijas; y reestructurarán el negocio en una sociedad que recogerá los apellidos de los personajes de Laughton y Mills.

Al lado de películas tan potentes como Lawrence de Arabia o Doctor Zhivago, podríamos decir que es una película menor pero agradable de ver y no exenta de puntos fuertes como las interpretaciones de todo el elenco de actores y, especialmente, del trío protagonista. Además, plantea de manera aguda, en el contexto de una obra ambientada en la Inglaterra victoriana, las relaciones de clase y la batalla de los sexos denunciando el machismo, la hipocresía, la opresión a las clases sociales más desfavorecidas y un mercantilismo más bien deshumanizado.

Lean filma con su elegancia habitual, destacando por ejemplo la noche en la que se produce la primera relación entre Mills y De Banzie tras contraer matrimonio, con esa puerta que se cierra quedándose la cámara en el taller mientras los protagonistas han subido a la casa y la aparición de sus rostros, feliz pero muy contenida, en la escena siguiente ya por la mañana. Lean sabía hacer cine. Y va dejando esas pinceladas a lo largo de la película.

 

LA COMMARE SECCA

 

La opera prima de Bernado Bertolucci se tituló La commare secca y fue rodada en 1962 cuando el director era muy joven, teniendo en ese momento 22 años.

Es una película pasoliniana. La historia es de Pasolini y el guion fue escrito por Bertolucci junto a otro hombre cercano al director boloñés como era Sergio Citti. Y la historia retrata un mundo que despertaba el interés de Pasolini desde que asesoró a Fellini en Las noches de Cabiria o acabó dirigiendo a principios de los sesenta Accatone y Mamma Roma: el mundo de la marginalidad en el que encontramos chulos, macarras, putas, traficantes de droga, ladronzuelos y demás ralea, normalmente en el extrarradio de alguna gran ciudad como Roma o Milán.

La commare secca se abre con la aparición en un parque del cadáver de una prostituta. Un poco  en la línea de Rashomon la policía interroga a diversos sospechosos que estaban por el parque en ese momento y explican sus historias y coartadas. A través de varios flashbacks, interrumpidos por una cortina de agua producida por una lluvia fuerte que cae según se ve a través de una ventana en un plano que se repite con cada testigo, desfilan un ladrón, un chulo, un soldado y una gamberra pareja de adolescentes. Veremos sus miserias, su marginalidad e incluso una tragedia cuando uno de los adolescentes se ahoga en el Tíber perseguido por un homosexual al que han intentado robar. Un último flashback resolverá el misterio de quien ha asesinado a la prostituta.

Buen debut de Bertolucci. Con menos pretensiones que en La estrategia de la araña, utiliza los flashbacks de manera más clásica y a mí me gusta más así, contando las cosas de manera más sencilla. Y filma de manera brillante muchas escenas como la inicial en la que se descubre el cadáver después de un travelling sobre la hierba.

La investigación policial se sigue solo a través de una voz en off que va preguntando a los sospechosos. Aunque se resuelve al final quien mató a la chica, lo importante es más la crítica social que la investigación criminal.  Con una forma de filmar cercana al neorrealismo de finales de los 40, esta película, junto a otras de Pasolini en estos primeros años de la década de los 60, denuncian que en la Italia que ha empezado a prosperar sigue habiendo mucha gente próxima a la exclusión social. Así, en la mayor parte de la película los escenarios son barrios marginales situados en el extrarradio de Roma y, únicamente en el  flashback del soldado, aparece un monumento muy reconocible como es el Coliseo.

 

 

 

HISTÒRIA D'UN SENGLAR

 

Voy a ver con Jordi (reincidente como espectador de la obra) Historia d' un senglar (o alguna cosa de Ricard), con texto de un autor uruguayo, Gabriel Calderón, e interpretada por un único actor, Joan Carreras.

Un actor está ante su gran oportunidad, interpretar el papel principal de Ricardo III, la obra de Shakespeare. Y nos enseñará como prepara la obra, nos explica el argumento en cada acto, nos habla de Ricardo, recitará los monólogos de los personajes femeninos de la obra; pero también nos mostrará su lado oscuro como actor, su resentimiento y sus diatribas contra el director, compañeros de reparto, el mundo de las subvenciones teatrales e incluso el propio público. Un acto hostil hacia el teatro desde el propio teatro a cargo de un actor. Y actor y Ricardo van confluyendo a lo largo de la obra hasta ser indistinguibles. Carreras acepta el trabajo de actor y deja que, como si fuera un espejo, Ricardo se refleje en él. Como espectadores, nos ponemos delante del espejo que Carreras nos brinda en el escenario y también podemos preguntarnos cuánto de Ricardo hay en nosotros.

Carreras está inmenso, interpretando diferentes papeles, adoptando varios registros, moviéndose por el reducido escenario con energía y llenándolo él solo con su presencia.

Acabada la obra, Carreras recibe la merecida ovación de un público mayoritariamente puesto en pie.

LA MOSCA

La mosca es un clásico de ciencia ficción de los años 50  cuya revisión no molesta y es agradable de ver.

Dirigida por Kurt Neumann, la película empieza con un hombre que, aparentemente, ha sido asesinado por su mujer en una prensa hidráulica. La viuda muestra una actitud de aparente enajenación mental y su cuñado, interpretado por Vincent Price, se desvive por protegerla. Cuando, tras unos días de reclusión domiciliaria, la policía va a detenerla será el momento en que, en un largo flashback, explique que su marido era un científico que logró la proeza científica de conseguir la teletransportación de objetos o seres vivos. Como en uno de los ensayos, en los que se teletransportaba él mismo, se mezcló una mosca el resultado es que se fusionaron los átomos de hombre e insecto y, a medida que avanza el tiempo, se va convirtiendo más en mosca que en ser humano. Al no poder recuperar la mosca con la que se ha mezclado, y entendiendo irreversible la situación, pedirá a su mujer que le facilité el suicidio utilizando la prensa y, una vez aplastado, no quedará rastro de su forma de mosca. Acabado el flashback, Price se esforzará en encontrar la mosca que tenga características humanas como prueba que su cuñada no está loca. Logrará encontrar la mosca, junto a un policía interpretado por Herbert Marshall, en una tela de araña y ambos pensarán como dar verosimilitud a la idea de un suicidio para encubrir una historia tan fantástica.

La historia de la película está bien construida y dirigida por eficacia por Neumann ya que, aunque prácticamente no hay efectos especiales, crea una tensión e intriga sobre el experimento científico y prepara el terreno para la aparición del científico convertido ya en mosca ante el horror de su mujer. Además de Price, actor de solvencia más que contrastada, también hacen unas buenas interpretaciones David Hedison y Patricia Owens.

La película plantea cuáles han de ser los límites de la ciencia, algo que empezaba a preocupar en los años 50, después de las explosiones atómicas, y que sigue siendo objeto de debate hoy en día. Lógicamente, adopta una postura conservadora y la película viene a decir que es mejor no jugar con fuego.

 

 

 

FRENCH CONNECTION 2

 

Tardaron cuatro años en realizar una secuela de French connection y el encargado de dirigirla fue John Frankenheimer, un tipo con algunos filmes muy interesantes como El mensajero del miedo o Siete días de mayo.

Si, en la primera película, la acción se iniciaba en Marsella pero se desarrollaba todo el resto del filme en New York; aquí la acción transcurre exclusivamente en la ciudad francesa. Popeye, policía rudo, demasiado honesto y por tanto poco inteligente, llega a Marsella y, sin que en principio él lo sepa, es usado como cebo por la policía francesa para atrapar al narcotraficante Alain Charnier, al cual le tiene ganas desde que se escapara en el desenlace del original. Popeye se muestra torpe, fastidia con su intervención la presencia de un confidente de la policía que es asesinado y se deshace de los hombres que le siguen de la policía francesa puestos para protegerle. Entonces es secuestrado por los hombres de Charnier, que le someten a un proceso intensivo de drogadicción inyectándole heroína.  Aunque lo más sensato, una vez averiguan que Popeye no sabe gran cosa de su organización, hubiera sido matarlo como debieron hacer los indios con los caballos de la diligencia, y con el pretexto que la policía lo busca y perjudica sus operaciones; los delincuentes liberan a Popeye. Una vez liberado, la policía francesa lo somete a un proceso forzado y rápido de desintoxicación. Cuando Popeye ya está recuperado, y después de tener algunos encontronazos con el mando policial Barthelemy, logran penetrar en la estructura que  Charnier tiene montada en unas calles cercanas al puerto marsellés. Charnier intenta huir, llega al puerto y sale en una embarcación pero Popeye, que le persigue por los diques, consigue finalmente tenerlo a tiro y ajusticiarlo.

No es una secuela que aporte gran cosa a lo ya visto en el original, una película de acción muy conseguida y que fue un gran éxito de taquilla, pero tampoco molesta. Empieza de manera bastante ágil cuando Popeye llega a Francia y se mantiene así hasta que es liberado después de haber estado secuestrado y sometido a las inyecciones de heroína. A partir de ese momento, la película se vuelve un poco más pesada, tanto cuando es sometido a la desintoxicación hasta la larga persecución que da lugar a desarticular la organización.

Hackman y Rey se mantienen en sus papeles actuando con la misma solvencia que en la película anterior pero, ciertamente, la película es una secuela en la que los personajes tampoco puede aportar más de lo que ya hicieron anteriormente.

 

HISTORIA DE UN CRIMEN

 

Historia de un crimen, de Víctor Hugo, es un libro que recorre los cuatro días en los que Luis Bonaparte, presidente de la  República Francesa, da un golpe de estado y disuelve la Asamblea Nacional.  El golpe tuvo lugar el 2 de diciembre de 1851 y es que a Bonaparte se le acababa el mandado de presidente de 4 años que, constitucionalmente, no podía ser renovado. Como añagaza para atraer el favor popular, prometió el restablecimiento del sufragio universal que, una Asamblea inclinada hacia la derecha, había derogado unos meses antes. En realidad, sus intenciones eran imponer un régimen autoritario y pocos meses después se iniciaba de nuevo el Imperio y Bonaparte era coronado como Napoleón III.

Hugo era miembro de la Asamblea Nacional y, desde el principio del golpe, manifiesta su absoluto rechazo. De hecho, él ya había cuestionado la figura de Bonaparte cuando el futuro emperador interviene militarmente en Italia a favor del Papado estando ese tipo de intervención en el extranjero vedada por la Constitución.

En muchas de las cosas que explica, Hugo las vive en primera persona y era uno de los referentes de los miembros de izquierda de la Asamblea. Otros hechos los cuenta según le han sido relatados de primera mano por los protagonistas. El relato es vigoroso, apasionado y comprometido con la causa que defiende.

Durante los días 2 y 3 de diciembre, una parte de la Asamblea se resiste al golpe, celebran reuniones clandestinas, intentan utilizar imprentas para hacer llegar panfletos y movilizar a la población (especialmente los obreros) e incluso hacen acopio de armas y pólvora para enfrentarse militarmente al ejército que, mayoritariamente, se ha inclinado por Bonaparte. El día 4 de diciembre, con varias barricadas diseminadas por la ciudad como efecto de la resistencia de Hugo y sus colegas, el ejército entra a sangre y fuego por las calles de Paris, arrasa las barricadas y se produce un número importante de víctimas mortales. A partir del 5 de diciembre, constatando que la resistencia al golpe ha fracasado, a Hugo y otros asamblearios no les quedará más remedio que tomar el camino del exilio y el gran escritor lo pasará en Bélgica e Inglaterra.

Para Hugo, Francia era el faro de Europa en cuanto a poner en práctica los principios revolucionarios y que el poder reside en la soberanía nacional; y Bonaparte lleva a cabo una política criminal con su golpe de estado.

Hugo insufla dosis de épica en su relato, por parte de sus correligionarios e incluso de sí mismo, retratándolos como gente dispuesta a morir por la libertad de la nación; pero las cosas no debían ir tan bien para la mayoría de la población ya que no hubo un levantamiento general contra el golpe y, aunque mucha gente perdió la vida, la represión fue de escasos días, relativamente significativa tan solo en París  y Bonaparte consolidó su poder durante dos décadas.

En las últimas páginas, y saltando al año 1870, Hugo explica la desastrosa batalla de Sedán que significó el fin de Napoleón III. Hugo lo retrata como un mal estratega que culmina sus numerosos desaciertos en esa batalla y, comparándolo con su supuesto tío (parece que el ADN no coincide), reconoce en Napoleón I una grandeza, incluso con su última derrota en Waterloo, que niega expresamente a Napoleón III.

 

 

 

 

LOS MISERABLES

Por recomendación de Jordi, veo Los miserables dirigida en 2019 por Ladj Ly, cineasta que hasta ahora solo ha realizado este largometraje y sí tiene en su haber cortometrajes y documentales.

La película me gustó mucho. Un policía apellidado con Ruiz se une a una brigada policial que lucha contra la delincuencia en Montfermeil, un suburbio al este de París. Forman parte de la brigada otros dos policías ya experimentados y que llevan patrullando esa zona desde hace tiempo y conocen todo lo que sucede en esa banlieu. Le enseñan al novato como controlan el barrio a base de establecer un pactismo con los colectivos del barrio ( traficantes de droga, salafistas, gitanos) para que la cosa no se desmadre mucho y haya una cierta paz en la zona. De los dos policías expertos, uno es un hombre de raza negra llamado Gwada que pertenece a la comunidad islámica y de hecho patrulla por lo que es su barrio. Mientras Gwada adopta un papel  más bien tranquilo y vigilante, guardando las formas, el otro policía, llamado Chris, es de raza blanca y se muestra muy nervioso, prepotente, chulesco y es capaz de hacer actuaciones que caen claramente en el abuso policial como cuando, en una parada de bus, asedia a dos chicas adolescentes por estar fumando.

Un pueril robo de una cría de un león en el circo de unos gitanos por parte de un niño del barrio dará lugar a un amago de estallido de violencia racial. La brigada se moviliza para localizar a la cría y pacificar el barrio usando sus poco ortodoxos métodos y, en un momento en que se enfrentan a unos críos de corta edad, Gwada se pone nervioso y dispara una pistola impactando a corta distancia una pelota de goma en el rostro de un niño que queda con la cara desfigurada. En ese justo momento se dan cuenta que hay un dron ( manejado por un niño que tiene uno de estos aparatos y lo usa sobre todo para ver a chicas desnudas pero que, casualmente, capta ese incidente) y harán lo posible para evitar que circule la grabación.  Gracias a la habilidad negociadora de Ruiz lograrán recuperar el dispositivo que contiene la grabación pero, al día siguiente, la patrulla sufre una emboscada por parte del chaval que ha quedado con la cara marcada y sus amigos. Atacados con cohetes de fabricación casera y haciendo entrar a los policías en un edificio que se convierte para ellos en una ratonera, ese estallido muy violento queda  abierto en cuanto a su resolución finalizando la película.  

Ly combina un thriller vibrante, entretenido, que no da un momento de respiro junto a una crítica social y la mezcla le sale muy bien. Las primeras imágenes del filme se corresponden con la celebración del Mundial 2018 que ganó Francia. En esas celebraciones, como ya pasó en la de 1998, se podría pensar que es un país unido y cohesionado pero, como otros países europeos, Francia está marcada por grandes desigualdades y el hecho que una gran parte de la población, jóvenes inmigrantes de etnia negra o àrabe y sin futuro, vive en esas zonas que se convierten en ghettos. El fútbol solo logra unir a la sociedad durante unas horas, las del partido y algunas más si una selección ha ganado algo importante.

La actitud de la policía en ese guetto es de una permisividad inquietante, manteniendo una relación de colegas con un cacique del barrio conocido como El Alcalde y que controla todos los asuntos turbios del lugar, pero tal vez sea la única manera de asegurar que el polvorín no estalle.  O al menos eso es lo que piensan Gwada y Chris ante el escepticismo de Ruiz.  Dentro del caos de la banlieu ya no tenemos referentes de quiénes son los buenos y quiénes los malos. Chris debería ser un personaje bueno por su oficio pero es retratado  prácticamente como un psicópata ( se muestra nervioso incluso cuando está en su casa con mujer e hijas)  mientras apreciamos mayor humanidad en un salafista que ha cumplido condena en la cárcel pero, una vez excarcelado, tiene un restaurante de kebab y lleva una vida tranquila mediando junto con Ruiz para que la tensión por la grabación del dron no provoque  males mayores.

La vida en la banlieu es dura, un cóctel de pobreza, precariedad laboral, desarraigo, células islamistas, traficantes de droga… Pero tampoco los tres policías, con trabajo fijo y se supone aceptablemente remunerado, parecen felices. Ly dedica tres escenas a mostrarnos su realidad después de la jornada laboral: Ruiz habla con su hijo por teléfono pero está solo (de hecho, ha pedido el traslado para poder estar cerca de él después de una separación); Gwada vive con su madre una existencia triste que parece contradictoria pues reprime o controla a gente de su misma procedencia y, por último, Chris mantiene una actitud distante incluso respecto a sus propias hijas y parece llevarse a su casa tras el trabajo un estado de inquietante y continuo nerviosismo.

La banlieu es retratada como un lugar aislado e impenetrable. Nos sentimos muy próximos a los policías cuando patrullan por esas calles poco recomendables para los que no vivan allí y las imágenes aéreas del dron delimitan el perímetro de la zona dando esa sensación de aislamiento  respecto a las zonas urbanas contiguas.

El título está bien puesto. No es una adaptación de la novela de Hugo pero sí hay conexiones.  Montfermeil es una de las localizaciones de la novela de Hugo, el gran tema de la película y que mueve la acción es también la injusticia social; y la película acaba con una cita de Hugo: No hay malas hierbas ni hombres malos. No hay más que malos cultivadores.

 

 

 

ME ENVENENO DE AZULES

 

Veo otra película de Francisco Regueiro titulada Me enveneno de azules. Y, al contrario que las otras que vi de este director gallego, no me gusta. Se trata de un drama en el que un chico joven, llamado Miguel,  de oscuro pasado,  vuelve a Madrid para visitar a su hermano que es director de cine y trabaja con una actriz que fue novia de Miguel pero que, sorprendentemente, le engañó con el propio padre de Miguel y del director, un quincuagenario más próximo a los 60 que interpreta Antonio Casas. A partir de aquí, se desarrolla la tensión triangular entre Miguel, su padre y su exnovia, llegando a un final trágico en forma de parricidio.

El protagonista de la película interpretando a Miguel es Junior, cosa que de entrada me choca un poco pues no conocía que hubiera sido actor  y, al parecer, hizo muy poco cine aunque realmente era muy popular en 1969, año de la filmación.  No era un buen actor pero tampoco es lo peor de la película ya que el problema es un guion que no va a ninguna parte, que se queda a medio camino en todo lo que intenta explicar. Se ve un estilo de realización de Regueiro con la misma personalidad que en otras películas pero, ante un guion que no funciona, la película no es recomendable.