NAZA

 

Premiada por el Gran Jurado del Festival de Venecia, ha llegado a nuestras pantallas Naza, documental dirigido por Yuval Abraham y Rachel Szor.  Rodado en azoteas de la ciudad de Tel-Aviv, se trata de unas entrevistas con miembros del ejército israelí que participaron en ataques en la franja de Gaza y explican cómo lo hicieron y cómo lo vivieron. 

El documental se basa en la palabra, oímos sus testimonios viendo el skyline de una ciudad moderna y dinámica como es Tel-Aviv. Hay un contraste entre la aparente civilización de una moderna gran urbe y las cosas horribles que explican, que suceden tan solo a unos 60 kilómetros de la ciudad israelí. Sus relatos se ven a veces salpicados con algunas grabaciones de declaraciones de ese gran cínico llamado Netanyahu.

Esos miembros del ejército israelí describen, con gran frialdad y sin mostrar ninguna emoción ni arrepentimiento, como escogen los objetivos de edificios en localidades de la franja y como interceptan comunicaciones para saber cuándo es el momento de disparar un misil o dron para que se dirija allá y explote matando al mayor número posible de gente. El objetivo es la destrucción y el título de la película, Naza, hace referencia al término que el ejército utiliza para designar esos efectos colaterales de la destrucción, un número de seres humanos que han muerto y que se estima, por ahora, en la cifra de 70.000.  Algunos de los testimonios llegan a admitir que han participado en un genocidio, pero lo hacen desde una indiferencia glacial y de absoluta insensibilidad. Recibir órdenes, que se justifican en la agresión del 7 de octubre que perpetró Hamas, es todo lo que necesitan estos hombres para llevar a cabo su siniestra tarea. 

Ver a estos tipos me ha recordado a aquel concepto que acuñó Hannah Arendt, a propósito del seguimiento del juicio a Adolf Eichmann en Jerusalén: la banalidad del mal. Si Eichmann era un burócrata de la muerte, deshumanizado en su labor de procurar la intendencia para poner en marcha la maquinaria de exterminio que acababa en los campos de concentración; aquí estos hombres, con medios tecnológicos mucho más sofisticados, padecen esa misma desgracia igual que la sufría el funcionario alemán: la imposibilidad de distinguir entre el bien y el mal. 

El documental es impresionante en el sentido de que, con la palabra como herramienta, pero con los minuciosos detalles que explican de cómo llevan a cabo su tarea de destrucción desde sus centros de operaciones y con la ayuda de la IA, nos hemos de imaginar el horror. Solo al final vemos imágenes reales de una ciudad prácticamente destruida, y padres buscando a sus hijos entre los escombros. 

Naza, producida por Jonathan Glazer, director de La zona de interés, comparte con aquella película mostrar la indiferencia y deshumanización frente a un genocidio.

Gran documental

FEDRA

Fedra es un melodrama de Manuel Mur Oti, especialista en el género y que fue rodado en 1956. Hace un seguimiento del mito griego a través de la obra de Séneca en la que, por lo visto en la película, la obsesión de Fedra hacia su hijastro es desaforada e irrefrenable. 

Aquí Fredra se llama Estrella (Emma Penella), vive en un pueblo costero y es una atractiva muchacha que concita la atención de todos los hombres de la zona. Conoce un día a Juan (Enrique Diosdado), propietario de varios barcos que le proporcionan una buena posición y que se enamora perdidamente de la joven.  Ella siempre ha despreciado a todos los hombres que se le han acercado, Juan no será una excepción, pero él decide que esperará. Entonces, Estrella conoce a un joven llamado Fernando (Vicente Parra) que, al contrario que los demás hombres, no le hace ningún caso.  Por despecho, Estrella contrae matrimonio con Juan y, una vez ya comprometida, descubre que Fernando es el hijo de Juan, cosa que no solo no le importa, sino que le agrada porque puede estar cerca del joven. 

La película prosigue con un auténtico acoso sexual de Estrella hacia el personaje de Fernando que, en un momento dado, le da varios latigazos para zafarse de ella. Después, Estrella le persigue medio desnuda y todo el pueblo se entera de la situación, lo que desencadena la tragedia. Fernando muere al ser obligado por su padre a acompañarle en una travesía habiendo una fuerte tormenta. Discuten y él cae al agua. Su cadáver queda flotando y a la vista de Juan a la mañana siguiente, pero, antes de que llegue con su barco, Estrella, que se ha tirado de un acantilado huyendo de las mujeres del pueblo, lo alcanza y lo sumerge junto a ella, quedando los dos en el fondo del mar.  

Al parecer, la película tuvo problemas con la censura, pero, a pesar de eso, Mur Oti sexualiza de forma muy explícita a su protagonista que aparece esplendorosa, voluptuosa y sensual. Realmente, Emma Penella, que tenía unos 25 años, hace una interpretación deslumbrante destacando muy por encima de Diosdado y Parra.  El primero hace una interpretación más cómoda, como hombre maduro ciegamente enamorado de la protagonista; mientras que Parra, teñido de rubio, interpreta un papel más complicado ya que sobre él que recae la sospecha de la homosexualidad.

Rodada en la costa alicantina frente a la isla de Tabarca, el paisaje costero, entonces todavía virgen, es el escenario apropiado para narrar una historia de pasión incontenible que hunde sus raíces en un mito griego.  Y en el que tiene cabida como Mur Oti nos describe como es la comunidad de pescadores, pacatos, reprimidos y envidiosos, que se convierten en enemigos de la libertad en la que vive Estrella. 

Mur Oti consigue un gran melodrama, entregado a su protagonista femenina y dotando desde el principio una gran intensidad a la película. 

TRISTANA

 

En 1970, Luis Buñuel rodó Tristana, una de sus últimas películas.  Si bien la novela de Pérez Galdós en la que se basa transcurre en el barrio madrileño de Chamberí, como a Buñuel le encantaba Toledo desde que era estudiante, decidió que el rodaje se haría en la ciudad de las Tres Culturas. Y uno de los sellos de la película son los abundantes exteriores rodados en sus históricas calles, incluida la plaza del Zocodover. 

Buñuel cambia algunas cosas de la novela en su adaptacion cinematográfica para hacerla más agria. En concreto, y como cambio más importante, en la película el personaje de Don Lope muere cuando, estando delicado de salud, Tristana abre la ventana para que entre un gélido viento invernal. Así culmina un viaje de ida y vuelta entre los personajes que a Buñuel le interesa contar y que lleva hasta las últimas consecuencias. Vemos al inicio a un Don Lope seguro de sí mismo, paseando su anticlericalismo e ideologia con tintes libertarios, sojuzgando a su sobrina y tomándola como si fuera su mujer para, posteriormente, ir complaciéndola cuando esta vuelve y se le ha de amputar una pierna, llegando incluso a contraer matrimonio eclesiástico con ella en contra de sus convicciones.  Tristana hace el camino inverso, de personalidad al principio casi infantil y, en cualquier caso, muy sumisa respecto a su tío, a independizarse cuando se enamora de un pintor, fugarse con él y, al enfermar gravemente, volver con su tío para tiranizarlo y humillarlo hasta esa última apertura de la ventana con la que lo condena a muerte por el estado delicado en que se halla. 

Fernando Rey hace una de sus mejores interpetaciones, en un papel que le va como anillo al dedo y la presencia de Catherine Deneuve, con su gélida belleza,  resulta apropiada tanto por la tentación inicial que supone para Don Lope como luego en su insultante actitud hacia este.  Solamente el personaje del pintor, interpretado por Franco Nero, aporta poco a la película al margen de ser el apoyo de la trama para justificar como Tristana se aleja de su tío durante una temporada. En contraste con el poco interés del personaje de Nero,  aporta mucho más  el personaje de Lola Gaos como empleada doméstica de Don Lope,  así como el de su hijo sordomudo que tiene una relación especial con Tristana, de la que se dan unos trazos y que afean más el proceder de la chica mutilada. 

La película tiene apuntes muy divertidos propios de la personalidad de su director y una narración impecable. Hay algún apunte surrealista como que Nero está pintando a un catalán vestido de forma tradicional, incluida barretina, y que dice que se ha traído desde Barcelona;  y, como elemento más integrado en la trama, un sueño recurrente de Tristana en el que ve la cabeza de su tío como el badajo de la campana de una iglesia. 

Buñuel hizo películas tan excelentes que Tristana puede quedar en un nivel inferior, pero es un gran filme. 

DEMENTIA 13

 

La curiosidad me lleva a ver la opera prima de Francis Ford Coppola, rodada gracias a que se la produjo Roger Corman. Se tituló Dementia 13 y se filmó en 1963. El propio Coppola escribió la historia y, al parecer, de forma muy acelerada para aprovechar el resto del presupuesto de una película que Corman rodó en Irlanda. 

Hitchcock había rodado Psicosis tres años antes y se nota que Coppola se vio influenciado por ese filme ya que, en el suyo, la actriz que parece será la protagonista es asesinada a los veinte minutos de proyección. Efectivamente, una mujer llamada Louise está en una barca con su marido cuando a este le da un ataque al corazón y muere. Avisada por el propio marido de que si él muere no va a heredar nada, Louise hace desaparecer el cuerpo y, simulando que su marido se ha ido de viaje de negocios, aparece en la mansión familiar sita en Irlanda. Allí entablará una relación que se intuye difícil con los hermanos, pero, cuando ha empezado a maniobrar con malas artes para llevarse una parte del patrimonio familiar, es asesinada con un hacha. A partir de ese momento, la película gira en torno a los problemas familiares derivados de la muerte, siete años antes, de la hermana pequeña que se ahogó en un estanque descubriéndose, finalmente, quién es el asesino no sin antes ver algunos sucesos terroríficos. 

Se nota que la película está hecha de manera improvisada y con gran celeridad, la trama resulta atropellada y no se profundiza en los personajes. Se trata de una película totalmente prescindible, aunque si sirvió para que Coppola empezara a sentirse director y eso le llevo a acometer grandes proyectos pocos años después, bienvenida sea Dementia 13. 

 

EL REGRESO

 

Andrey Zvygantsev es un extraordinario director, del cual vi Leviatán y Sin amor, cosa que me hace llegar a una de sus primeras películas, El regreso, rodada en 2003 y que no me decepciona pues me parece un gran filme.

Dos jóvenes adolescentes rusos, que viven junto a su madre y abuela, reciben un día la visita inesperada de su padre, ausente durante 12 años y al que, prácticamente, no conocen. Un halo de misterio rodea toda la película, no se explica en ningún momento dónde ha estado el padre durante todos esos años, aunque, por algunos comportamientos del personaje, parece provenir de un mundo turbio.

El padre es un tipo autoritario, tiránico e incapaz de mostrar una actitud cariñosa. Al día siguiente de su aparición, emprenden un viaje para pescar trasladándose a lugares deshabitados y en los que deja a los chicos tirados más de una vez, aunque luego aparece en el último momento, con lo que no se acaba de distanciar de ellos.

En un magnífico prólogo en el que, junto a otros chicos, hay el desafío de lanzarse al mar desde una torre a considerable altura, vemos el carácter de los dos protagonistas y cómo será el que adopten respecto a su padre. Andrey, el hermano mayor, tiene una mayor predisposición a seguir los dictados de su padre y ser obediente mientras que Iván, que aparenta tener un par de años menos, tiene todo el rato una actitud contestataria y de abierto desafío hacia la figura paterna, que es reprimida de manera violenta, sobre todo en el aspecto psicológico.

En un momento de máxima tensión entre padre e hijos, cuando el primero ha golpeado a Andrey, el hijo menos contestatario, Iván huye a lo alto de una torre que está en una isla deshabitada donde tiene lugar la última parte del filme. El padre corre tras él, pero no puede superar un acceso a la parte superior y cae accidentalmente matándose. Los hijos recogen el cadáver y se trasladan en canoa al continente, pero luego la embarcación naufraga con el cadáver del padre hundiéndose en el mar mientras los chicos ya estaban en la orilla. Después, los dos hermanos acceden al automóvil para el viaje de regreso y descubren que en el vehículo hay una fotografía familiar de cuando eran pequeños.

Andrey Zvygantsev rueda de manera pausada, pero la acción siempre progresa estableciendo una introspección psicológica de los personajes con el revelador descubrimiento de la fotografía y el significado que se le puede dar en el sentido que no era un padre totalmente desapegado respecto a sus hijos, si bien todo queda vaporoso al no darse detalles de los motivos de la ausencia del padre.  A pesar de que el padre desaparece en el fondo del mar, y esta vez para siempre, el viaje iniciático ha permitido a los chicos conocer una figura paterna de la que, en pocos días, aprenden a como desenvolverse en un medio natural hostil ya que el padre parece alguien experto en sobrevivir con pocos recursos en situaciones límite. No tenían ningún referente paterno, pero, al final de la película, ya lo tienen y, pese a todo, no creo que se pueda hacer una valoración negativa de ello. 

El director ruso aprovecha el paisaje de la tundra para fotografiarlo de manera espectacular, pero no de manera gratuita, sino al servicio de la historia. Por un lado, es un medio natural que exige conocimiento para adaptarse a él y, por otro, esos inmensos paisajes deshabitados dan el marco adecuado para una lucha psicológica que se libra entre padre e hijos. Las interpretaciones de los tres protagonistas son muy buenas, sobre todo la Iván, el hermano pequeño.

Gran filme del director ruso más reputado en la actualidad, si bien se ha exiliado desde que comenzó la guerra de Ucrania.