FATHER, MOTHER, BROTHER, SISTER

 

Father , mother, sister, brother  es la última película de JIm Jarmusch y ha ganado el León de Oro en el festival de Venecia. Desde el punto de vista sentimental, rescata a un actor peculiar y entrañable como Tom Waits. 

Como en otras películas de Jarmusch, es una película de episodios, en este caso tres, que giran en torno a las relaciones familiares entre padres, madres y hermanos, algunos presentes y otros que ya no lo están. El primer episodio tiene lugar en Estados Unidos cuando dos hijos van a visitar a su padre (Tom Waits) que vive, estando viudo, en un entorno rural. El segundo tiene lugar en Irlanda en una reunión entre una madre (Charlotte Rampling) y sus dos hijas tomando el té. Y el último episodio se ubica en París, ciudad en la que dos mellizos afroamericanos vacían el piso que habitaron sus padres que han fallecido.  

La película ha recibido críticas bastante entusiastas, se ha comparado a Jarmusch con el cine de Ozu y se ha indicado la oportunidad de su estreno en fechas navideñas, donde tantas familias se reencuentran, como en las de los episodios, con cuestiones por resolver y ausencias que siguen presentes.  

A mí es una película que no me ha deslumbrado y que considero, como otras de Jarmusch, demasiado pretenciosa, dando menos de lo que ofrece. La puesta en escena es clásica y austera, basándose en el guion y en intérpretes cuya competencia está acreditada, además de algunos toques de comedia, pero no me han interesado las historias familiares que explican los personajes, más bien me han aburrido. La película me transmite frialdad y distancia, sobre todo el último episodio de los mellizos que es el más inconsistente.   

Si una película con esta temática ha de estar atenta a los detalles, aquellos a través de los cuales se puede transmitir emoción, como pasa en los filmes de Ozu; aquí, por contra, si se introduce un detalle en la historia es para buscar más el efecto, en ocasiones con toque de humor, que para resaltar la naturalidad, pero también complejidad, de las relaciones familiares. Por ello, creo que es una película insuficiente.  

LICENCIA PARA MATAR

 

Licencia para matar (1975) es una película un tanto atípica dentro de la carrera de Clint Eastwood. Pero también tiene la lógica de que Eastwood nunca fue reacio a interpretar papeles fuera de su zona de confort, que consistía básicamente en papeles de policía o vaquero, buscando cosas nuevas, como las prescindibles comedias que protagonizó con el orangután Clyde o la aburrida película Firefox en que mezcla espionaje y ciencia ficción.  

Con Licencia para matar, Eastwood se introduce en el cine de espionaje y, sin ser una gran película, mejora las del orangután y Firefox.  Aquí interpreta a un profesor de arte, Jonathan Hemlock, que lleva una doble vida como agente del servicio secreto especializándose en matar miembros de la inteligencia de otros países, con lo que consigue una buena remuneración que emplea para coleccionar obras de arte. A pesar de que está retirado, las maniobras sucias de su jefe, un siniestro tipo albino llamado Dragón, así como el hecho de que han matado a un amigo suyo, hacen que acepte un último trabajo consistente en matar a un miembro de una expedición que ha de ascender a la montaña Eiger de los Alpes.  El problema es que no sabe la identidad de la persona que ha de asesinar, tan solo que participa en esa escalada, pero ello no será óbice para que Dragon dé la misión por cumplida, aunque un poco inesperado giro final deje al verdadero asesino libre.  

No veía la película desde los años ochenta y tenía el recuerdo de que era aburrida, especialmente el final con las escenas de escalada.  Sin embargo, es un filme de acción con bastante ritmo en todo momento y las escenas de escalada no se me han hecho tan pesadas como esperaba y, además, están muy bien rodadas.  

El guion es inconsistente, se preparan algunas escenas solo para que Eastwood pueda aporrear a algún tipo impresentable que aparece en la película y la historia de amor con una chica afroamericana que, en principio, trabaja para Dragón es tópica y de poco interés. No obstante, la película se beneficia del indudable carisma de Eastwood y un secundario de buen nivel como George Kennedy.  

Esta película no aporta demasiada gloria a la filmografía de Eastwood, ni sirve para calibrar los diferentes matices con que Eastwood afrontó la interpretación de diversos personajes conectados entre sí como policías o cowboys, pero cumple con el cometido de ser un digno entretenimiento.  

 

BRIGITTE BARDOT

 Con la desaparición de Brigitte Bardot, se va tal vez el mito erótico francés más importante del siglo XX.  Una categoría, la de mito erótico, ya en desuso en el siglo XXI pero que, en los años 50 cuando ella empieza a aparecer en pantalla con su espectacular belleza, sí tenía razón de ser.

Como decía Albert Solé en un artículo hoy, se ha destacado su amor por los animales y, de forma mucho más discutible, sus ideas políticas, que se han puesto de relieve por el hecho de haber apoyado al Frente Nacional. Si hubiera apoyado a otros grupos, no se hubiera remarcado como característica negativa su opinión política. 

No tenía fama de gran actriz, aunque algunas películas suyas de las más remarcables no las he visto. Pero solo por haber aparecido en esta escena de Lé mépris, con Michel Piccoli, ya merecería entrar en la historia del cine. Godard extrajo la máximo de los dos actores y, respecto a Bardot, un sugerente y superlativo erotismo

NACIDA AYER

 

Nacida ayer (1950), dirigida por George Cukor, es una divertida comedia con intérpretes de la solvencia de William Holden, Broderick Crawford y una Judy Holiday que se llevó el Óscar a la mejor actriz, triunfando sobre dos mitos nominados ese año como fueron Gloria Swanson y Bette Davis.  

Holiday ya había hecho ese mismo papel en Broadway, el de una rubia, tonta e inculta, amante de un chatarrero garrulo, pero cargado de dinero, que va a Washington para hacer negocios sucios asesorado por un abogado sin escrúpulos e intentando comprar a un congresista.  El chatarrero tendrá la idea de intentar refinar un poco a su novia, contratando para ello a un periodista que cumplirá su misión, cosa que llevará al conflicto entre la pareja ya que ella, a través del acceso a la cultura, descubre las bondades del sistema democrático americano y como las actividades de su amante van en dirección contraria. 

La película me ha recordado un poco a Caballero sin espada. Ambas películas transcurren en Washington y en ambas se confronta la corrupción del ambiente político de la ciudad frente a los principios demócratas que los padres fundadores establecieron en la Constitución de finales del siglo XVIII. También en ambas hay un personaje iluso e idealista, siendo finalmente derrotados los elementos políticos corruptos.  

Como comedia es bastante divertida, dinámica, con buenos diálogos y buenas interpretaciones. Me chirría un poco la parte política, demasiado almibarada y difícil de creer. En ese sentido, la grandeza de Capra hace que me crea más al personaje del joven senador Jefferson Smith. Aquí, tomo más distancia con el personaje interpretado por Holiday. Y si los dos personajes son difíciles de creer, que me crea más al de Capra es mérito del director siciliano. 

En cualquier caso, una comedia de Cukor siempre tiene un gran nivel y merece ser vista.  

LA VOZ DE HIND RAJAB

 

La voz de Hind Rajab es una película franco-tunecina que ganó el León de Plata del Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia. Dirigida por la tunecina Kaouther Ban Hania, la película se basa en hechos reales explicando la agonía que sufrió, en enero de 2024, una niña de cinco años llamada Hind Rahab, malherida tras ser su coche atacado por el ejército israelí en las cercanías de la ciudad de Gaza.  

La virtud de la película es ser capaz de mostrar el horror y sufrimiento de la agonía de una niña a la que nunca vemos. Pero Ban Hania se ha apoyado en las cintas de audio conservadas de las llamadas que los miembros de la Media Luna Roja hicieron al comunicarse con ellos la pequeña, a la que proporcionaron a distancia apoyo emocional mientras intentaban establecer que se autorizara la llegada de una ambulancia para rescatar a la pequeña. Por turnos, los trabajadores de la MLR estuvieron unos setenta minutos hablando con la niña, que equivale a la duración de la película. Se refleja su entereza al hablar con ella, pero también su hundimiento e impotencia ante la situación, conmoviendo especialmente cuando intentan convencer a la niña que sus familiares están durmiendo hasta que la propia pequeña les dice que están muertos.  

Por tanto, tenemos por un lado a esa voz real de la niña y, por otro, la tensión dramática de los miembros de la MLR mientras intentan planificar el rescate. De hecho, la única ubicación de la película son las dependencias de la MLR y asistimos a la impotencia de los que allí trabajan, así como a las tensiones entre ellos, ya que uno de los coordinadores prioriza que la ambulancia solo se ha de desplazar si tienen garantías de que no será atacada, mientras otro trabajador apuesta por intentar salvar de la manera que sea a la niña.  

Finalmente, reciben garantías de que se podrá desplazar una ambulancia y, desde el centro de la MLR siguen el itinerario del vehículo en una pantalla, hasta que por audio se oyen tiros y explosiones dándose cuenta los trabajadores de la MLR que la ambulancia ha sido atacada y será imposible rescatar a la niña. En febrero de 2024 se pudieron encontrar los cuerpos de la niña, familiares y rescatadores. Una investigación periodística estimó que el vehículo en que viajaba la niña recibió 355 impactos.  

Una historia muy dura explicada de manera efectiva.